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Le Biennali di Arti Visive visitate a Venezia, dal 1980... , Domenico Olivero
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Dal 21 marzo – 24 novembre la Casa di Carlo Goldoni accoglie Eva Marisaldi. Biribisso, mostra a cura di Chiara Squarcina e Pier Paolo Pancotto. |
Un progetto che si presenta sotto forma di un’unica, grande installazione multisensoriale che si sviluppa in tutti gli ambienti della casa di Casa Goldoni: una serie di lavori creati per l’occasione con Enrico Serotti, musicista, che costituiscono, come afferma l’artista, delle «riflessioni ‘disordinate’ sul teatro», delle «messe in scena collegate, in qualche modo, alla contemporaneità di Carlo Goldoni». Le opere, tutte di nuova realizzazione, sono diverse per tecnica e tipologia ma unite da una comune fonte di ispirazione: l’autore al quale è intitolata l’istituzione museale e la sua attività nel campo del teatro oltre che a Venezia ed al mondo dello spettacolo e della rappresentazione scenica.
Tra loro delle creazioni sonore tra le quali Tam tam un’installazione basata su una «compilation di ritmi ispirati alla musica barocca», Surround o Biribisso, dal nome del gioco in voga tra XVII e XVIII secolo; opere tessili, Skenè #1, #2, #3 ispirate alla pittura di Canaletto: lavori plastici, Basìn #1, #2, #3 indagano il tema della natura, Play quello del carnevale, Zitt la laguna veneziana e Carlo in omaggio a Goldoni; opere video.
Eva Marisaldi (Bologna, 1966) da sempre mantiene un legame costante con Venezia dove ha preso parte a due edizioni della Biennale d’Arte (1993, 2001) e alla mostra Es-senze al Museo di Palazzo Mocenigo, nel 2022. Negli Ottanta ha compiuto il suo esordio sulla scena espositiva: da subito è apparsa chiara la sua attitudine all’osservazione del mondo e la sua capacità di tradurre tale esperienza in composizioni visive difficili da catalogare secondo le norme tradizionali e che si esplicitano in varie soluzioni espressive: installativa, plastica, grafica, video. Partendo dall’attitudine a riflettere e ad analizzare ciò che la circonda Eva Marisaldi rivolge la propria attenzione soprattutto alla sfera privata dell’individuo, alla realtà sociale e all’ambiente che gli sono attorno dando luogo a delle micro-narrazioni ove le analogie e i contrasti hanno la meglio sulla essenzialità del racconto. Marisaldi sintetizza i risultati della propria indagine in elementi visivi, sonori, letterari tanto densi sul piano semantico quanto lineari su quello espressivo, dove la fantasia si alterna a momenti di riflessione, la poesia all’ironia.
La mostra sarà completata dalla pubblicazione di un catalogo a cura di Pier Paolo Pancotto ed edito da Dario Cimorelli Editore, Milano.
Eva Marisaldi (1966, Bologna dove vive e lavora). Mostre personali (selezione): Museo Marino Marini, Firenze (2023); Estorick collection of Modern Italian Art, London (2019); Padiglione d’Arte Contemporanea, Milano (2018); Villa Medici, Roma (2017); CSAC, Parma (2017); MAGra, Granara (2014); MIMA, Middlesbrough, Newcastle (2012); Mamco, Genève (2003); Galleria d’Arte Moderna, Torino (2002); Maxxi, Roma (2002); Kunsthaus, Essen (1995); ARC Musèe de la Ville de Paris (1993). Mostre collettive (selezione): Es-senze, Museo di Palazzo Mocenigo, Venezia (2022); The place to be, Maxxi, Roma (2017); Documenta, Kassel (2012); Think twice, Whitechapel Gallery, London (2012); No Soul for Sale, Tate Modern, London (2011); Il confine evanescente, Maxxi, Roma (2011); Biennale de Lyon (2003); Biennale de l’image en mouvement, Genève (2001); Biennale di Istanbul (1999); La ville, le jardin, la memoire, Villa Medici, Roma (1998); Manifesta, Rotterdam (1996); L’Hiver de l'Amour, ARC Musèe de la Ville de Paris/PS1, New York (1994); Biennale di Venezia (2001; 1993). |
Pare che il progetto che rappresenterà la Bolivia alla Biennale sarà allestito presso il Padiglione Russo che già dalla scorsa edizione era chiuso.
Ospiterà le opere di 25 artisti legati dal titolo looking to the futurepast, we are treading forward
Artisti: Oswaldo "Achu" De León Kantule, Yanaki Herrera, Duhigó, Zahy Tentehar, Lorgio Vaca, Maria Alexandra Bravo Cladera, Elvira Espejo Ayca, Rolando Vargas Ramos, Edwin Alejo, Cristina Quispe Huanca, Martina Mamani Robles, Prima Flores Torrez, Laura Tola Ventura, María Eugenia Cruz Sanchez, Faustina Flores Ferreyra, Pamela Onostre Reynolds, Guillermina Cueva Sita, Magdalena Cuasace, Claudia Opimi Vaca, Olga Rivero Díaz, Reina Morales Davalos, Silvia Montaño Ito, Ignacia Chuviru Surubi tra altri artisti latinoamericani
Commissario: Juan Carlos Cordero Nina;
Curatore: Ministry of Culture of the Plurinational State of Bolivia;
Lion of God è organizzata dalla galleria Kasmin, New York e verrà allestita all’Ateneo Veneto di Venezia. Dal 1997, Kasmin ha presentato 11 mostre personali di Ford, tra cui Barbary nel 2018, un corpus di opere che esplora il destino del leone berbero del Nord Africa.
Kim’s curatorial approach emphasises the consideration of the body, time, and memory as key elements, while also engaging with topics including ecological perspectives, locality and its planetary connection, and questions of coexistence through her research. Collectively, Zhao and Kim’s shared research synergies reimagine the possibilities of mutual co-existence, multi-species flourishing and more connected ways of being in our precarious present; and through the Singapore Pavilion, provide a vision for life and regeneration for a more ecologically minded future.
More details on Zhao’s presentation for the Singapore Pavilion will be revealed in due course.
Singapore Art Museum (SAM) is committed to the development of artistic practices by supporting critical research and artwork production, and profiling Singaporean and Southeast Asian artists internationally. Singapore’s participation at the prestigious International Art Exhibition - La Biennale di Venezia (Biennale Arte) underscores this commitment to present the finest examples of Singapore contemporary art and highlight our contributions to artistic discourse to a global audience.
Biennale Arte
Biennale Arte is the most established international contemporary art
event and widely regarded as the most significant. Established in 1895,
it is one of the oldest and most important non-commercial platforms to
showcase contemporary art, and a premier stage to showcase Singapore’s
visual artists to the world and connect them with the global art world.
Singapore’s Participation
Singapore has been participating at Biennale Arte since 2001. In its most recent editions, the Singapore Pavilion has featured artists such as Shubigi Rao (2022), Song-Ming Ang (2019), Zai Kuning (2017) and Charles Lim (2015). The 2001 to 2022 editions of the Singapore Pavilion were commissioned by the National Arts Council. For the 11th edition in 2024, SAM has been commissioned by NAC to organise the Singapore Pavilion. The list of participating artists in previous editions can be found here.
About the Singapore Pavilion
Since 2015, the Singapore Pavilion has been located in a dedicated and newly restored 250sqm space in a complex of buildings called the Sale d’Armi, which is centrally located and easily accessible within the Arsenale, a key site in Venice. The Sale d’Armi consists of a cluster of four 16th century barracks built with brick and stone, each with a wooden roof. It lies opposite the intersection between the long Corderie and Artiglierie buildings, where the main central square of the Arsenale is situated.
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In conjunction with the opening of the 60th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia Stranieri Ovunque - Foreigners Everywhere, on April 17 2024, Edipo Re inaugurates the second edition of the project Vela d’Artista in Venice, with the site-specific work AdE_Vela_Rapido by Atelier dell'Errore (AdE), an artist collective dedicated to visual arts and performance.
The project Vela d'Artista involves the design and creation of a sail for Edipo Re, a vessel dear to Pier Paolo Pasolini, by contemporary artists whose work touches upon values such as environmental sustainability and social inclusion. For the project’s second edition Atelier dell'Errore proposes AdE_Vela_Rapido, a randa sail 10 meters high and 5 meters wide.
During the preview days of the Biennale, 17- 21 April 2024, Atelier dell’Errore’s work will remain moored on the banks of the San Marco basin to welcome visitors daily from 12 to 5 pm. Thereafter, the vessel will become a traveling pavilion in the heart of the Venetian Lagoon throughout the spring and summer of 2024. Subsequently, between the end of August and the beginning of September, Edipo Re will dock on the Lido for the Venice Film Festival.
The unique feature of AdE’s sail for Edipo Re is the collective’s physical graphic work that, thanks to the complex technical collaboration with an international sailmaker, becomes embedded within the sail itself. AdE’s drawing is not a serigraph print, but the sail’s interior structure, its architectural “soul.”
For the support of their drawing, the collective chose a highly symbolic object: 50 isothermal rescue blankets joined together to form two enormous silver and gold backdrops. Here, AdE transforms a generic material normally employed to protect fragility into a functional sail, while also creating a suggestion of hope - a new possible future.
The subject chosen by AdE to encamp and animate its sail is a two-faced creature (one face on each of its sides) with a multi-faceted body composed of orifices and apertures, linked together by a highly detailed tendon tissue. These elements allude to containment, preservation or conservation, taking the form of a vascular body. What might be hidden within this constellation of organic vessels is entirely open to interpretation.
The Vela d’Artista project is curated and coordinated by Sibylle Righetti, general director of Edipo Re, with the collaboration of Silvia Jop, artistic director of Edipo Re.
The sail was designed and produced thanks to the collaboration with Velman Sails and with the generous support of Collezione Maramotti.
The Vela d'Artista project is made possible with the support of Gianni Belletti.
ABOUT THE PROJECT
Genesis and concept of the artwork AdE_Vela_Rapido by Atelier Dell’Errore
Edipo Re was born as a commercial net (or in Italian, Rapido) fishing boat in the Pula shipyards in 1943. At the end of WWII, it was transformed into a literal salvation vessel for Istrain Italians desperately escaping the Iron Curtain. It is precisely this second life of Edipo Re, from the fishing of sea life to the salvation of human life, which inspired the collective to design a sail that stands both as a symbol of hope and allegory for the contemporary tragedy of forced migrations and diaspora.
The use of gold here represents a continuum in what AdE’s founder Luca Santiago Mora describes as the collective’s “Golden Age,” which first began in 2016 for a solo exhibition at Moretti Gallery in London, where AdE lined the gallery’s window with the same type of gold foil blankets as the backdrop for a video work.
In more recent works, AdE uses gold to create the figures of their “beyond- zoological” creatures. However, for AdE_Vela_Rapido the collective returns gold to its most traditional use, as pure background. Much like the abysmal flatness of a byzantine icon, AdE suggests a similar desire to communicate that which is elsewhere, a foreign, ex-static dimension.
The Alexandrian-born artist Wael Shawky (b. 1971) will represent Egypt at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. A natural storyteller, Shawky takes historical and literary references as starting points for his immersive narratives that interweave fable, fact and fiction to tackle common notions of national, religious and artistic identity.
Based on extensive periods of research and enquiry, his work across film, performance, painting, drawing and sculpture inverts and reframes contemporary culture through the lens of historical tradition and events.
For the Egyptian Pavilion, Shawky has created Drama 1882, a filmed rendition of an original musical play directed, choreographed, and composed by the artist, around Egypt’s nationalist Urabi revolution against imperial influence (1879-82). The year 1882 was the year this revolt was crushed by the British, who then went on to occupy Egypt until 1956. In part inspired by the Biennale Arte 2024 theme “Foreigners Everywhere”, Shawky said:
There was a revolt led by the Egyptian Colonel Ahmed Urabi and his army against the Egyptian monarch, calling him a traitor because he fell prey to the British and French. The interesting thing about this discourse is the idea of the foreigners – what does it mean to be ‘foreigners’? Who were they? They were the occupiers – it was not the idea of immigrants that we have today.
Sung in classical Arabic by professional performers, the work marks a departure for Shawky:
Normally I insisted on erasing drama from my previous films, so I opted for puppets, marionettes, and children. This time drama has several meanings: There is the sense of make-believe, connected to the idea of having a show, like theatre. There is no theatrical performance in ‘Drama 1882’. The background is moving in slow motion, as if in layers. In the end this makes the work like a moving painting, with the performers and soundtrack being elements in this composition. The word ‘drama’ has many implications: it conjures a sense of entertainment, the sense of catastrophe and our inherent doubt in history.
The film is accompanied by vitrines, sculpture, paintings, drawings and a mirror relief made in Murano.
In accepting the invitation to represent Egypt at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, Shawky said: ‘This is a moment of global political urgency and revolutionary change. It seemed paramount to represent my country with a strong message at this time. To reflect on the historic occupation in Egypt felt timely, pressing, and important.’
I am Hymns of the New Temples, 2023 [Film Still] © Wael Shawky; Courtesy of Sfeir-Semler Gallery, Lisson Gallery, Galleria Lia Rumma, and Barakat Contemporary
In an essay on Shawky, the distinguished Egyptian critic and author Yasmine El Rashidi writes:
Shawky’s practice is rooted in his deep relationship to the history and cultural heritage of the Arab world. His work adheres to the premise that history is a record of subjectively depicted sequences rather than indisputable facts, which he posits to create elaborately choreographed re-stagings and interpretations of historic events. By meticulously blurring lines of recorded fact and possible fictions, and studiously interweaving into his narratives the spiritual and whimsy, Shawky’s work offers poetically alternate prisms with which to consider pivotal moments in history.
In his new theatrical film, ‘Drama 1882’, Shawky continues his ongoing practice of historical renditions transforming the Egyptian Pavilion into the center-stage for a timely and critical conversation around the necessity of revisionist histories and the futility of war.
The Egyptian Pavilion is commissioned by the Egyptian Ministry of Culture – Accademia d’Egitto.
The Pavilion is supported by Sfeir-Semler Gallery, Lisson Gallery, Galleria Lia Rumma and Barakat Contemporary and generously sponsored by Gratus Foundation, Riad Armanious and Natalie Ashba, Masha and Shihab Shobokshi and Mai Eldib.
NOTES FOR EDITORS
Wael Shawky Biography
Based on extensive periods of research and enquiry, Wael Shawky’s work tackles notions of national, religious and artistic identity through film, performance and storytelling. Whether instructing Bedouin children to act out the construction of an airport runway in the desert or organizing a heavy metal concert in a remote Egyptian village, Shawky frames contemporary culture through the lens of historical tradition and vice versa. Mixing truth and fiction, childlike wonder and spiritual doctrine, Shawky has staged epic recreations of the medieval clashes between Muslims and Christians in his trilogy of puppets and marionettes – titled Cabaret Crusades: The Horror Show
Files (2010), The Path to Cairo (2012) and The Secrets of Karbala (2015) – while his three-part film, Al Araba Al Madfuna, uses child actors to recount poetic myths, paying homage, rather than mere lip-service, to the important narratives of yesteryear.
Wael Shawky was born in Alexandria in 1971 where he lives and works. Recent solo exhibitions have been held at M Leuven Museum, Brussels, Belgium (2022); The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX, USA (2021), The Louvre Abu Dhabi, Abu Dhabi, UAE (2020); The Polygon, Vancouver, Canada (2020); ARoS, Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Denmark (2018); Museum of Contemporary Art (MOCA), Yinchaun, China (2017); Castello di Rivoli, Turin, Italy (2016); Fondazione Merz, Turin, Italy (2016); Kunsthaus Bregenz, Austria (2016); Fondazione Merz, Zurich, Switzerland (2016); MATHAF, Doha, Qatar (2015) and MoMA P.S.1, New York, NY, USA (2015); K20
Düsseldorf, Germany (2014-15); Serpentine Galleries, London, UK (2013-14); KW Contemporary Art Institute, Berlin, Germany (2012); Nottingham Contemporary, UK (2011); Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA (2011); Delfina Foundation,
London, UK (2011) and Cittadellarte – Fondazione Pistoletto, Biella, Italy (2010). He has participated in Lahore Biennale, Lahore, Pakistan (2020); Desert X, Al Ula, Saudi Arabia (2020); 14th Istanbul Biennial, Turkey (2015); the 11th Sharjah Biennial, UAE (2013); Documenta 13, Kassel, Germany (2012); the 9th Gwangju Biennial, South
Korea (2012); SITE Santa Fe Biennial, NM, USA (2008); the 9th Istanbul Biennial, Turkey (2005); and the 50th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, Italy (2003). Recent awards include the inaugural Mario Merz Prize (2015); the Award for Filmic Oeuvre created by Louis Vuitton and Kino der Kunst (2013); the Abraaj Capital Art Prize (2012); the Schering Foundation Art Award (2011), as well as The International Commissioning Grant and an award from the Lower Manhattan Cultural Council, in 2005. In 2010, Shawky founded the educational space MASS Alexandria.
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Dal 17 marzo al 24 novembre 2024, Punta della Dogana presenta “Liminal”, uno dei progetti più ambiziosi di Pierre Huyghe a oggi. Concepita dall’artista francese insieme alla curatrice Anne Stenne, l’esposizione presenta un importante nucleo di opere inedite, affiancate a lavori degli ultimi dieci anni, alcuni dei quali provenienti dalla Pinault Collection.
Fondazione In Between Art Film presenta Nebula, la nuova mostra collettiva che aprirà al pubblico il 17 aprile 2024 al Complesso dell’Ospedaletto a Venezia in occasione della 60. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia.
Nebula esporrà otto nuove video installazioni site-specific commissionate a Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme (1983, Cipro/1983, USA), Giorgio Andreotta Calò (1979, Italia), Saodat Ismailova (1981, Uzbekistan), Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado (1974, Brasile/1973, Brasile), Diego Marcon (1985, Italia), Basir Mahmood (1985, Pakistan/Paesi Bassi), Ari Benjamin Meyers (1972, USA) e Christian Nyampeta. Tutte le otto opere sono commissionate e prodotte da Fondazione In Between Art Film, l’istituzione concepita da Beatrice Bulgari per promuovere la cultura delle immaginiin movimento e sostenere gli artisti, i musei e i teorici internazionali che esplorano il dialogo tra discipline e time-based media.
Curata da Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi – rispettivamente direttore artistico e curatore della Fondazione – la mostra si ispira al fenomeno della nebbia come condizione materiale e metaforica in cui la possibilità di orientarsi tramite la vista si riduce, rendendo necessario attivare strumenti sensoriali diversi per conoscere la propria posizione e comprendere ciò che ci circonda. In questo contesto, le opere di Nebula abbracciano forme di frammentazione psicologica, socio-politica, tecnologica e storica, e suggeriscono modalità per navigare il nostro tempo presente, spesso attraversato da elementi che, come la nebbia, appaiono immateriali e insormontabili.
Attraverso sensibilità artistiche e linguaggi tra loro differenti, le opere in mostra rivolgono l’attenzione a quegli spazi intimi e interiori di pensiero che si rendono necessari di fronte agli eventi dell’esistenza. I temi affrontati comprendono la scala globale della migrazione, le percezioni individuali della mortalità, la dimensione collettiva della memoria, le strutture di potere opprimenti e le forme storiche di violenza.
Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme presentano un nuovo adattamento di Until we became fire and fire us (2023—in corso). Questa video installazione multicanale mette al centro comunità che utilizzano il canto, la danza o la poesia come atti di resistenza politica alle conseguenze traumatiche del vivere in contesti dove distruzione e cancellazione sono continue.
Il film Nebula (2024) di Giorgio Andreotta Calò segue una pecora che vaga da sola all’interno del Complesso dell’Ospedaletto, proponendo una riflessione spaziale e metaforica sulla cura, la mortalità e la ricerca di senso.
Melted into the Sun (2024) di Saodat Ismailova è un viaggio visivo e poetico nell’eco culturale e politica che si è generata, attraverso secoli e luoghi diversi, dalle idee rivoluzionarie del profeta Al-Muqanna, una figura storica ambigua che ha vissuto in Asia centrale nell’VIII secolo.
La video installazione a tre canali Brown Bodies in an Open Landscape are Often Migrating (2024) di Basir Mahmood ripercorre, attraverso un approccio metacinematografico, i viaggi pericolosi che compiono migranti senza documenti dall’Asia meridionale all’Europa, tematizzando il paesaggio come spazio fisico ed esistenziale che gli esseri umani abitano e percorrono e dove talvolta cercano la salvezza.
Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado presentano la video installazione a due canali Acumulação Primitiva (Accumulazione Primitiva, 2024), una riflessione allegorica sulle origini del capitalismo, sul colonialismo e sull’etnocidio.
Fritz (2024) di Diego Marcon mostra un ragazzino che canta uno jodel all’interno di una legnaia illuminata da un’alba autunnale. Il suo canto è al tempo stesso un richiamo e un requiem composto solo da vocalizzi e suoni gutturali, cui fanno eco altre voci provenienti dall’esterno.
Composto da due partiture e un film, Marshall Allen, 99, Astronaut (2024) di Ari Benjamin Meyers si focalizza sul celebre sassofonista e attuale leader del leggendario gruppo jazz afrofuturista Sun Ra Arkestra, offrendo un’intensa esperienza musicale che intreccia i temi del tempo, dello spazio, della memoria e della trasformazione.
Il film di Christian Nyampeta, When Rain Clouds Gather (2024), ritrae tre amici artisti che discutono su come trascorrere il loro sabato sera mentre le notizie di guerre ingiuste e di crudeli stermini, insieme alle connessioni e alle divisioni nel mondo della cultura, entrano ed escono dalla loro conversazione.
Gli interventi scenografici e architettonici dello studio interdisciplinare 2050+, fondato da Ippolito Pestellini Laparelli, mirano a tradurre nello spazio le diverse condizioni visive, acustiche, tattili e mentali della nebulosità. A volte solida e concreta, altre eterea e immateriale, la strategia architettonica esalta od offusca i sensi a seconda delle opere e crea momenti in cui la luce e il suono tracimano i confini delle installazioni. La geografia del Complesso dell’Ospedaletto sarà trasformata in un ecosistema di ambienti diversi – alcuni già esistenti e altri inseriti appositamente – amplificando l’esperienza delle video installazioni e consentendo al pubblico di perdere temporaneamente la possibilità di orientarsi.
Nebula, che in latino significa “nuvola” o “nebbia”, è il secondo capitolo di una serie di mostre organizzate a Venezia e continua la ricerca sugli stati della visione e della percezione extra-visiva già iniziata nel 2022 con Penumbra.
Nebula sarà accompagnata da un simposio interdisciplinare curato da Bianca Stoppani, Editor della Fondazione In Between Art Film, che coinvolgerà gli artisti presenti in mostra ed espanderà il dibattito riguardo alle loro pratiche attraverso momenti discorsivi con curatori e intellettuali internazionali.
A cura di Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi con Bianca Stoppani, nell’autunno 2024 verrà pubblicato il catalogo che riflette sulla realizzazione di Nebula e includerà testi appositamente commissionati sulle nuove opere di Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme, Giorgio Andreotta Calò, Saodat Ismailova, Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado, Diego Marcon, Basir Mahmood, Ari Benjamin Meyers, e Christian Nyampeta.
Il Complesso dell’Ospedaletto è uno spazio culturale che fa parte di Ospedaletto Contemporaneo, un’iniziativa promossa da Venews Arts.