tag:blogger.com,1999:blog-41453331942304851632024-03-18T12:00:34.951+01:00Biennale di VeneziaLe Biennali di Arti Visive visitate a Venezia, dal 1980... , Domenico OliveroDomenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comBlogger1548125tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-28117561284239307412024-03-18T12:00:00.001+01:002024-03-18T12:00:00.278+01:00I Am Hymns of the New Temples- أنا تراتیل المعابد الجدیدة.<p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF_pJW-UkVCsf_Y4RbM5jGcWPbXhHviskEfleoO1Ek1DtuySC7vW-BClbSz-DBqeNm08SfmQZSpunJKdcwmLhWgPkqDTuAfDijHGqxSrbE_rLyFLrh_pbHYmsbhg0FuW-JHvzsa-Kmcq3SQ3yvJv8NQvou2KwRWGt0DWFCJKYwTFTla0nZd7qU6JAGlQM/s877/Wael%20Shawky%20Venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="877" height="324" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF_pJW-UkVCsf_Y4RbM5jGcWPbXhHviskEfleoO1Ek1DtuySC7vW-BClbSz-DBqeNm08SfmQZSpunJKdcwmLhWgPkqDTuAfDijHGqxSrbE_rLyFLrh_pbHYmsbhg0FuW-JHvzsa-Kmcq3SQ3yvJv8NQvou2KwRWGt0DWFCJKYwTFTla0nZd7qU6JAGlQM/w640-h324/Wael%20Shawky%20Venice.jpg" width="640" /></a></div><br /><p></p><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 150%; padding: 0px 18px 9px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><span style="font-family: arial;">Aprirà al pubblico <strong>mercoledì</strong> <strong>17 aprile 2024</strong>, nella sede del<strong> Museo di Palazzo Grimani</strong> (“Ala Tribuna”) a Venezia, la <strong>mostra</strong><strong> personale (anteprima museale internazionale) </strong>dell’artista egiziano <strong>Wael Shawky</strong> (Alessandria d’Egitto, 1971) intitolata <strong><em>I Am</em></strong><strong><em> Hymns of the New Temples- </em></strong><span dir="RTL">أنا</span> <span dir="RTL">تراتیل</span> <span dir="RTL">المعابد</span> <span dir="RTL">الجدیدة</span>.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />A cura di <strong>Massimo Osanna</strong> (Direttore Generale Musei del Ministero della Cultura), <strong>Andrea Viliani</strong> (Co-curatore del programma <em>Pompeii Commitment. Materie archeologiche</em>) e <strong>Gabriel Zuchtriegel</strong> (Direttore del Parco Archeologico di Pompei), la mostra è organizzata in collaborazione fra il <strong>Museo di Palazzo Grimani</strong> e il <strong>Parco Archeologico di Pompei</strong>,
e accompagna la partecipazione dell’artista alla 60. Esposizione
Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, dove Shawky è stato
invitato a rappresentare la Repubblica Araba d’Egitto al Padiglione
Egitto.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />La mostra riunisce <strong>l’opera filmica</strong><strong><em> I Am Hymns of the New Temples -</em> </strong><span dir="RTL">أنا</span> <span dir="RTL">تراتیل</span> <span dir="RTL">المعابد</span> <span dir="RTL">الجدیدة</span>
– realizzata dall’artista nel 2023 e che, dopo la sua anteprima al
Parco Archeologico di Pompei, viene presentata a Venezia in anteprima
museale internazionale – e una <strong>selezione di opere multi-materiche e disegni</strong>
realizzati dall’artista fra il 2022 e il 2024. Il progetto espositivo è
concepito come un dialogo ideale fra spazi e tempi differenti, in cui
le <strong>opere contemporanee</strong> coesistono con le <strong>opere archeologiche</strong> e i <strong>saloni storici di Palazzo Grimani</strong>, delineando un percorso che dal <em>Camaron d’Oro</em> conduce prospetticamente alla cosiddetta <em>Tribuna</em>, nota anche come <em>Antiquarium</em> o <em>Camerino delle Antichità</em>, vero e proprio fulcro del palazzo e delle sue narrazioni. </span></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px;" valign="top"><br /></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 150%; padding: 0px 18px 9px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><span style="font-family: arial;">Narratore di processi conoscitivi ed espressivi sospesi fra il documentabile e l’immaginabile, Wael Shawky esplora i <strong>modi in cui sono state scritte e raccontate le storie </strong>e analizza come esse abbiano modellato anche la<strong> realtà storica</strong>.
Nelle sue opere – in cui si articolano film, disegno, pittura,
scultura, installazione, performance e regia teatrale, sempre risultato
di una ricerca sulle fonti storiche e letterarie – Shawky ci predispone
infatti a una posizione di consapevolezza nei confronti dei<strong> meccanismi narrativi, antichi e contemporanei, con cui sono stati interpretati e trasmessi i fatti storici, sociali e culturali</strong>
e, attraversando spazio e tempo, evoca una dimensione al contempo
fattuale e immaginaria della storia e della società, come se esse non
fossero<strong> mai definibili una volta e per sempre, o da un solo punto di vista</strong>.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Girata nell’estate del 2022 fra le rovine dell’antica città di<strong> Pompei</strong>, colpita dall’eruzione del Vesuvio nel 79 dc, <em>I Am Hymns of the New Temples</em> mostra ciò che affiora alle soglie fra le diverse culture che rendono Pompei <strong>un vero e proprio teatro delle culture mediterranee</strong>, le cui differenti narrazioni sono inevitabilmente connesse. La produzione dell’opera filmica <em>I Am Hymns of the New Temples</em> – vincitrice dell'avviso pubblico <strong>PAC – Piano per l’Arte Contemporanea 2020</strong> promosso e sostenuto dalla <strong>Direzione Generale Creatività Contemporanea</strong> del <strong>Ministero della Cultura </strong>– è il risultato della collaborazione fra il <strong>Ministero della Cultura</strong> e il <strong>Parco Archeologico di Pompei</strong> nel contesto del programma <strong><em>Pompeii Commitment. Materie archeologiche</em></strong>. <em>I Am Hymns of the New Temples</em> rappresenta la prima opera prodotta, nel 2023, nel contesto di questo programma del Parco Archeologico di Pompei, <strong>il
primo sito archeologico al mondo a dotarsi di un programma di lungo
termine e di una collezione permanente dedicati alle arti contemporanee</strong>,
con l’obiettivo di ricercare e valorizzare la contemporaneità dei temi e
dei valori espressi dal patrimonio archeologico italiano e
internazionale. Istituzione partner per la valorizzazione internazionale
dell’opera filmica è il <strong>LaM-Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain, d’art brut</strong>. Hanno inoltre collaborato alla realizzazione dell’opera anche <strong>Fondazione Teatro di San Carlo </strong>e <strong>Accademia di Belle Arti di Napoli</strong>, con il supporto di <strong>Galleria Lia Rumma, Milano/ Napoli</strong>.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Nelle giornate di anteprima della 60. Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia (16-20 aprile 2024) ingresso gratuito per i possessori di accredito.<br /><br aria-hidden="true" />La mostra sarà visitabile dal 17 aprile con regolare biglietto d’ingresso al Museo di Palazzo Grimani.</span></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0Rugagiuffa, 4858, 30122 Venezia VE, Italia45.4370076 12.342221317.126773763821156 -22.8140287 73.747241436178854 47.4984713tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-25193102370700170532024-03-17T11:00:00.000+01:002024-03-17T11:00:00.200+01:00 Uzbekistan l'avanguardia nel deserto: una storia mai raccontata<div style="margin: 0px; text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjca31QlwT-0VJkXFlKCrgQtVvGgV1_ZYYJlUuL9RUzdeGIBj_NQSSvT4e2iC5M51MbB98aCaYWDGvmR77jLb-Cq7BrwzRnH_eggpHKfwpZf5_S-Fg0ysezX1iHo4lOGzZ7zIyGxlw6l-XeBSPSZRhijd0F4QT4E2YMJz8kjml2YMF2vHOpPfqPMaQGDxw/s655/biennale%20venice%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="655" data-original-width="508" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjca31QlwT-0VJkXFlKCrgQtVvGgV1_ZYYJlUuL9RUzdeGIBj_NQSSvT4e2iC5M51MbB98aCaYWDGvmR77jLb-Cq7BrwzRnH_eggpHKfwpZf5_S-Fg0ysezX1iHo4lOGzZ7zIyGxlw6l-XeBSPSZRhijd0F4QT4E2YMJz8kjml2YMF2vHOpPfqPMaQGDxw/w496-h640/biennale%20venice%202024.jpg" width="496" /></a></div><br /><span style="font-family: arial; font-weight: 700;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-weight: 700;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;">La
mostra “Uzbekistan. L’Avanguardia nel deserto” presenta per la prima
volta al pubblico italiano e del mondo occidentale una pagina
straordinaria e ancora poco nota dell’arte della prima metà del XX sec.
Il progetto espositivo, che si dispone nella sede prestigiosa di Ca’
Foscari Esposizioni a Venezia, è promosso e sostenuto dalla Fondazione
Uzbekistan Cultura ed è curato da Silvia Burini e Giuseppe Barbieri,
direttori del Centro Studi sull’Arte Russa dell’Università Ca’ Foscari
Venezia, coadiuvati da un prestigioso comitato scientifico
internazionale; mette insieme, in un arco cronologico dalla fine
dell’Ottocento al 1945, <strong>circa 100 opere (soprattutto dipinti su tela e su carta, cui si aggiungono emblematici reperti della tradizione tessile uzbeka</strong>)
provenienti dal Museo Nazionale di Tashkent e dal Museo Savitsky di
Nukus, quello che la stampa internazionale indica da qualche anno, non
impropriamente, come “il Louvre del deserto”.<br /></span><strong><span style="font-family: arial;"> <br /></span></strong><span style="font-family: arial;"><strong>È
la prima esposizione nella storia a stabilire delle precise relazioni
tra le due più importanti raccolte d’arte del Novecento presenti in
Uzbekistan</strong>: si tratta di un elemento fondamentale per comprendere la profondità di una vicenda artistica come questa, ma <strong>non è l’unica novità della mostra</strong>.<strong> </strong>Finora
si era pensato infatti alle opere e agli artisti anche più innovativi
che lavorano in Centro Asia nel terzo e quarto decennio del Novecento
come a una declinazione periferica e marginale della grande svolta
operata nelle capitali russe dal 1898 al 1922 da una straordinaria
generazione di artisti (Fal’k, Kandinskij, Ekster, Lentulov, Rodčenko
ecc.). Ciò che invece si potrà osservare è <strong>la genesi e il successivo sviluppo di una autentica scuola nazionale</strong><strong>, di una “Avanguardia Orientalis”</strong>
affascinante e unica. Un risultato straordinario, che è stato possibile
ottenere solo affiancando la raccolta del Museo Nazionale di Tashkent
(dove già all’inizio degli anni ’20 erano presenti importanti capolavori
dell’Avanguardia russa, tra cui 4 opere di Kandinskij) con quella di
Nukus: da una parte l’anticipata ricezione di una matrice di grande
modernità, che riprende e diffonde anche tutte le esperienze dell’Europa
occidentale, dall’altra la sua trasformazione in un linguaggio
totalmente originale, multietnico e interdisciplinare.<br /></span><strong><span style="font-family: arial;"> <br /></span></strong><span style="font-family: arial;">La mostra presenta come sottotitolo “La forma e il simbolo”. Il <strong>primo termine rinvia all’influenza esercitata sulla pittura del Centro Asia dall’Avanguardia storica russa</strong> mediante <strong>le opere in parte inviate a Tashkent, in altra parte raccolte da Savickij a Nukus</strong>: una selezione di segni di straordinaria qualità, mai in precedenza inviati fuori dei confini dell’Uzbekistan, tra cui <strong>4 opere di Kandinskij</strong>
(due olii e due disegni su carta): Lentulov, Maškov, Popova, Rodčenko,
Rozanova sono solo alcuni dei protagonisti di uno scenario, quello della
nascita dell’astrattismo, da tempo riconosciuto come uno dei fondamenti
dell’arte mondiale del Novecento.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">A queste si aggiunge <strong>un’ampia selezione di opere dell’Avanguardia Orientalis</strong>. Sono l’esito di <strong>un dialogo culturale e artistico profondissimo</strong>: da una parte le secolari tradizioni delle sete sfavillanti e la raffinata <em>palette</em>
delle decorazioni architettoniche che riprendono i colori del cielo e
degli scenari naturali, l’incedere degli animali e i suoni di una lunga
vicenda musicale; dall’altra l’esigenza non più rinviabile di un codice
pittorico nuovo, mai in precedenza sperimentato nell’Oriente islamico. <strong>È proprio questo rapporto a conferire uno spessore simbolico</strong> alle opere su tela e su carta che sono esposte.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">Si tratta inoltre di <strong>un dialogo interculturale, che mette insieme artisti uzbeki, kazaki, armeni, russi d’Oriente, siberiani</strong>,
quasi tutti formatisi a Mosca e a Pietrogrado, ma tutti radicati in una
terra che scoprono e in cui scelgono di vivere e lavorare.
L’Avanguardia Orientalis è pertanto<strong> un’Avanguardia inclusiva</strong>, di confronto e collaborazioni, di incontri e di comuni ascendenze.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">È una storia spesso avventurosa, che la mostra di Venezia ha scelto di declinare ponendo su <strong>un</strong> <strong>piano di pari dignità i segni pittorici e grafici e quelli delle arti applicate</strong>,
con una selezione di manufatti tessili che da una parte rivelano
insospettabili consonanze con le moderne frontiere dell’arte, e insieme
trasmettono, dall’altra, un patrimonio culturale profondamente
simbolico, legato ad antichi culti e a pratiche millenarie.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">La
rassegna di Ca’ Foscari è anche l’occasione per richiamare l’attenzione
internazionale sulla figura e l’opera di Igor Savickij.<br /></span><span style="font-family: arial;"><strong>La leggendaria figura di Savickij</strong>
è la base del percorso, che ha tra i suoi obiettivi anche quello di far
conoscere a un pubblico di non solo addetti ai lavori una personalità
essenziale per preservare e tramandare molti aspetti, non solo dell’arte
del XX sec., ma del complessivo Cultural Heritage dell’Uzbekistan. A
lui si deve, nel bel mezzo del deserto nel Karakalpakstan, nella parte
nord-occidentale dell'Uzbekistan, la costituzione di <strong>una delle più grandi collezioni di arte d'Avanguardia russa nel mondo, seconda</strong><strong> in termini di quantità solo a quella del Museo Russo di San Pietroburgo</strong>, e pressoché unica testimonianza di uno dei più importanti movimenti artistici della storia russa del XX sec.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">Archeologo
di formazione, pittore per diletto e talento, collezionista per felice
ossessione, dalla fine degli anni ’50 e fino agli anni ’70 del ‘900
Savickij ha raccolto a Nukus migliaia di reperti archeologici e
manufatti di artigianato e arte popolare della regione, affiancandoli
col tempo ad altre molte migliaia di dipinti e di fogli di grafica
provenienti dall’Uzbekistan e dall’Unione Sovietica, in <strong>una concezione attualissima di “museo sintetico”</strong>,
che la mostra riprende e ragiona nell’ampio catalogo Electa, come pure
nella disposizione delle opere e nell’originale allestimento
multimediale veneziano.<br /></span><span style="font-family: arial;">Savickij
ha viaggiato senza sosta per raccogliere migliaia di opere d’arte che
nel frattempo erano ormai scomparse anche dall’orizzonte e dalla memoria
degli studi: le ha rintracciate negli atelier degli artisti o le ha
acquistate da vedove ed eredi, nei “deserti” del rifiuto staliniano e
post staliniano per la modernità dell’Avanguardia di inizio Novecento.
Ha mantenuto al centro dei suoi interessi le opere degli artisti che
avevano vissuto a lavorato nel Turkestan, dove lui stesso era stato
evacuato negli anni della Seconda Guerra Mondiale. Ha fatto rivivere nel
deserto di Nukus le radici dell’arte moderna in Uzbekistan.<br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">A Savickij si deve anche la comprensione e la raccolta di <strong>un importante, e pressoché inedito, gruppo di opere, pittoriche e grafiche, del Gruppo Amaravella</strong>
(il termine, sanscrito, di etimologia incerta, probabilmente relativo a
“spazio in espansione”), impegnato, in un breve volgere di anni, tra
1923 e 1928, a tradurre visivamente, nel solco della lezione di Nikolaj
Roerich, i nodi cruciali delle <strong>teorie cosmiste</strong>
all’epoca diffuse nel mondo russo. Il Museo di Nukus è il principale
contenitore (e tra i pochissimi al mondo) di opere del Gruppo, che
saranno esposte per la prima volta a Ca’ Foscari.</span></div><div style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-70515341248885399852024-03-16T13:00:00.000+01:002024-03-16T13:00:00.140+01:00Vela d’Artista<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUMWcZL68af0NhCq2fXOGp1o7ExierGoYqqJj9piBKAv_9g9HfbThD5QtFCSAGQyoZoVa5FHK02nElBLVQDum0ZCE5DZOeoLLV0xtAvNLlEKaZFHscj3i5SIuVbscoMPwQZYnGFq50Yj562pyt2bwu3HUr9d7ak-ZddvKnnP_9iI9SnkgFJ86bGK827MM/s565/dfasdf.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="565" data-original-width="467" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUMWcZL68af0NhCq2fXOGp1o7ExierGoYqqJj9piBKAv_9g9HfbThD5QtFCSAGQyoZoVa5FHK02nElBLVQDum0ZCE5DZOeoLLV0xtAvNLlEKaZFHscj3i5SIuVbscoMPwQZYnGFq50Yj562pyt2bwu3HUr9d7ak-ZddvKnnP_9iI9SnkgFJ86bGK827MM/w528-h640/dfasdf.jpg" width="528" /></a></div><br /><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In conjunction with the opening of the 60th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia Stranieri Ovunque - Foreigners Everywhere, on April 17 2024, Edipo Re inaugurates the second edition of the project Vela d’Artista in Venice, with the site-specific work AdE_Vela_Rapido by Atelier dell'Errore (AdE), an artist collective dedicated to visual arts and performance.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The project Vela d'Artista involves the design and creation of a sail for Edipo Re, a vessel dear to Pier Paolo Pasolini, by contemporary artists whose work touches upon values such as environmental sustainability and social inclusion. For the project’s second edition Atelier dell'Errore proposes AdE_Vela_Rapido, a randa sail 10 meters high and 5 meters wide.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">During the preview days of the Biennale, 17- 21 April 2024, Atelier dell’Errore’s work will remain moored on the banks of the San Marco basin to welcome visitors daily from 12 to 5 pm. Thereafter, the vessel will become a traveling pavilion in the heart of the Venetian Lagoon throughout the spring and summer of 2024. Subsequently, between the end of August and the beginning of September, Edipo Re will dock on the Lido for the Venice Film Festival.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The unique feature of AdE’s sail for Edipo Re is the collective’s physical graphic work that, thanks to the complex technical collaboration with an international sailmaker, becomes embedded within the sail itself. AdE’s drawing is not a serigraph print, but the sail’s interior structure, its architectural “soul.”</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">For the support of their drawing, the collective chose a highly symbolic object: 50 isothermal rescue blankets joined together to form two enormous silver and gold backdrops. Here, AdE transforms a generic material normally employed to protect fragility into a functional sail, while also creating a suggestion of hope - a new possible future.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The subject chosen by AdE to encamp and animate its sail is a two-faced creature (one face on each of its sides) with a multi-faceted body composed of orifices and apertures, linked together by a highly detailed tendon tissue. These elements allude to containment, preservation or conservation, taking the form of a vascular body. What might be hidden within this constellation of organic vessels is entirely open to interpretation.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The Vela d’Artista project is curated and coordinated by Sibylle Righetti, general director of Edipo Re, with the collaboration of Silvia Jop, artistic director of Edipo Re.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The sail was designed and produced thanks to the collaboration with Velman Sails and with the generous support of Collezione Maramotti.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The Vela d'Artista project is made possible with the support of Gianni Belletti.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">ABOUT THE PROJECT</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Genesis and concept of the artwork AdE_Vela_Rapido by Atelier Dell’Errore</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Edipo Re was born as a commercial net (or in Italian, Rapido) fishing boat in the Pula shipyards in 1943. At the end of WWII, it was transformed into a literal salvation vessel for Istrain Italians desperately escaping the Iron Curtain. It </span><span style="font-family: arial;">is precisely this second life of Edipo Re, from the fishing of sea life to the salvation of human life, which inspired the collective to design a sail that stands both as a symbol of hope and allegory for the contemporary tragedy of forced migrations and diaspora.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The use of gold here represents a continuum in what AdE’s founder Luca Santiago Mora describes as the collective’s “Golden Age,” which first began in 2016 for a solo exhibition at Moretti Gallery in London, where AdE lined the gallery’s window with the same type of gold foil blankets as the backdrop for a video work.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In more recent works, AdE uses gold to create the figures of their “beyond- zoological” creatures. However, for AdE_Vela_Rapido the collective returns gold to its most traditional use, as pure background. Much like the abysmal flatness of a byzantine icon, AdE suggests a similar desire to communicate that which is elsewhere, a foreign, ex-static dimension.</span></p><div style="text-align: justify;"><br /></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-28260505209973593442024-03-15T19:47:00.003+01:002024-03-15T19:47:42.111+01:00Venice Art Factory<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7iPt1wIXE_7gZycjYB-xvdhnuG339arSZz40qBWyZfJf_ACPvJqL2BU-uK1C0uppHHcnDB2JV9pYwuJ7EodT7eenjjhZebsxwBTF45sxGNSvfjO8AhiSwrxqjeEDfTD4NjRfmX6Sr6Rk5Yi2F5mx-u85R8BV__rZoFnbVpJSahKHfufGCpgtHleLkDf4/s1371/biennale%20venice%20art%20factory%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1371" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7iPt1wIXE_7gZycjYB-xvdhnuG339arSZz40qBWyZfJf_ACPvJqL2BU-uK1C0uppHHcnDB2JV9pYwuJ7EodT7eenjjhZebsxwBTF45sxGNSvfjO8AhiSwrxqjeEDfTD4NjRfmX6Sr6Rk5Yi2F5mx-u85R8BV__rZoFnbVpJSahKHfufGCpgtHleLkDf4/w640-h318/biennale%20venice%20art%20factory%202024.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Anche quest'anno la <a href="https://www.veniceartfactory.org/">Venice Art Factory</a> presenta una serie di eventi espositivi in sei differenti location nel cuore di Venezia.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">CS</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">We are delighted to present the 7 National Pavilions and the 18 Museum and Gallery Projects, featured in the context of the 60th Venice Art Biennale 2024, in which Venice Art Factory collaborated. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">This is the 1 of 4 sending of a weekly contemporary art countdown where we will share information about the exhibitions opening in April.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">We are proud to have once again supported artists, curators and organisations from all over the world to bring their great projects to Venice.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Reza Aramesh. Number 207</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">MUNTREF, ICA MIAMI</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 16 Apr > 2 Oct</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artist: Reza Aramesh</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curator: Serubiri Moses</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: Chiesa di San Fantin</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">The Neighbours</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">BULGARIA NATIONAL PAVILION</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 20 Apr > 24 Nov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artists: Krasimira Butseva, Lilia Topouzova,</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Julian Chehirian</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curator: Vasil Vladimirov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: Sala Tiziano - Centro Culturale Don Orione</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Memo Akten. Boundaries</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">VANHAERENTS ART COLLECTION</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 20 Apr > 24 Nov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artist: Memo Akten</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curator: Walter Vanhaerents</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: Chiesa di Santa Maria della Visitazione</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">The Art of Seeing - States of Astronomy</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">GEORGIA NATIONAL PAVILION</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 20 Apr > 24 Nov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artists: Nikoloz Koplatadze, Grigol Nodia, Juliette George, Rodrigue De Ferluc, Iliazd, Max Ernst, Wilhelm Tempel</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curators: Julia Marchand, David Koroshinadze</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: Palazzo Palumbo Fossati</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">H2O Venezia: Diari d'acqua / Water Diaries</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">LAPIS LAZULI: ARTE, FONDAZIONE BAROVIER&TOSO</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 18 Apr > 24 Nov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artists: Alizée Gazeau, Marija Jaensch, Amy Thai, Sofía Toribio, Jiaying Wu</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: SPUMA - Space for the Arts</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Breasts</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">ACP - PALAZZO FRANCHETTI, CONTEMPORIS ETS, FONDAZIONE IEO MONZINO</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Dates: 18 Apr > 24 Nov</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artists: Nobuyoshi Araki, Christopher Bucklow, Adelaide Cioni, Charlotte Colbert, Teniqua Clementine Crawford, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Richard Dupont, Hans Feurer, Philippe Garner, Paa Joe, Allen Jones, Sherrie Levine, Sarah Lucas, Robert Mapplethorpe, Prune Nourry, Lakin Ogunbanwo, Laura Panno, Aurora Pellizzi, Irving Penn, Laure Prouvost, Issa Salliander, Cindy Sherman, Jacques Sonck, Masami Teraoka, Oliviero Toscani, Giovanna Ferrero Ventimiglia, Anna Weyant, Chloe Wise</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curator: Carolina Pasti</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Venue: ACP - Palazzo Franchetti (Mezzanine Floor)</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-24167280624966366242024-03-15T12:30:00.001+01:002024-03-15T12:30:00.142+01:00News dal Padiglione Egitto<p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYLXaJ4rhakB4ed9PxXQwxDHskeeTvqamx9Htv82mRvnIUrLgF-Q2czXZ_-kmJpzpiRxg7QIF2IOO99fIObEtda5wxKpi-2Xg5KFO38uLYmg1x0PEig_6aHsy7xzQmti0apWfb1Gm-HYCbnwtoABPBXclQ8fIrxjW2LpjLDgZQW34LSKtoWXOCeKtAafE/s769/egypt%20pavilion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="769" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYLXaJ4rhakB4ed9PxXQwxDHskeeTvqamx9Htv82mRvnIUrLgF-Q2czXZ_-kmJpzpiRxg7QIF2IOO99fIObEtda5wxKpi-2Xg5KFO38uLYmg1x0PEig_6aHsy7xzQmti0apWfb1Gm-HYCbnwtoABPBXclQ8fIrxjW2LpjLDgZQW34LSKtoWXOCeKtAafE/w640-h396/egypt%20pavilion.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The Alexandrian-born artist Wael Shawky (b. 1971) will represent Egypt at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. A natural storyteller, Shawky takes historical and literary references as starting points for his immersive narratives that interweave fable, fact and fiction to tackle common notions of national, religious and artistic identity.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Based on extensive periods of research and enquiry, his work across film, performance, painting, drawing and sculpture inverts and reframes contemporary culture through the lens of historical tradition and events.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">For the Egyptian Pavilion, Shawky has created Drama 1882, a filmed rendition of an original musical play directed, choreographed, and composed by the artist, around Egypt’s nationalist Urabi revolution against imperial influence (1879-82). The year 1882 was the year this revolt was crushed by the British, who then went on to occupy Egypt until 1956. In part inspired by the Biennale Arte 2024 theme “Foreigners Everywhere”, Shawky said:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">There was a revolt led by the Egyptian Colonel Ahmed Urabi and his army against the Egyptian monarch, calling him a traitor because he fell prey to the British and French. The interesting thing about this discourse is the idea of the foreigners – what does it mean to be ‘foreigners’? Who were they? They were the occupiers – it was not the idea of immigrants that we have today.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Sung in classical Arabic by professional performers, the work marks a departure for Shawky:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Normally I insisted on erasing drama from my previous films, so I opted for puppets, marionettes, and children. This time drama has several meanings: There is the sense of make-believe, connected to the idea of having a show, like theatre. There is no theatrical performance in ‘Drama 1882’. The background is moving in slow motion, as if in layers. In the end this makes the work like a moving painting, with the performers and soundtrack being elements in this composition. The word ‘drama’ has many implications: it conjures a sense of entertainment, the sense of catastrophe and our inherent doubt in history.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The film is accompanied by vitrines, sculpture, paintings, drawings and a mirror relief made in Murano.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In accepting the invitation to represent Egypt at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, Shawky said: ‘This is a moment of global political urgency and revolutionary change. It seemed paramount to represent my country with a strong message at this time. To reflect on the historic occupation in Egypt felt timely, pressing, and important.’</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">I am Hymns of the New Temples, 2023 [Film Still] © Wael Shawky; Courtesy of Sfeir-Semler Gallery, Lisson Gallery, Galleria Lia Rumma, and Barakat Contemporary</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In an essay on Shawky, the distinguished Egyptian critic and author Yasmine El Rashidi writes:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Shawky’s practice is rooted in his deep relationship to the history and cultural heritage of the Arab world. His work adheres to the premise that history is a record of subjectively depicted sequences rather than indisputable facts, which he posits to create elaborately choreographed re-stagings and interpretations of historic events. By meticulously blurring lines of recorded fact and possible fictions, and studiously interweaving into his narratives the spiritual and whimsy, Shawky’s work offers poetically alternate prisms with which to consider pivotal moments in history.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In his new theatrical film, ‘Drama 1882’, Shawky continues his ongoing practice of historical renditions transforming the Egyptian Pavilion into the center-stage for a timely and critical conversation around the necessity of revisionist histories and the futility of war.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The Egyptian Pavilion is commissioned by the Egyptian Ministry of Culture – Accademia d’Egitto.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">The Pavilion is supported by Sfeir-Semler Gallery, Lisson Gallery, Galleria Lia Rumma and Barakat Contemporary and generously sponsored by Gratus Foundation, Riad Armanious and Natalie Ashba, Masha and Shihab Shobokshi and Mai Eldib.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">NOTES FOR EDITORS</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Wael Shawky Biography</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Based on extensive periods of research and enquiry, Wael Shawky’s work tackles notions of national, religious and artistic identity through film, performance and storytelling. Whether instructing Bedouin children to act out the construction of an airport runway in the desert or organizing a heavy metal concert in a remote Egyptian village, Shawky frames contemporary culture through the lens of historical tradition and vice versa. Mixing truth and fiction, childlike wonder and spiritual doctrine, Shawky has staged epic recreations of the medieval clashes between Muslims and Christians in his trilogy of puppets and marionettes – titled Cabaret Crusades: The Horror Show</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Files (2010), The Path to Cairo (2012) and The Secrets of Karbala (2015) – while his three-part film, Al Araba Al Madfuna, uses child actors to recount poetic myths, paying homage, rather than mere lip-service, to the important narratives of yesteryear.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Wael Shawky was born in Alexandria in 1971 where he lives and works. Recent solo exhibitions have been held at M Leuven Museum, Brussels, Belgium (2022); The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX, USA (2021), The Louvre Abu Dhabi, Abu Dhabi, UAE (2020); The Polygon, Vancouver, Canada (2020); ARoS, Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Denmark (2018); Museum of Contemporary Art (MOCA), Yinchaun, China (2017); Castello di Rivoli, Turin, Italy (2016); Fondazione Merz, Turin, Italy (2016); Kunsthaus Bregenz, Austria (2016); Fondazione Merz, Zurich, Switzerland (2016); MATHAF, Doha, Qatar (2015) and MoMA P.S.1, New York, NY, USA (2015); K20</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Düsseldorf, Germany (2014-15); Serpentine Galleries, London, UK (2013-14); KW Contemporary Art Institute, Berlin, Germany (2012); Nottingham Contemporary, UK (2011); Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA (2011); Delfina Foundation,</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">London, UK (2011) and Cittadellarte – Fondazione Pistoletto, Biella, Italy (2010). He has participated in Lahore Biennale, Lahore, Pakistan (2020); Desert X, Al Ula, Saudi Arabia (2020); 14th Istanbul Biennial, Turkey (2015); the 11th Sharjah Biennial, UAE (2013); Documenta 13, Kassel, Germany (2012); the 9th Gwangju Biennial, South</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Korea (2012); SITE Santa Fe Biennial, NM, USA (2008); the 9th Istanbul Biennial, Turkey (2005); and the 50th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, Italy (2003). Recent awards include the inaugural Mario Merz Prize (2015); the Award for Filmic Oeuvre created by Louis Vuitton and Kino der Kunst (2013); the Abraaj Capital Art Prize (2012); the Schering Foundation Art Award (2011), as well as The International Commissioning Grant and an award from the Lower Manhattan Cultural Council, in 2005. In 2010, Shawky founded the educational space MASS Alexandria.</span></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-53761060822930230702024-03-14T20:44:00.000+01:002024-03-14T20:44:02.794+01:00 Julie Mehretu. Ensemble a Palazzo Grassi<p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 150%; padding: 0px 18px 9px; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBSobLLxsSVtglgBJ_nIGhk4zckYq9oS37HfN7JEi94D8186nVmWscEDv-kFWK5rBUbyDkRfONOAbnZn8yz452OpzspU6_Fm0Js6NbOrzqW4vwswpXsw9yikzfwFCUxIaD3mNDHKMu-mgIcRMFdx-ucbjvEanfPlgVcadgc8HflI9K6eeXne7s1f7ssoY/s727/fdasd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="447" data-original-width="727" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBSobLLxsSVtglgBJ_nIGhk4zckYq9oS37HfN7JEi94D8186nVmWscEDv-kFWK5rBUbyDkRfONOAbnZn8yz452OpzspU6_Fm0Js6NbOrzqW4vwswpXsw9yikzfwFCUxIaD3mNDHKMu-mgIcRMFdx-ucbjvEanfPlgVcadgc8HflI9K6eeXne7s1f7ssoY/w640-h394/fdasd.jpg" width="640" /></a></div><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Dal
17 marzo 2024 al 6 gennaio 2025, Palazzo Grassi presenta la più grande
mostra mai dedicata a Julie Mehretu in Europa. A cura di Caroline
Bourgeois e dell’artista, la mostra si compone di una selezione di oltre
cinquanta dipinti e stampe realizzate da Julie Mehretu negli ultimi
venti cinque anni insieme a opere più recenti, prodotte tra il 2021 e il
2023. Distribuita sui due piani di Palazzo Grassi, la mostra riunisce
17 opere della Pinault Collection oltre a prestiti provenienti dalla
collezione dell'artista, da musei internazionali e da collezioni
private.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />L'esposizione
è punteggiata dalla presenza di opere di alcuni amici artisti, con i
quali Julie Mehretu condivide una forte affinità e un rapporto stretto
di scambio e collaborazione. Presentata secondo un principio di rimandi
visivi, “Ensemble” si sviluppa in un percorso libero e non cronologico,
permettendo di esplorare la pratica artistica di Julie Mehretu, di
comprenderne l’origine e l’incessante rinnovamento.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Come
le stratificazioni e le sovrapposizioni che compongono i dipinti
dell’artista americana, la mostra prende forma nelle corrispondenze che,
nel corso degli anni, si stabiliscono tra le opere. La sua pratica,
profondamente radicata nell’astrazione, è alimentata dalla storia
dell’arte, dalla geografia, dalla storia, dalle lotte sociali, dai
movimenti rivoluzionari e dal carattere di tutti coloro che hanno
lasciato un segno in questi importanti settori della conoscenza e della
creazione.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />A questo
processo di stratificazione, che moltiplica la superficie delle
immagini, fa eco la dimensione collettiva, l’idea di lavorare insieme,
evidenziata dalla pre senza in mostra di opere dei suoi amici, Nairy
Baghramian, Huma Bhabha, Tacita Dean, David Hammons, Robin Coste Lewis,
Paul Pfeiffer e Jessica Rankin, creando un dialogo fecondo con il suo
stesso lavoro. Al di là delle differenze formali, emergono
preoccupazioni e linee di forza comuni, che fanno superare l’idea che
l’artista basti a se stessa, dimostrando, al contrario, che si trova in
relazione con gli altri, con le loro idee e sensibilità. Le opere degli
artisti invitati ispirano Julie Mehretu e risuonano con il suo lavoro,
con il suo modo di guar dare il mondo. Tanto più che tutti questi
artisti, anche Julie Mehretu, hanno vissuto come fondante e formativa
l’esperienza di fuga o di abbandono del proprio Paese, come ad esempio
l'Etiopia, l'Iran o il Pakistan. La loro partecipazione alla mostra è
quindi la manifestazione della profonda attenzione di Julie Mehretu nei
confronti di quelle relazioni intessute, del loro carattere determinante
e del loro potere creativo.</span></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px;" valign="top"></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 150%; padding: 0px 18px 9px; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La
mostra è organizzata in collaborazione con K21 — Kunstsammlung
Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf) che presenterà una nuova versione del
progetto espo sitivo interamente dedicata a Julie Mehretu, nel 2025.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />L'esposizione
è accompagnata da una guida per il visitatore e da un catalogo
trilingue pubblicato da Marsilio Arte (Venezia), con testi di Hilton
Als, Caroline Bourgeois, Julie Mehretu, Jason Moran, Patricia Falguières
e due conversazioni, una tra Julie Mehretu, Paul Pfeiffer e Lawrence
Chua e l'altra tra Julie Mehretu e Caroline Bourgeois.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />La
mostra è inoltre arricchita da una serie di conferenze ed eventi
culturali aperti al pubblico che mettono in luce i protagonisti e i temi
del progetto espositivo, ospitati al Teatrino di Palazzo Grassi. Tra
gli altri, è in programma il <strong>20 marzo una conversazione con Julie Mehretu</strong> e gli artisti della mostra "Ensemble", mentre il <strong>21 marzo sarà presentata la performance musicale </strong><em><strong>Archive of Desire</strong>.</em></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><em><br /></em></span></div><div style="text-align: justify;"><strong style="font-family: arial;">Julie Mehretu. Ensemble</strong><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><strong style="font-family: arial;">Con Nairy Baghramian, Huma Bhabha, Robin Coste Lewis, Tacita Dean, David Hammons, Paul Pfeiffer e Jessica Rankin</strong><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><span style="font-family: arial;"> </span><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><strong style="font-family: arial;">Palazzo Grassi </strong><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><strong style="font-family: arial;">17 marzo 2024 – 6 gennaio 2025</strong><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><span style="font-family: arial;"> </span><br aria-hidden="true" style="font-family: arial;" /><strong style="font-family: arial;">Curata da Caroline Bourgeois in collaborazione con Julie Mehretu</strong></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-5008884972059075812024-03-14T19:37:00.002+01:002024-03-14T19:37:51.833+01:00Pierre Huyghe alla Punta della Dogana <p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsnaublJmEiINdlBYMCOzhjLuHp-Er1Abq_LNoKQbo3xORj_qgHlJEm-H6a0F-0KEzSYjc0QuChwOQxI77_q5wacHXd8cQ41kcaYGUQFRV6WWVZfXIDpKValr7rTME3F-iM6SqLI1agsPUDPELa6731XDY6qhX9JZTdbhGhq3hthTvzdN-rPwB5dhhPVc/s737/Pierre%20Huyghe%20punta%20della%20dogana%20venzeia%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="452" data-original-width="737" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsnaublJmEiINdlBYMCOzhjLuHp-Er1Abq_LNoKQbo3xORj_qgHlJEm-H6a0F-0KEzSYjc0QuChwOQxI77_q5wacHXd8cQ41kcaYGUQFRV6WWVZfXIDpKValr7rTME3F-iM6SqLI1agsPUDPELa6731XDY6qhX9JZTdbhGhq3hthTvzdN-rPwB5dhhPVc/w640-h392/Pierre%20Huyghe%20punta%20della%20dogana%20venzeia%20.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> <strong>Dal 17 marzo al 24 novembre 2024, <a href="https://www.pinaultcollection.com/palazzograssi/it">Punta della Dogana</a> presenta
“Liminal”, uno dei progetti più ambiziosi di Pierre Huyghe a oggi.
Concepita dall’artista francese insieme alla curatrice Anne Stenne,
l’esposizione presenta un importante nucleo di opere inedite, affiancate
a lavori degli ultimi dieci anni, alcuni dei quali provenienti dalla
Pinault Collection.</strong></span></p><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Pierre
Huyghe si è sempre interrogato sul rapporto tra l’umano e il non umano e
concepisce le sue opere come finzioni speculative da cui emergono altre
forme di realtà possibili. Le finzioni sono per lui “veicoli per
accedere al possibile o all’impossibile—a ciò che potrebbe o non
potrebbe essere”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Con
“Liminal”, Pierre Huyghe trasforma Punta della Dogana in uno spazio
dinamico e sensibile in costante evoluzione. La mostra è una condizione
transitoria popolata da creature umane e non umane e diventa il luogo in
cui si formano soggettività in perenne processo di apprendimento,
trasformazione e ibridazione. Le loro memorie si amplificano grazie alle
informazioni captate a partire da eventi, percettibili e
impercettibili, che attraver sano la mostra.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">L’esposizione
si apre con l’opera omonima Liminal, una simulazione di un personaggio
enigmatico dalla forma umana, spogliato di tutto, senza mondo, senza
cervello e senza volto. Questa figura è un passaggio tra mondi che non
si conoscono, tra la nostra realtà sensibile e un'entità inumana, ed è
attraversata da forme nascenti di cognizione e sensazione, tra cui un
organoide cerebrale che reagisce al dolore.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Contemporaneamente,
voci sconosciute risuonano nelle sale. Una lingua inedita, Idiom, si
autogenera e si sviluppa durante tutto il periodo della mostra, grazie a
maschere capaci di captare stimoli esterni, indossate da personaggi che
si muovono nello spazio di Punta della Dogana.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Proseguendo
nel percorso, il film Human Mask rivela una scimmia che indossa una
maschera umana e che, da sola, ripete gli stessi gesti, come un automa,
in un ristorante abbandonato nei dintorni di Fukushima, in Giappone.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al
centro di Punta della Dogana, il film Camata montato in tempo reale,
senza inizio e senza fine, mostra un rituale sconosciuto e in costante
evoluzione, eseguito da grandi macchine robot su uno scheletro ritrovato
nel deserto di Acatama in Cile. Assistiamo così a uno scambio tra
un'entità incorporea e un corpo umano senza vita.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Il percorso continua presentando una serie di immagini mentali, prodotte
dall’attività cerebrale di una persona mentre immagina Annlee, un
celebre personaggio d’animazione. Catturate da un’interfaccia neuronale,
queste immagini, risultato di una copro duzione tra l’umano e
l’artificiale, si moltiplicano al ritmo della suddivisione di cellule
cancerogene e vengono trasformate costantemente dagli elementi esterni
presenti nell’ambiente.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Per
Pierre Huyghe, l’esposizione è un rituale imprevedibile, in cui si gene
rano e coesistono nuove possibilità, senza gerarchia o determinismo.
Con “Liminal”, l’artista rimette in discussione la nostra percezione
della realtà fino a diventare estranei a noi stessi, da una prospettiva
altra rispetto a quella umana, bensì inumana.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />L’esposizione
è accompagnata da una guida, disponibile gratuitamente, e da un
catalogo pubblicato da Marsilio Arte, Venezia, in collaborazione con Les
Éditions Dilecta per l'edizione francese, con testi di Tristan Garcia,
Patricia Reed, Chiara Vecchiarelli, Tobias Rees e una conversazione tra
Pierre Huyghe e Anne Stenne. <br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Un <strong>programma di incontri e proiezioni </strong>sarà
presentato durante il corso della mostra per approfondire i temi
affrontati dall’artista. Tra gli eventi, sono in programma al Teatrino
di Palazzo Grassi una <strong>conversazione con Flora Katz</strong>, critica d'arte e curatrice al LUMA Arles, il <strong>22 maggio</strong>, una <strong>proiezione del film <em>The Host and the Cloud</em>, 2009-2010, di Pierre Huyghe, il 23 maggio</strong> e, in autunno, un incontro con Pierre Huyghe.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Questa
mostra è sostenuta da Bottega Veneta. I costumi per l’opera Idiom sono
realizzati dal direttore creativo di Bottega Veneta, Matthieu Blazy, in
collaborazione con l’artista.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Pierre
Huyghe ha scelto di presentare in una delle sale del Torrino di Punta
della Dogana, l’opera Three Heads Fountain (Three Andrews) di Bruce
Nauman, in risonanza alla mostra “Liminal”.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Quest’opera
rappresenta, inoltre, una reminiscenza della mostra perso nale
dell’artista Bruce Nauman, “Contrapposto Studies”, presentata tra il
2021 e il 2022 a Punta della Dogana, a cura di Carlos Basualdo e
Caroline Bourgeois.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Facendo
eco a questa mostra emblematica a Venezia, Tai Kwun (Hong Kong)
presenterà, dal 14 maggio al 18 agosto 2024, la prima retrospettiva in
Asia di Bruce Nauman, a cura di Carlos Basualdo, Caroline Bourgeois e Pi
Li.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Pierre Huyghe ha
inoltre scelto di presentare due serie di disegni realizzati da Anthony
Nosiku Ikwueme (1997), artista neurodivergente che ha contattato Pierre
Huyghe nel 2014 per stabilire un ponte tra i loro linguaggi, diversi
l’uno dall’altro.</div></span>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-58571603859896587922024-03-08T18:53:00.003+01:002024-03-08T18:53:22.225+01:00Nebula<p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMjFNogB6LaGma7WDbB2WkXPtnClHibP-kqXpLBTpmmcr8LIKDIMwcoqKPT0fAb3Sgj8Ve-KS8kNNRITbDrh-m7IgrnbJDYpL5y5av5j0r4U5SAf71Hw5eDGRWODbIHsXH1UfsbNtrfFPBlSLkC7hyphenhyphenzCY-NJH0BGU1U1xNK0HQcWuZnlxfnpOwEF7kZ9U/s1809/nebula%20venice%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="1809" height="244" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMjFNogB6LaGma7WDbB2WkXPtnClHibP-kqXpLBTpmmcr8LIKDIMwcoqKPT0fAb3Sgj8Ve-KS8kNNRITbDrh-m7IgrnbJDYpL5y5av5j0r4U5SAf71Hw5eDGRWODbIHsXH1UfsbNtrfFPBlSLkC7hyphenhyphenzCY-NJH0BGU1U1xNK0HQcWuZnlxfnpOwEF7kZ9U/w640-h244/nebula%20venice%20.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Fondazione <a href="http://inbetweenartfilm.com/">In Between Art</a> Film presenta Nebula, la nuova mostra collettiva che aprirà al pubblico il 17 aprile 2024 al Complesso dell’Ospedaletto a Venezia in occasione della 60. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nebula esporrà otto nuove video installazioni site-specific commissionate a Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme (1983, Cipro/1983, USA), Giorgio Andreotta Calò (1979, Italia), Saodat Ismailova (1981, Uzbekistan), Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado (1974, Brasile/1973, Brasile), Diego Marcon (1985, Italia), Basir Mahmood (1985, Pakistan/Paesi Bassi), Ari Benjamin Meyers (1972, USA) e Christian Nyampeta. Tutte le otto opere sono commissionate e prodotte da Fondazione In Between Art Film, l’istituzione concepita da Beatrice Bulgari per promuovere la cultura delle immaginiin movimento e sostenere gli artisti, i musei e i teorici internazionali che esplorano il dialogo tra discipline e time-based media.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Curata da Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi – rispettivamente direttore artistico e curatore della Fondazione – la mostra si ispira al fenomeno della nebbia come condizione materiale e metaforica in cui la possibilità di orientarsi tramite la vista si riduce, rendendo necessario attivare strumenti sensoriali diversi per conoscere la propria posizione e comprendere ciò che ci circonda. In questo contesto, le opere di Nebula abbracciano forme di frammentazione psicologica, socio-politica, tecnologica e storica, e suggeriscono modalità per navigare il nostro tempo presente, spesso attraversato da elementi che, come la nebbia, appaiono immateriali e insormontabili.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Attraverso sensibilità artistiche e linguaggi tra loro differenti, le opere in mostra rivolgono l’attenzione a quegli spazi intimi e interiori di pensiero che si rendono necessari di fronte agli eventi dell’esistenza. I temi affrontati comprendono la scala globale della migrazione, le percezioni individuali della mortalità, la dimensione collettiva della memoria, le strutture di potere opprimenti e le forme storiche di violenza.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme presentano un nuovo adattamento di Until we became fire and fire us (2023—in corso). Questa video installazione multicanale mette al centro comunità che utilizzano il canto, la danza o la poesia come atti di resistenza politica alle conseguenze traumatiche del vivere in contesti dove distruzione e cancellazione sono continue.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il film Nebula (2024) di Giorgio Andreotta Calò segue una pecora che vaga da sola all’interno del Complesso dell’Ospedaletto, proponendo una riflessione spaziale e metaforica sulla cura, la mortalità e la ricerca di senso.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Melted into the Sun (2024) di Saodat Ismailova è un viaggio visivo e poetico nell’eco culturale e politica che si è generata, attraverso secoli e luoghi diversi, dalle idee rivoluzionarie del profeta Al-Muqanna, una figura storica ambigua che ha vissuto in Asia centrale nell’VIII secolo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La video installazione a tre canali Brown Bodies in an Open Landscape are Often Migrating (2024) di Basir Mahmood ripercorre, attraverso un approccio metacinematografico, i viaggi pericolosi che compiono migranti senza documenti dall’Asia meridionale all’Europa, tematizzando il paesaggio come spazio fisico ed esistenziale che gli esseri umani abitano e percorrono e dove talvolta cercano la salvezza.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado presentano la video installazione a due canali Acumulação Primitiva (Accumulazione Primitiva, 2024), una riflessione allegorica sulle origini del capitalismo, sul colonialismo e sull’etnocidio.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Fritz (2024) di Diego Marcon mostra un ragazzino che canta uno jodel all’interno di una legnaia illuminata da un’alba autunnale. Il suo canto è al tempo stesso un richiamo e un requiem composto solo da vocalizzi e suoni gutturali, cui fanno eco altre voci provenienti dall’esterno.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Composto da due partiture e un film, Marshall Allen, 99, Astronaut (2024) di Ari Benjamin Meyers si focalizza sul celebre sassofonista e attuale leader del leggendario gruppo jazz afrofuturista Sun Ra Arkestra, offrendo un’intensa esperienza musicale che intreccia i temi del tempo, dello spazio, della memoria e della trasformazione.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il film di Christian Nyampeta, When Rain Clouds Gather (2024), ritrae tre amici artisti che discutono su come trascorrere il loro sabato sera mentre le notizie di guerre ingiuste e di crudeli stermini, insieme alle connessioni e alle divisioni nel mondo della cultura, entrano ed escono dalla loro conversazione.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Gli interventi scenografici e architettonici dello studio interdisciplinare 2050+, fondato da Ippolito Pestellini Laparelli, mirano a tradurre nello spazio le diverse condizioni visive, acustiche, tattili e mentali della nebulosità. A volte solida e concreta, altre eterea e immateriale, la strategia architettonica esalta od offusca i sensi a seconda delle opere e crea momenti in cui la luce e il suono tracimano i confini delle installazioni. La geografia del Complesso dell’Ospedaletto sarà trasformata in un ecosistema di ambienti diversi – alcuni già esistenti e altri inseriti appositamente – amplificando l’esperienza delle video installazioni e consentendo al pubblico di perdere temporaneamente la possibilità di orientarsi.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nebula, che in latino significa “nuvola” o “nebbia”, è il secondo capitolo di una serie di mostre organizzate a Venezia e continua la ricerca sugli stati della visione e della percezione extra-visiva già iniziata nel 2022 con Penumbra.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nebula sarà accompagnata da un simposio interdisciplinare curato da Bianca Stoppani, Editor della Fondazione In Between Art Film, che coinvolgerà gli artisti presenti in mostra ed espanderà il dibattito riguardo alle loro pratiche attraverso momenti discorsivi con curatori e intellettuali internazionali.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">A cura di Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi con Bianca Stoppani, nell’autunno 2024 verrà pubblicato il catalogo che riflette sulla realizzazione di Nebula e includerà testi appositamente commissionati sulle nuove opere di Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme, Giorgio Andreotta Calò, Saodat Ismailova, Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado, Diego Marcon, Basir Mahmood, Ari Benjamin Meyers, e Christian Nyampeta.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il Complesso dell’Ospedaletto è uno spazio culturale che fa parte di Ospedaletto Contemporaneo, un’iniziativa promossa da Venews Arts.</span></p><div style="text-align: justify;"><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">FONDAZIONE IN BETWEEN ART FILM - </span><span style="font-family: arial;">Nebula</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">con Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme, Giorgio Andreotta Calò, Saodat Ismailova, Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado, Diego Marcon, Basir Mahmood, Ari Benjamin Meyers, e Christian Nyampeta</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">A cura di Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi</span></div><div><br /></div><div><span style="font-family: arial;">17 aprile – 24 novembre 2024</span></div><div><span style="font-family: arial;">Complesso dell’Ospedaletto</span></div><div><span style="font-family: arial;">Barbaria de le Tole, 6691 Venezia</span></div><div><br /></div></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0Barbaria delle, Barbaria de le Tole, 6691, 30122 Venezia VE, Italia45.4387863 12.34296717.128552463821151 -22.813283 73.749020136178842 47.499217tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-84587070547023975452024-03-04T21:08:00.006+01:002024-03-04T21:08:39.979+01:00Prossimamente Güneştekin Art Refinery<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6x1EDDT4NCSyLIE4aJaOwCKbUnJRjwvOGAhVTgWCwdAS2gjWDiZNLUXFCXML__nIAqmUiLNiwnTCJf6hVf_8VdO7opu2crwGDp0Kyxj9zgZO1HqVtOe1MTz1oH7he1ChQ49i8jjQEvv1-ceOdUlub_ubOxDvbwo0HVaeTEF6zqZeQqSUB53mioCn_Z1I/s1057/G%C3%BCne%C5%9Ftekin%20Art%20Refinery%20venezia%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="713" data-original-width="1057" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6x1EDDT4NCSyLIE4aJaOwCKbUnJRjwvOGAhVTgWCwdAS2gjWDiZNLUXFCXML__nIAqmUiLNiwnTCJf6hVf_8VdO7opu2crwGDp0Kyxj9zgZO1HqVtOe1MTz1oH7he1ChQ49i8jjQEvv1-ceOdUlub_ubOxDvbwo0HVaeTEF6zqZeQqSUB53mioCn_Z1I/w640-h432/G%C3%BCne%C5%9Ftekin%20Art%20Refinery%20venezia%20.jpg" width="640" /></a></div><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;">La fondazione artistica <a href="https://ahmetgunestekin.com/homepage/">Güneştekin Art Refinery</a>, dell'artista Ahmet Güneştekin, aprirà i suoi spazi a Venezia presso il Palazzo Gradenico, posto nel sestiero di Santa Croce. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Questa nuova realtà si propone di ospitare nuove generazioni di artisti con eventi, laboratori, incontri. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Confermando come Venezia stia sempre più diventato un museo diffuso, e internazionale.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYzWkSeJ6brr451KFfFmeXIbHcMV4_ajIY0KbS9BnwAhjBQ6wLOH9LJzg_ma5ay0_9qYvQP1Hm4XUYqY-sxQiAPes4MVLE8Ce5Zo6S-w0I1pUJOwMUxoR7SJvKr_ELBdrx4Ua97zZXSWwhO2pRunAG7NLIPHQRbceAYLg3q1_mHJ5ZHa_gBLGhDG6qFlg/s705/G%C3%BCne%C5%9Ftekin%20Art%20Refinery%20venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="705" data-original-width="551" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYzWkSeJ6brr451KFfFmeXIbHcMV4_ajIY0KbS9BnwAhjBQ6wLOH9LJzg_ma5ay0_9qYvQP1Hm4XUYqY-sxQiAPes4MVLE8Ce5Zo6S-w0I1pUJOwMUxoR7SJvKr_ELBdrx4Ua97zZXSWwhO2pRunAG7NLIPHQRbceAYLg3q1_mHJ5ZHa_gBLGhDG6qFlg/w500-h640/G%C3%BCne%C5%9Ftekin%20Art%20Refinery%20venice.jpg" width="500" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><br /></span><span style="font-family: arial;">CS</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Vi annunciamo che abbiamo acquistato Palazzo Gradenigo, uno dei simboli storici ed edifici rinascimentali di Venezia. Poiché questi tipi di edifici appartengono al Governo italiano, sono considerati patrimonio culturale e sono molto difficili da acquistare!</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Io e l'istituto </span><span style="font-family: arial;">d'arte da me diretto abbiamo ottenuto la qualifica secondo i criteri culturalmente stabiliti.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Questa settimana si sono concluse le pratiche relative al rogito di proprietà e l'edificio è stato ufficialmente ceduto alla nostra istituzione. Abbiamo avviato trattative con un importante studio di architettura italiano per il restauro.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Secondo la legge, gli edifici culturali appartenenti allo Stato italiano ricevono la chiave dell'edificio da parte dello Stato 60 giorni dopo la vendita.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Riceverò le chiavi l'8 febbraio 2024 e inizieremo subito i lavori di restauro. Si prevede che nell'autunno del 2024, la "Gunestekin Art Refinery Venice" aprirà le sue porte al mondo dell'arte.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Il Palazzo offrirà anche opportunità espositive e di promozione per i nostri giovani artisti sostenuti dalla Fondazione Güneştekin per far sentire la nostra voce al mondo a nome della Turchia attraverso l’arte. </span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-8072051830178209382024-03-03T20:00:00.002+01:002024-03-03T20:00:37.550+01:00Padiglione Italia<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgI-XuGaMQkBLzrQVsBmEjLV17yDLPdt9WXj8Z0qW2Fr6njNqAKlRx8pKrzV5cn-gpV4p-_1diQFI2d6cjpTQKhZhlPDP6S7jfJsRFujKwt3R-fPBkg6OvsbBV4uYjDKHJpEDX7cX-bLuzmms0t8LBsjcUxqgLVHEyILzWcmCEe-lTX_gYzYPVAsIV85c/s1909/padiglione%20italia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="861" data-original-width="1909" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgI-XuGaMQkBLzrQVsBmEjLV17yDLPdt9WXj8Z0qW2Fr6njNqAKlRx8pKrzV5cn-gpV4p-_1diQFI2d6cjpTQKhZhlPDP6S7jfJsRFujKwt3R-fPBkg6OvsbBV4uYjDKHJpEDX7cX-bLuzmms0t8LBsjcUxqgLVHEyILzWcmCEe-lTX_gYzYPVAsIV85c/w640-h288/padiglione%20italia.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Si intitola <a href="https://www.duequi-tohear.it/">Due qui / To Hear </a>il progetto espositivo per il <a href="https://creativitacontemporanea.cultura.gov.it/padiglioneitalia2024-biennalearte/">Padiglione Italia</a> alla 60. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia (20 aprile – 24 novembre 2024), promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, presentato nel corso della conferenza stampa che si è svolta martedì 27 febbraio 2024 presso la Sala Spadolini del Collegio Romano alla presenza del Ministro della Cultura Gennaro Sangiuliano.</span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">A cura di Luca Cerizza (con l’assistenza di Francesca Verga), il progetto del Padiglione Italia ha il suo nucleo centrale in una grande installazione sonora e ambientale dell’artista Massimo Bartolini, che torna alla Biennale dopo la partecipazione al Padiglione Italia alla Biennale Arte 2013. In un’attenta relazione con il contesto espositivo, Due qui / To Hear propone un itinerario attraverso tutti gli spazi del Padiglione Italia, incluso il giardino di pertinenza, in cui l’alternarsi di vuoti e pieni, di movimenti e soste, conducono a incontri inaspettati con opere e installazioni di natura sonora e performativa.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Il progetto per il Padiglione Italia dialoga con il tema della 60. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia Stranieri Ovunque / Foreigners Everywhere, a cura di Adriano Pedrosa, proponendone un’ulteriore declinazione per la quale il non essere straniero deve iniziare con il non essere stranieri a se stessi. In questo senso “ascoltare se stessi” è cruciale per comprendere la posizione dell’individuo nel mondo e nella serie di relazioni che stabilisce all’interno della società. Il titolo del progetto già suggerisce, insomma, come ascoltare, “tendere l’orecchio” sia una forma di azione verso l’altro. Incontro e ascolto, relazione e suono sono, d’altronde, elementi indissolubili nella pratica ultratrentennale di Bartolini. In Due qui / To Hear il paradigma acustico va letto, dunque, sia come esperienza fisica che come metafora e invito all’attenzione, all’apertura verso l’altro.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">In un percorso potenzialmente circolare, due figure fanno da ideali introduzioni agli spazi e al progetto: gli alberi del Giardino delle Vergini e un Bodhisattva Pensieroso. Incarnazioni di un principio di natura e di spiritualità, sembrano rappresentare momenti di immobilità. In verità è un’inazione solo apparente. L’albero che è connesso attraverso le radici o il Bodhisattva che sta seduto a pensare incarnano forme di relazione forse più profonde con il Mondo. Intorno a loro e con loro si delineano le opere che aprono e chiudono il progetto, che ha il suo centro in una grande installazione sonora attraversabile dal pubblico.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">In un lungo processo di dialogo e scambio attraverso molteplici forme di ospitalità, curatore e artista definiscono una rete di relazioni e collaborazioni, che danno vita a un progetto collettivo in cui sono inclusi, in diverse forme, la presenza di altri artisti di diverse discipline e provenienze geografiche. Le giovani compositrici Caterina Barbieri e Kali Malone e uno dei musicisti più importanti della musica sperimentale degli ultimi cinquant’anni, Gavin Bryars (insieme al figlio Yuri Bryars), contribuiranno alle opere sonore di Bartolini, mentre la scrittrice e illustratrice per l’infanzia Nicoletta Costa e il romanziere e poeta Tiziano Scarpa sono stati invitati a concepire nuovi testi che saranno performati all’interno dello spazio del Giardino nei giorni dell’inaugurazione e come parte del Public Program.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Accanto alla mostra Due qui / To Hear si svilupperà infatti un Public Program di incontri, curato da Luca Cerizza in collaborazione con Gaia Martino. Inoltre, durante il mese di maggio, un evento speciale avrà luogo nel Parco di Villa Fürstenberg a Mestre (VE). Una nuova performance sonora appositamente concepita da Massimo Bartolini (Ballad for Ten Trees) con la presenza di dieci sassofonisti.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">La creazione dell’artista Massimo Bartolini per il Padiglione Italia curato da Luca Cerizza – ha dichiarato il Ministro della Cultura Gennaro Sangiuliano – forte anche dei contributi di diverse espressioni creative provenienti da molteplici discipline artistiche, costituirà un momento importante nel contesto della sessantesima Esposizione Internazionale d’Arte della Fondazione La Biennale di Venezia, mettendo in dialogo forme espressive proprie della nostra identità nazionale con manifestazioni e simboli che sono propri alle tradizioni di numerose culture, nella ricerca di una radice comune da cui tutto si genera. La pratica dell’ascolto, che contraddistinguerà l’installazione Due qui / To Hear, stimolerà il pubblico all’introspezione che predispone al ritrovamento di sé, presupposto ineludibile per accogliere l’altro: il giusto viatico a una Biennale che rinnoverà per Venezia il ruolo di capitale mondiale dell’arte contemporanea.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">La Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura ha contribuito alla realizzazione del Padiglione Italia con un importo pari a 800.000 euro formalizzato, come di consueto, con una convenzione con la Fondazione La Biennale di Venezia.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Il Padiglione Italia è realizzato anche grazie al contributo di TOD’S, in qualità di Partner, e di Banca Ifis, in qualità di Sponsor, il cui contributo ammonta complessivamente a più di 400.000 euro. Uno speciale ringraziamento va a tutti i donor, il cui sostegno è fondamentale per la realizzazione del progetto: Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Palazzo Bentivoglio – Bologna, ACACIA – Associazione Amici Arte Contemporanea Italiana, Collezione Mauro De Iorio, Nicoletta Fiorucci, Silvia Fiorucci, Hofima.</div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-9501994271955079702024-03-01T07:35:00.000+01:002024-03-01T07:35:00.751+01:00Biennale Arti Visive 2024<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgM7BR1vIUFl0PKPhvKAUNEp0LK7MBQTYKdaEte2OaDZLk-ToZFaCsHvBPq0SPNMlymeihFP02ewclyQIErmwfFVuQyW-K1hBswYZbky6iZYSdOr62QRWETEbHWLifYmr0VtlfpgjaS4heAk3VviI-2MPgyoKlgZJq-mDm8gyUWPmzk9V0oQz9lb_-IjVo/s1347/ppp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="571" data-original-width="1347" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgM7BR1vIUFl0PKPhvKAUNEp0LK7MBQTYKdaEte2OaDZLk-ToZFaCsHvBPq0SPNMlymeihFP02ewclyQIErmwfFVuQyW-K1hBswYZbky6iZYSdOr62QRWETEbHWLifYmr0VtlfpgjaS4heAk3VviI-2MPgyoKlgZJq-mDm8gyUWPmzk9V0oQz9lb_-IjVo/w640-h272/ppp.jpg" width="640" /></a></div><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Fra poco più di un mese parte la nuova edizione della Biennale di Venezia, che quest'anno inizierà da sabato 20 aprile e durerà fino a domenica 24 novembre
2024, come sempre divisa fra i Giardini e all’Arsenale, con la grande distribuzione di eventi e manifestazioni per tutta la città di Venezia.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Si tratta della 60. Esposizione Internazionale d’Arte dal titolo Stranieri
Ovunque – Foreigners Everywhere, che ha come curatore Adriano Pedrosa, che si muove su una percorso a grande raggio sulla modernità sempre più complessa e articolata. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La rassegna giunge in un momento particolarmente delicato fra gli equilibri culturali del nsotro mondo e cercherà di darci una varietà di riflessioni e percezioni che gli artisti stanno vivendo e comunicando. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il titolo della mostra è "Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere" ed è ispirato da una serie di lavori realizzati a partire dal 2004 dal collettivo Claire Fontaine, nato a Parigi e con sede a Palermo, come traccia di lavoro per chi vi partecipa sia nel progetto curatoriale che nei diversi padiglioni nazionali, che quest'anno arrivano ad oltre 90 nazioni. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nei prossimi articoli daremo approfondimento a tutti i progetti. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Eccovi ora il comunicato stampa sul prossimo grande evento. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Da alcuni anni La Biennale ha avviato un percorso di rivisitazione di tutte le proprie attività secondo
principi consolidati e riconosciuti di sostenibilità ambientale. Anche per il 2024 l’obiettivo è
quello di ottenere la certificazione della “neutralità carbonica”, conseguita nel 2023 per tutte le
attività programmate dalla Biennale: la 80. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, i
Festival di Teatro, Musica e Danza e, in particolare, la 18. Mostra Internazionale di Architettura,
che è stata la prima grande Mostra di questa disciplina a sperimentare sul campo un percorso
tangibile per il raggiungimento della neutralità carbonica, riflettendo essa stessa sui temi di
decolonizzazione e decarbonizzazione. (Si veda la scheda allegata) </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">LA MOSTRA INTERNAZIONALE del Curatore
La Mostra si articolerà tra il Padiglione Centrale ai Giardini e l’Arsenale in due nuclei distinti:
Nucleo Contemporaneo e Nucleo Storico.
Come principio guida, la Biennale Arte 2024 ha privilegiato artisti che non hanno mai partecipato
all’Esposizione Internazionale, anche se alcuni di loro hanno già esposto in un Padiglione
Nazionale, in un Evento Collaterale o in una passata edizione della Esposizione Internazionale.
Un’attenzione particolare sarà riservata ai progetti all’aperto, sia all’Arsenale sia ai Giardini, e a
un programma di performance durante i giorni di pre-apertura e nell’ultimo fine settimana della
60. Esposizione. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il titolo Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere è tratto da una serie di lavori realizzati a
partire dal 2004 dal collettivo Claire Fontaine, nato a Parigi e con sede a Palermo. Queste opere
consistono in sculture al neon di vari colori che riportano in diverse lingue le parole “Stranieri
Ovunque”. L’espressione è stata a sua volta presa dal nome di un omonimo collettivo torinese che
nei primi anni Duemila combatteva contro il razzismo e la xenofobia in Italia.
«L’espressione Stranieri Ovunque – spiega Adriano Pedrosa - ha più di un significato.
Innanzitutto, vuole intendere che ovunque si vada e ovunque ci si trovi si incontreranno sempre
degli stranieri: sono/siamo dappertutto. In secondo luogo, che a prescindere dalla propria
ubicazione, nel profondo si è sempre veramente stranieri».
Nucleo Contemporaneo
«Il termine italiano “straniero”, il portoghese “estrangeiro”, il francese “étranger” e lo spagnolo
“extranjero” sono tutti collegati sul piano etimologico rispettivamente alle parole “strano”,
“estranho”, “étrange” ed “extraño”, ovvero all’estraneo. Viene in mente Das Unheimliche di
Sigmund Freud, Il perturbante nell’edizione italiana, che in portoghese è stato tradotto con “o
estranho”, lo strano che, nel profondo, è anche familiare. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Secondo l’American Heritage e l’Oxford
English Dictionary, il primo significato della parola “queer” è proprio “strange” (“strano”), pertanto
la Mostra si svilupperà e si concentrerà sulla produzione di ulteriori soggetti connessi: l’artista
queer, che si muove all’interno di diverse sessualità e generi ed è spesso perseguitato o messo al
bando; l’artista outsider, che si trova ai margini del mondo dell’arte, proprio come l’autodidatta o
il cosiddetto artista folk o popular; l’artista indigeno, spesso trattato come uno straniero nella
propria terra. La produzione di questi quaFro soggeFi sarà il fulcro di questa edizione e andrà a
costituire il Nucleo Contemporaneo».
«Gli artisti indigeni avranno una presenza emblematica e le loro opere accoglieranno il pubblico
nel Padiglione Centrale, con un murale monumentale realizzato dal collettivo brasiliano Mahku
sulla facciata dell’edificio, e nelle Corderie, dove il collettivo Maataho di Aotearoa/Nuova Zelanda
presenterà una grande installazione nella prima sala. Gli artisti queer saranno presenti in ogni
spazio e costituiranno il fulcro di un’ampia sezione nelle Corderie, nonché di un’area dedicata
all’astrazione queer nel Padiglione Centrale».
«Il Nucleo Contemporaneo ospiterà nelle Corderie una sezione speciale dedicata a
Disobedience Archive, un progetto di Marco Scotini che dal 2005 sviluppa un archivio video
incentrato sulle relazioni tra pratiche artistiche e attivismo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La presentazione di Disobedience
Archive nella Mostra è progettata da Juliana Ziebell, che ha lavorato anche all’architettura
espositiva dell’intera Esposizione Internazionale. Questa sezione, suddivisa in due parti
principali appositamente concepite per la Mostra, dal titolo Attivismo della diaspora e Disobbedienza
di genere. Disobedience Archive, includerà opere di 39 artisti e collettivi realizzate tra il 1975 e il
2023».
Nucleo Storico
«Il Nucleo Storico è composto da opere del XX secolo provenienti dall’America Latina,
dall’Africa, dall’Asia e dal mondo arabo. Si è scriFo molto sui modernismi globali e su quelli del
Sud del mondo, motivo per cui in alcune sale saranno esposti lavori provenienti da tali territori,
come a costituire una sorta di saggio, una bozza, un ipotetico esperimento curatoriale volto a
mettere in discussione i confini e le definizioni del Modernismo. Conosciamo fin troppo bene la
storia del Modernismo in Euroamerica, ma i modernismi del Sud globale rimangono in gran parte
sconosciuti. […]. Lo stesso Modernismo europeo ha viaggiato ben oltre l’Europa nel corso del
Novecento, spesso intrecciandosi con il colonialismo, così come molti artisti del Sud globale si
sono recati in Europa per esporre il proprio lavoro. […]». </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Il Nucleo Storico prevede tre sale nel Padiglione Centrale: la sala intitolata Ritratti, la sala dedicata
alle Astrazioni e una terza sala dedicata alla diaspora artistica italiana nel mondo lungo il corso
del XX secolo.
«Le due sale che ospitano i Ritratti comprenderanno le opere di 112 artisti, per lo più
dipinti, ma anche lavori su carta e sculture, coprendo un arco di tempo compreso tra il 1905 e il
1990. […] Il tema relativo alla figura umana sarà esplorato in innumerevoli modi diversi dagli
artisti del Sud globale, riflettendo sulla crisi della rappresentazione dell’umano che ha
caratterizzato gran parte dell’arte del XX secolo. Nel Sud del mondo numerosi artisti sono entrati
in contatto con il Modernismo europeo attraverso viaggi, studi o libri, pur apportando alle proprie
opere riflessioni e contributi molto personali e potenti […]. La sala dedicata alle Astrazioni
includerà 37 artisti: quasi tutti verranno esposti insieme per la prima volta in impreviste
giustapposizioni, auspicando così connessioni, associazioni e parallelismi inediti che vanno ben
oltre le categorie piuttosto semplici che ho proposto. […]».
Tra gli altri, sono presenti in questa sezione artisti provenienti dalla Corea e da Singapore, che in
passato facevano parte del cosiddetto Terzo Mondo, oppure artisti indigeni Maori di rilevanza
storica come Selwyn Wilson e Sandy Adsett, provenienti da Aotearoa/Nuova Zelanda.
«[…] </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Una terza sala del Nucleo Storico sarà dedicata alla diaspora artisti italiani che hanno
viaggiato e si sono trasferiti all’estero integrandosi nelle culture locali e costruendo le proprie
carriere in Africa, Asia, America Latina nonché nel resto d’Europa e negli Stati Uniti; artisti che
spesso hanno avuto un ruolo significativo nello sviluppo delle narrazioni del Modernismo al di
fuori dell’Italia. In questa sala saranno esposte le opere di 40 autori italiani di prima o seconda
generazione, collocate negli espositori a cavalletto in vetro e cemento di Lina Bo Bardi (italiana
trasferitasi in Brasile, vincitrice del Leone d’Oro speciale alla memoria della Biennale Architettura
2021)».
«Nel corso della ricerca – sottolinea Pedrosa - sono emersi in modo piuttosto organico due
elementi diversi ma correlati che sono stati sviluppati fino a imporsi come leitmotiv di tutta la
Mostra. Il primo è il tessile, esplorato da molti artisti coinvolti, a partire da figure chiave nel Nucleo
Storico, fino a molti autori presenti nel Nucleo Contemporaneo. […] Tali opere rivelano un interesse
per l’artigianato, la tradizione e il fatto a mano, così come per le tecniche che, nel più ampio campo
delle belle arti, sono state a volte considerate altre o straniere, estranee o strane. […] Un secondo
elemento è rappresentato dagli artisti – molti dei quali indigeni – legati da vincoli di sangue. […] </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Anche in questo caso la tradizione gioca un ruolo importante: la trasmissione di conoscenze e
pratiche da padre o madre a figlio o figlia oppure tra fratelli e parenti».
(Testo integrale di Adriano Pedrosa allegato)
Il Presidente della Biennale, Roberto Cicutto, ha ricordato che «Adriano Pedrosa è il primo
curatore della Biennale Arte proveniente dall’America Latina, scelto perché portasse il suo punto
di vista sull’arte contemporanea rileggendo culture diverse come fosse un controcampo
cinematografico».
«La natura internazionale della Biennale ne fa un osservatorio privilegiato sullo stato del mondo
attraverso la trasformazione e l’evoluzione delle arti. Nessun curatore, quando sceglie i contenuti
della propria mostra, cavalca direttamente i temi caldi del momento, ma intraprende un viaggio
pieno di cambiamenti di rotta e il cui racconto sarà alla fine fortemente influenzato dalla
percezione e interpretazione che ne daranno i visitatori, gli addetti ai lavori e la stampa. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Ma
l’unicità della Biennale sta soprattutto nella presenza reale dei Padiglioni Nazionali (quelli storici
ai Giardini, e più recentemente quelli che si sono aggiunti all’Arsenale e in alcuni spazi della città),
che la rendono un luogo diverso da ogni altro per il confronto fra le arti e i mutamenti della
società. Le Partecipazioni quest’anno raggiungono un livello molto alto, con 90 paesi a cui si
aggiungono 30 Eventi Collaterali. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L’autonomia dei direttori artistici è la miglior garanzia perché la
formula della Biennale di Venezia continui a funzionare e a produrre effetti talvolta sorprendenti,
anche sul piano diplomatico e politico».
(Testo integrale di Roberto Cicutto allegato)
PAESI
La Mostra sarà affiancata da 90 Partecipazioni Nazionali negli storici Padiglioni ai Giardini,
all’Arsenale e nel centro storico di Venezia. Sono 4 i Paesi presenti per la prima volta alla
Biennale Arte: Repubblica del Benin, Etiopia, Repubblica Democratica di Timor Leste e
Repubblica Unita della Tanzania. Nicaragua, Repubblica di Panama e Senegal partecipano per la
prima volta con un proprio padiglione.
Il Padiglione Italia alle Tese delle Vergini in Arsenale, sostenuto e promosso dalla Direzione
Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, è a cura di Luca Cerizza, con il
progetto Due qui / To hear dell'artista Massimo Bartolini, che include contributi appositamente
ideati da musiciste/i e da scrittrici/scrittori.
Il Padiglione della Santa Sede, promosso dal Prefetto del Dicastero per la Cultura e l’Educazione
della Santa Sede, Cardinale José Tolentino de Mendonça, avrà luogo quest’anno nella Casa di
reclusione femminile di Venezia alla Giudecca. La mostra ha come titolo Con i miei occhi ed è a
cura di Chiara Parisi e Bruno Racine.
Il Comune di Venezia partecipa con un proprio Padiglione, il Padiglione Venezia, ai Giardini di
Sant’Elena. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">EVENTI COLLATERALI
Gli 30 Eventi Collaterali approvati dal Curatore e promossi da enti e istituzioni pubbliche e
private senza fini di lucro, sono organizzati in numerose sedi della ciFà di Venezia e propongono
un'ampia offerta di contributi e partecipazioni che arricchiscono il pluralismo di voci che
caratterizza la Mostra (Lista allegata). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> PROGETTI SPECIALI realizzati dalla Biennale di Venezia
- Polveriera Austriaca, Forte Marghera, Mestre
Dieci opere dell’artista italiana Nedda Guidi (Gubbio, 1927 – Roma, 2015), presente in concorso
nell’Esposizione Internazionale, saranno esposte a Forte Marghera all’interno dell’edificio
chiamato Polveriera Austriaca. «Invitata per le tecniche innovative adoperate nella scultura in
ceramica – ha spiegato Adriano Pedrosa – Guidi unisce la figura dell’esperto artigiano col genio
dell'arte, non una 'semplice' ceramista ma una scultrice fondamentale per l'evoluzione della
ceramica contemporanea».
- Padiglione delle Arti Applicate, Arsenale, Sale d’Armi
L'artista brasiliana Beatriz Milhazes (n. 1960), nota per il suo lavoro che sovrappone l'immaginario
culturale brasiliano e i riferimenti alla pittura modernista occidentale, presenterà sette dipinti e
altrettanti collage di grandi dimensioni. Il progetto del Padiglione, quest’anno a cura di Adriano
Pedrosa, è arrivato alla sua ottava edizione ed è fruFo della collaborazione tra La Biennale e il
Victoria and Albert Museum (V&A) di Londra. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> BIENNALE COLLEGE ARTE
Agnes Questionmark, Joyce Joumaa, Sandra Poulson, Nazira Karimi sono gli autori dei progetti
finalisti della 2a
edizione di Biennale College Arte 2023/24, che accederanno a un contributo di
25.000 euro per la realizzazione del lavoro finale. Le loro opere saranno presentate, fuori
concorso, come parte della 60. Esposizione. Al bando di partecipazione hanno aderito oltre 150
giovani artisti/e emergenti under 30 provenienti da 37 paesi in tutto il mondo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> LEONI D’ORO ALLA CARRIERA
Sono stati attribuiti ad Anna Maria Maiolino, artista brasiliana (italiana di nascita), e a Nil Yalter,
artista turca (residente a Parigi), i Leoni d’Oro alla carriera della Biennale Arte 2024. Il
riconoscimento verrà consegnato sabato 20 aprile 2024 durante la cerimonia di premiazione e
inaugurazione della Biennale Arte 2024 a Ca’ Giustinian, sede della Biennale di Venezia.
BIENNALE SESSIONS, il progetto per le Università
Per il tredicesimo anno consecutivo La Biennale dedica il progetto Biennale Sessions alle
Università, alle Accademie e a tutte le istituzioni operanti nella ricerca e nella formazione nel
campo delle arti, dell’architeFura e nei campi affini. L'obieFivo è quello di offrire una facilitazione
a visite di tre giorni da loro organizzate per gruppi di almeno 50 tra studenti e docenti, con la
possibilità di organizzare seminari in luoghi di mostra offerti gratuitamente e assistenza
all'organizzazione del viaggio e soggiorno. (Scheda allegata) </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> EDUCATIONAL
La Biennale di Venezia, nel corso dell’ultimo decennio, ha dato crescente importanza all’attività
formativa, sviluppando un forte impegno nelle attività cosiddette “Educational” verso il pubblico
delle Mostre, le università, i giovani e i ragazzi delle scuole di ogni ordine e grado.
Con le due ultime grandi Mostre - la Biennale Arte 2022 e la Biennale Architettura 2023 - sono stati
complessivamente 130.298 i soggetti coinvolti, di cui 71.525 i giovani partecipanti alle attività
Educational. Anche per il 2024 è prevista una vasta offerta che si rivolge a singoli e gruppi di
studenti, bambini, adulti, famiglie, professionisti, aziende e università. Tutte le iniziative puntano
sul coinvolgimento attivo dei partecipanti, sono condotte da operatori selezionati e formati dalla
Biennale e si suddividono in Percorsi Guidati e Attività di Laboratorio. (Scheda allegata) </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> L'OFFERTA EDITORIALE E IL PROGETTO GRAFICO
Il catalogo ufficiale, dal titolo Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere, è composto di due volumi.
Il Volume I è dedicato alla Mostra Internazionale a cura di Adriano Pedrosa. Nelle prime pagine
alle due brevi introduzioni del Presidente Pietrangelo Buttafuoco e del Presidente Roberto Cicutto,
segue un’intervista ad Adriano Pedrosa di Julieta Gonzàles. La prima parte del volume è dedicata
ai saggi critici e alcune “Conversations”, tra cui le intervista ai Leoni d’Oro alla carriera, Anna
Maria Maiolino e Nil Yalter, la seconda parte è dedicata alla presentazione degli artisti esposti
divisi in due sezioni principali: Nucleo Storico e Nucleo Contemporaneo. Ogni artista è introdotto
da un testo critico di approfondimento e il suo lavoro è illustrato da un apparato iconografico. Il
Volume II è dedicato alle Partecipazioni Nazionali e agli Eventi Collaterali. La Guida della Mostra
è studiata per accompagnare il visitatore lungo il percorso espositivo.
L’identità grafica e il design delle pubblicazioni della Biennale Arte 2024 è firmata da Estudio
Campo (Paula Tinoco, Roderico Souza, Carolina Aboarrage) di San Paolo del Brasile.
I tre volumi sono editi da La Biennale di Venezia. (Scheda allegata) </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> IL PARTNER E GLI SPONSOR
La 60. Esposizione è realizzata anche con il sostegno di Swatch, Partner della manifestazione.
Main Sponsor della manifestazione è illycaffè.
Sponsor: American Express, Bloomberg Philantropies, Vela-Venezia Unica
Ringraziamenti a Cleary Gottlieb Steen & Hamilton LLP.
Rai è Media Partner della 60. Esposizione Internazionale d’Arte e seguirà la manifestazione con
un’offerta dedicata in Tv, alla radio e sul web. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">RINGRAZIAMENTI
Si ringrazia il Ministero della Cultura, le Istituzioni del territorio che in vario modo sostengono La
Biennale, la CiFà di Venezia, la Regione del Veneto e la Soprintendenza Archeologia, belle arti e
paesaggio per il Comune di Venezia e Laguna, la Marina Militare.
Un ringraziamento va ai Donor e agli Enti e Istituzioni internazionali per il loro sostegno nella
realizzazione della 60. Esposizione.
In particolare i nostri ringraziamenti vanno a Adriano Pedrosa e a tutto il suo team.
Grazie, infine, a tutte le grandi professionalità della Biennale applicate con grande dedizione alla
realizzazione e alla gestione della Mostra.</span></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-79040875194875155462024-02-28T20:13:00.001+01:002024-02-28T20:13:12.335+01:00Musei delle Lacrime al Museo Correr<div style="line-height: 1.2; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ-BwoPm1cAsJGmNNkGs0Mtn_68-vy2eMy5Irqt6py6ChYgTDquQ68fqmqKHNxt-GtNUt_IRspXCYETJpIWVnfoTyQ5Xqm8ygb314F0UDoYUeCnUKQnvhKX4RXkfh_dY1NB2YVDzKWOt6JxX2VUmb8zcyvwE-gAmizuDFxvPWfzxmLjslO-4jxbTPHyYo/s1330/francesco%20vezzoli%20lotto%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1330" data-original-width="922" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ-BwoPm1cAsJGmNNkGs0Mtn_68-vy2eMy5Irqt6py6ChYgTDquQ68fqmqKHNxt-GtNUt_IRspXCYETJpIWVnfoTyQ5Xqm8ygb314F0UDoYUeCnUKQnvhKX4RXkfh_dY1NB2YVDzKWOt6JxX2VUmb8zcyvwE-gAmizuDFxvPWfzxmLjslO-4jxbTPHyYo/w444-h640/francesco%20vezzoli%20lotto%20.jpg" width="444" /></a></div><br /><span style="font-family: arial; font-size: x-small;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: x-small;"> </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; font-weight: 700; white-space-collapse: preserve;">Francesco Vezzoli - </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; font-style: italic; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; font-weight: 700; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">Portrait of Paulina Porizkova as a Renaissance Madonna with Holy Child crying Salvador Dalì's jewels (After Lorenzo Lotto)</span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; font-weight: 700; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">, </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">2011 </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; white-space-collapse: preserve;">Stampa inkjet su tela, ricamo metallico e in cotone, stoffa, bigiotteria, acquarello, cornice d’artista </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; white-space-collapse: preserve;">Inkjet print on canvas, metallic and cotton embroidery, fabric, custom jewelry, watercolour </span><span style="font-family: arial; font-size: x-small; white-space-collapse: preserve;">115 x 80 cm</span></div></div><p></p><div style="text-align: justify;"><strong style="font-family: arial;">Fondazione Civici Musei</strong><span style="font-family: arial;"> </span><strong style="font-family: arial;">di Venezia </strong><span style="font-family: arial;">e </span><strong style="font-family: arial;">Venice International Foundation</strong><span style="font-family: arial;"> presentano </span><strong style="font-family: arial;"><em>Musei delle Lacrime</em></strong><span style="font-family: arial;">, un progetto ideato da </span><strong style="font-family: arial;">Francesco Vezzoli</strong><span style="font-family: arial;"> (Brescia, 1971) in maniera </span><em style="font-family: arial;">site-specific</em><span style="font-family: arial;"> per le sale del </span><strong style="font-family: arial;">Museo Correr </strong><span style="font-family: arial;">di </span><strong style="font-family: arial;">Venezia</strong><span style="font-family: arial;"> dal </span><strong style="font-family: arial;">17 aprile al 24 novembre 2024</strong><span style="font-family: arial;">.</span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">La mostra, curata da <strong>Donatien Grau</strong>,
si basa sulla continua ricerca di Francesco Vezzoli dedicata al dialogo
con il patrimonio artistico e portata avanti in modo radicale e
innovativo. Quasi trent'anni fa, l'artista iniziò a ricamare lacrime su
immagini di capolavori, creando così un proprio museo e sfidando l’idea
stessa del museo come affermazione di potere. Nel Museo Correr, dove
l’allestimento Moderno mette in risalto la collezione, l'artista cala la
propria ricerca in una nuova visione con opere che abbracciano oltre
vent'anni di produzione artistica, da pezzi storici a opere di nuova
creazione, realizzate appositamente per la mostra.</div><div style="text-align: justify;"> </div><strong><div style="text-align: justify;"><strong>L’esposizione scrive un nuovo capitolo nella progettualità di Venice International Foundation</strong>, scaturito dalla volontà del suo Presidente <strong>Luca Bombassei</strong>.
Architetto e collezionista di arte contemporanea, Bombassei raccoglie
l’obiettivo storico della Fondazione, che si identifica nella <strong>salvaguardia e protezione del patrimonio artistico veneziano</strong>, e lo declina secondo la propria esperienza, invitando per la prima volta <strong>l’arte
contemporanea a farsi portavoce e veicolo di nuove forme di fruizione e
valorizzazione dei luoghi più affascinanti e significativi</strong> che compongono il tessuto urbano di Venezia.</div></strong><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Spiega <strong>Luca Bombassei</strong>, Presidente di Venice International Foundation: “<em>È
con grande entusiasmo che abbiamo affidato a Francesco Vezzoli la
commissione per un progetto di arte contemporanea in grado di dialogare
in maniera armoniosa con gli spazi iconici del Museo Correr. Puntando i
riflettori sui preziosi tesori che il museo custodisce, l’intervento
rafforza l’impegno di Venice International Foundation nella promozione
dell’innovazione artistica e nella valorizzazione del patrimonio
culturale veneziano, obiettivo cardine della fondazione sin dalle sue
origini.”</em></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Spiega <strong>Francesco Vezzoli</strong>: “<em>Quella
che mi è stata offerta da Venice International Foundation è
un’opportunità straordinaria, una sfida che sono profondamente felice di
accogliere. Immergersi nelle sale del Museo Correr, con i suoi
capolavori incastonati nello scheletro disegnato da Carlo Scarpa, è un
vero e proprio viaggio nella storia di Venezia – una storia in cui il
contemporaneo e il patrimonio non sono in contraddizione, ma possono
anzi arricchire insieme la percezione che si ha della vita in modi mai
immaginati prima, in cui gusto e contesto possono essere rimessi in
discussione. </em>Musei delle Lacrime<em> è concepita come un'indagine
sulle lacrime perdute nella storia dell'arte. Dagli affreschi romani
fino alle Avanguardie del XX secolo - presenti nella storia dell'arte
veneziana - il corpo umano è stato rappresentato e studiato in tutti i
modi possibili. Dopo un'approfondita ricerca, mi sono reso conto che si
possono trovare qualsiasi tipo di attività ed espressioni di sentimenti,
eccetto l'atto di piangere. Le lacrime sono notevolmente assenti
dall'universo visivo dell'arte, sono un segno di debolezza che non
vogliamo condividere pubblicamente tramite l’arte. L'arte può essere
intima, come il mio gesto di ricamo, può cambiare la nostra vita. Questo
è ciò che i musei mostrano, e sono entusiasta di continuare questo
viaggio a Venezia, al Museo Correr".</em></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Per <strong>Mariacristina Gribaudi,</strong> Presidente di Fondazione Musei Civici di Venezia, <em>“il
dialogo scaturito dall’intervento di Vezzoli sullo straordinario
patrimonio del Correr, in particolare con i capolavori della Quadreria
di Cosmè Tura, Jacopo, Gentile e Giovanni Bellini, Antonello da Messina,
Vittore Carpaccio, per menzionarne alcuni, a loro volta ospiti d’onore
nel disegno di Carlo Scarpa, ci racconta, una volta di più, la vita
straordinaria dei musei e la loro capacità di essere luoghi che parlano
sempre il linguaggio del contemporaneo e dell’attualità, in ogni epoca. E
che per questo devono essere parte della vita quotidiana di ognuno, di
tutti cittadini, di ogni età.”</em></div><div style="text-align: justify;"> </div><strong><div style="text-align: justify;"><strong>LA MOSTRA</strong></div></strong><strong><div style="text-align: justify;"><strong><em>Musei delle Lacrime</em></strong>
attinge al rapporto di Francesco Vezzoli con la storia dell'arte:
amplia, mette in discussione e sfida i vari modi in cui il patrimonio
viene raccontato al pubblico e come la nostra epoca vi si relaziona
attraverso le premesse ideologiche di ogni allestimento per esplorare i
temi universali delle esperienze umane.</div></strong><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Il
progetto espositivo, concepito su invito di Venice International
Foundation, trova le sue radici nella sede stessa del Museo Correr, dove
l'architetto e designer Carlo Scarpa ha concepito l’allestimento in
chiave modernista per ospitare dipinti e sculture dal XIII al XVII
secolo. Scarpa inventò nuovi modi di teatralizzare i dipinti, creando
così un nuovo santuario per il patrimonio veneziano. Affrontando questa
ambivalenza tra contemporaneo e storico, Francesco Vezzoli si inserisce
nel contesto espositivo del Museo Correr nel massimo rispetto
dell'impostazione scarpiana, rendendo omaggio alla doppia storia di
Venezia come testimonianza di un patrimonio storico e manifestazione
della modernità; come tale, collega la collezione del museo creando
ideali parallelismi con altri allestimenti di Carlo Scarpa. Gli elementi
allestitivi della mostra sono stati ideati da Filippo Bisagni.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Francesco
Vezzoli ricama i suoi quadri da sé, in un'esperienza privata e intima
che capovolge le categorie di maschile e femminile, sovvertimento qui in
dialogo con una storia dell'arte definita dalle regole della
mascolinità dall’ideazione all'esposizione. L’intervento dell’artista
apre a una diversa esperienza del patrimonio e del nostro tempo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;"><strong>NOTE BIOGRAFICHE</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;"><b><br aria-hidden="true" /></b><strong>Francesco Vezzoli</strong>,
uno degli artisti italiani contemporanei più rinomati, ha sviluppato un
corpo di lavoro che spazia tra intense allegorie sulla cultura
contemporanea.<br aria-hidden="true" />Utilizzando una varietà di media,
tra cui installazioni video, ricami, fotografia, performance dal vivo e,
più recentemente, scultura classica, Vezzoli ha ottenuto riconoscimento
a livello globale.<br aria-hidden="true" />Ha partecipato quattro volte
alla Biennale di Venezia e ha esposto in importanti manifestazioni
internazionali come la Whitney Biennial e la Biennale di San Paolo. Le
sue mostre personali sono state ospitate da rinomate istituzioni come il
New Museum di New York e la Tate Modern di Londra. Vezzoli ha
collaborato con personalità illustri, tra cui Lady Gaga e Natalie
Portman, e nel 2017 ha curato la mostra “TV70: Francesco Vezzoli guarda
la RAI” presso la Fondazione Prada di Milano. Negli ultimi anni ha
realizzato progetti che collegano il suo lavoro a opere, siti storici e
monumenti italiani, collaborando con istituzioni come il Museo e Real
Bosco di Capodimonte a Napoli e il Parco Archeologico di Brescia. Nel
2019, Francesco Vezzoli ha tenuto una mostra personale alla Collection
Lambert en Avignon, creando un dialogo tra le sue sculture e le opere di
Cy Twombly ispirate all'antichità romana. Ha poi esposto per la prima
volta in un sito archeologico con la mostra "Palcoscenici Archeologici",
in collaborazione con la Fondazione Brescia Musei. Nel 2021, nel
progetto "Francesco Vezzoli in Florence", ha creato due sculture
site-specific: in Piazza della Signoria l'opera "PIETÀ", un leone
rampante novecentesco che stritola una testa romana, e "LA MUSA
DELL’ARCHEOLOGIA PIANGE" nello Studiolo di Francesco I de' Medici a
Palazzo Vecchio, unendo una figura di togato romano con una testa
"metafisica" in bronzo, omaggio a de Chirico. L’idea di un nuovo
progetto per la città di Venezia nasce come naturale proseguimento e
completamento di un lungo discorso fatto di archeologia, memoria e
invenzione contemporanea, ulteriormente approfondito nella recente
mostra VITA DVLCIS: Paura e desiderio nell’Impero romano presso il
Palazzo delle Esposizioni, Roma, nel 2023.<br aria-hidden="true" /> </span></div></span><p></p><div><span style="font-family: arial; font-size: x-small;"><strong>Donatien Grau</strong>
è editore, studioso e dirigente museale. Ha iniziato a collaborare con
Francesco Vezzoli nel 2009, scrivendo per il catalogo della performance
di Francesco Vezzoli con Lady Gaga al Museum of Contemporary Art di Los
Angeles. Da allora i due sono rimasti in stretto contatto, collaborando
in particolare a "Huysmans critique d'art, sous le regard de Francesco
Vezzoli", al museo d'Orsay dove Grau era responsabile dei programmi
contemporanei. Attualmente è responsabile dei programmi contemporanei al
Louvre di Parigi, nonché caporedattore e direttore artistico della
neonata rivista Alphabet e presidente della Pierre Guyotat Estate. Il
suo lavoro accademico sui musei ha portato a pubblicazioni come Living
Museums (Hatje Cantz, 2020) e Under Discussion. The Encyclopedic Museum
(Getty, 2021).<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" /><strong>VENICE INTERNATIONAL FOUNDATION</strong><br aria-hidden="true" /><a data-auth="NotApplicable" data-linkindex="4" href="https://paolamanfredi.us19.list-manage.com/track/click?u=77a288cbb65702b410eee4ad7&id=e09c832510&e=372f66efb8" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(0, 124, 137) !important;" target="_blank"><strong>venicefoundation.org/it/home/</strong></a><br aria-hidden="true" />Fondata
nel 1996, Venice International Foundation è stata il primo esempio in
Italia di raccolta di finanziamenti privati per i musei pubblici. Agendo
come impresa culturale e laboratorio di idee, VIF supporta progetti
storici, artistici e scientifici, coinvolgendo mecenati e
appassionati d'arte, storia e ambiente per salvaguardare, acquisire
e valorizzare il patrimonio storico-artistico dei musei. <br aria-hidden="true" />Il
nuovo assetto di Venice International Foundation incarna la sua
vocazione a re-inventarsi. È una struttura in cui le idee circolano
liberamente per elaborare intenti e progetti per archi di
tempo variabili. Venice International Foundation definisce una strategia
di comunicazione e di raccolta fondi volta a garantire un’ampia
partecipazione alle proprie iniziative, per realizzare un nuovo legame
fra i propri sostenitori e la città, ponendo l’accento sul
valore sociale di un contributo destinato a sostenere un patrimonio che
appartiene a tutti.<br aria-hidden="true" />Tra gli ultimi progetti
promossi e realizzati da Venice International Foundation a
Venezia figurano il restauro della tela di Giambattista Tiepolo “La
Nobiltà e la Virtù abbattono l’ignoranza” conservata a Ca’ Rezzonico, il
recupero degli interni del museo di Palazzo Fortuny, il restauro delle
dorature del soffitto di Palazzo Ducale, il restauro del mosaico della
cupola della Basilica di San Marco.<br aria-hidden="true" />Venice International Foundation è presieduta dal 2020 da <strong>Luca Bombassei</strong>:
grazie alla sua leadership visionaria, che guarda agli ambiti
dell'architettura, del design e dell'arte contemporanea, VIF si apre
sempre più al dialogo con nuove aree interdisciplinari. Architetto di
formazione e professionista di talento, Bombassei porta con sé un
background accademico e professionale di rilievo. Vive e lavora tra
Milano e Venezia, città nelle quali ha lasciato un segno indelebile
attraverso i suoi progetti. Fa inoltre parte del Consiglio
di Amministrazione dell’Innovation District Kilometro Rosso a Bergamo,
di cui dal 2005 è a capo del coordinamento progettuale. Il suo
approccio al design e all’architettura è caratterizzato da una
visione unica degli spazi, che egli trasforma in veri e propri
palcoscenici narrativi, e delle superfici, che diventano espressioni
magiche e surreali. Un'estetica innovativa che sfida i confini della
realtà, anche grazie alla sua passione per l’arte contemporanea che
Bombassei pone costantemente in dialogo con le architetture storiche che
lo circondano.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" /><strong>MUSEO CORRER</strong><br aria-hidden="true" /><a data-auth="NotApplicable" data-linkindex="5" href="https://paolamanfredi.us19.list-manage.com/track/click?u=77a288cbb65702b410eee4ad7&id=a7d872f1c7&e=372f66efb8" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(0, 124, 137) !important;" target="_blank"><strong>correr.visitmuve.it/</strong></a><br aria-hidden="true" />Il
Museo Correr è parte della rete degli 11 Musei Civici di Venezia.
Grazie alla molteplicità e ricchezza delle sue raccolte il museo
custodisce e illustra, la civiltà, la storia millenaria e l’arte di
Venezia: un avvincente percorso-racconto che inizia dall’Ala Napoleonica
sul fondo di Piazza San Marco, già cuore dell’ottocentesco Palazzo
Reale e ora solenne ingresso del Museo, e che si sviluppa all’interno di
ben due piani delle Procuratie Nuove. Nato dalla collezione che il
patrizio veneto Teodoro Correr lasciò alla città nel 1830, poi
ininterrottamente e generosamente arricchito; il Palazzo Reale di
Venezia, con i fastosi ambienti dell’Ala Napoleonica e gli appartamenti
delle Sale Reali recentemente “ritrovati” e restaurati; Antonio Canova,
con le opere del grande scultore più intimamente legate alla città;
Storia e civiltà di Venezia: lo Stato, le istituzioni, la città, le arti
della Serenissima; la Quadreria Correr e le collezioni d’arte, a
illustrare cammino e influssi dell’arte tra Medioevo e Rinascimento con i
capolavori dei grandi maestri: Paolo e Lorenzo Veneziano, Cosmè Tura,
Jacopo, Gentile e Giovanni Bellini, Antonello da Messina Vittore
Carpaccio solo per citarne alcuni. Un itinerario ricco e articolato che,
grazie alla modalità di visita integrata “Area Marciana” comprensiva
della visita a Palazzo Ducale, si arricchisce e si completa nel contiguo
Museo Archeologico Nazionale e nelle sale monumentali della Biblioteca
Nazionale Marciana.</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-88367226905563928292024-02-28T19:53:00.003+01:002024-02-28T19:53:49.473+01:00I Musei civici veneziani nell'anno della Biennale e di Marco Polo <p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9YYjlhEEYlVuukffW4hGMEK_cbcPQbpxXu2QVjmN1S3rBXCHC2ZcDFJqhPINjLbiygpq_IyvWVHb0A6gX-SdR4CeNfDgHLS_s4DcoR8T_2Odxkd8cgkiD38HXgfbDWIipmvYXwTVKorclmtmDU54YV4Ikq0Z4TPsg27zu9R-MevxXUZZFXsXiLdMJHwk/s711/muve.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="619" data-original-width="711" height="558" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9YYjlhEEYlVuukffW4hGMEK_cbcPQbpxXu2QVjmN1S3rBXCHC2ZcDFJqhPINjLbiygpq_IyvWVHb0A6gX-SdR4CeNfDgHLS_s4DcoR8T_2Odxkd8cgkiD38HXgfbDWIipmvYXwTVKorclmtmDU54YV4Ikq0Z4TPsg27zu9R-MevxXUZZFXsXiLdMJHwk/w640-h558/muve.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Musei civici veneziani: sarà l’anno della Biennale e di Marco Polo, di grandi mostre d’arte contemporanea con Armando Testa, Francesco Vezzoli, Eva Jospin, Loris Cecchini, Roberto Matta e Matisse al Centro Culturale Candiani.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Continua l’impegno per la tutela, la conservazione e la valorizzazione delle collezioni, a cui si aggiungono nuovi progetti, nuovi spazi, nuove sfide: a Murano con l’ampliamento del Museo del Vetro, a Mestre con il progetto dell’ex Emeroteca e il futuro Palaplip.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">I musei civici veneziani offrono per questo 2024 una ricca proposta espositiva di arte contemporanea per la primavera, il consolidamento di progetti e investimenti strutturali per rinnovare, ampliare e rendere i musei sempre più funzionali, aperti, accoglienti, per tutti con proposte educative, di alta formazione, di ricerca, con la divulgazione scientifica e con servizi a tutti i cittadini. </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Interventi volti alla tutela e valorizzazione delle collezioni, alcuni avviati già nel 2023 come la scoperta dell’opera che reca l’“impronta” di Andrea Mantegna, individuata nei depositi del Museo Correr, il progetto di restituzione e valorizzazione dedicato al Rinascimento in bianco e nero - visibile al pubblico dall’8 marzo 2024 - la donazione Paolo Galli a Ca’ Rezzonico, con l’arricchimento del patrimonio delle collezioni con donazioni, come l’Archivio Tessile Elda Cecchele a Palazzo Mocenigo. </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Per illustrare le sue proposte 2024 MUVE ha realizzato, come di consueto, una pubblicazione consultabile on line sul sito di Fondazione: www.visitmuve.it/it/programma-2024</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Una Fondazione sempre più attiva in operazioni anche “fuori dai musei”, coinvolta in investimenti per nuove attività e realtà culturali, a Venezia e in Terraferma. Perché, come afferma il Sindaco Luigi Brugnaro «l’impegno di MUVE con l’amministrazione comunale è ogni anno più articolato: non riguarda più solo l’apertura e la chiusura dei musei e la cura delle collezioni, ma concorre alla promozione complessiva della cultura in città, in tutto il territorio, offrendo sempre più opportunità a residenti e visitatori. Una sfida per l’innovazione che proseguiamo con determinazione insieme al Cda, ai curatori, tecnici, guardasala, addetti alla vigilanza, alla sicurezza, alle pulizie, bookshop e caffetterie».</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L’offerta del 2024 dei Musei Civici di Venezia intende ricordare, una volta di più, il valore del museo come centro della quotidianità di ogni cittadino; un valore che, come ricorda la Presidente di Fondazione Musei Civici Mariacristina Gribaudi, «viene garantito anche dal ricco programma di attività educative di MUVE dedicate a famiglie, scuole, con progetti pensati per persone con necessità speciali, per incrementare il processo partecipativo e la costruzione del dialogo, attraverso nuove letture e interpretazioni del patrimonio culturale».</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Dialogo attraverso la cultura, impulso alla scoperta, curiosità, condivisione, insieme all’approfondimento e alla ricerca storico scientifica sono i temi principali di un palinsesto di esposizioni organizzate in occasione dei 700 anni dalla morte di Marco Polo: prima fra tutte la grande mostra a Palazzo Ducale I mondi di Marco Polo. Il viaggio di un mercante veneziano nel Duecento (6 aprile - 29 settembre) a cui segue il consueto appuntamento con Le vie della scrittura con l’esposizione al Museo Correr (24 aprile – 15 ottobre) e le masterclass (ottobre - novembre 2024) dedicate alle culture calligrafiche cinese e araba. E ancora, il progetto Alfabeto Marco Polo. Venezia - Istanbul (7 - 16 maggio) e Marco Polo. I costumi di Enrico Sabbatini al Museo di Palazzo Mocenigo con abiti di scena del celebre sceneggiato RAI (14 maggio – 30 settembre).</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">In primavera prende forma la proposta espositiva dedicata all’arte contemporanea e ai suoi grandi protagonisti, indagando diversi media e linguaggi: a partire da Eva Marisaldi al Museo di Casa Goldoni (21 marzo - 24 novembre) Eva Jospin con una grande opera site specific realizzata per il Museo di Palazzo Fortuny (10 aprile - 24 novembre), i Musei delle Lacrime di Francesco Vezzoli al Museo Correr (17 aprile - 24 novembre), l’omaggio di Ca’ Pesaro, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea ad Armando Testa con un’ampia monografica dedicata al creativo piemontese, un legame con il museo nato nel 2022 con la donazione alle collezioni civiche veneziane di 17 opere. Il dialogo al secondo piano, nelle Sale Dom Pérignon, è con Lo Stile di Chiara Dynys (20 aprile - 15 settembre). Il Museo del Vetro a Murano ospita le opere di Federica Marangoni Guardando al futuro (19 maggio - 3 novembre), il Museo di Palazzo Mocenigo apre al progetto Albero della Vita di Carla Tolomeo (25 maggio - 24 novembre), mentre Mestre ospita le mostre collettive della quinta edizione di Artefici del nostro tempo a Forte Marghera (giugno - 31 dicembre) e dell’ottava edizione di Premio Mestre di Pittura (14 settembre - 20 ottobre). </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Attesi in estate Loris Cecchini a Ca’ Rezzonico (12 giugno - 24 novembre) e Fragile Stories per la Biennale del Merletto a Burano (14 giugno - 5 gennaio 2025). Grandi mostre ed esposizioni accompagneranno i visitatori fino alla fine dell’anno, con l'opera del fervido pittore cileno Roberto Matta (25 ottobre – 23 marzo 2025) e il progetto dedicato a Giorgio Andreotta Calò (15 novembre – 4 marzo 2025) a Ca’ Pesaro, fino alle Storie di fabbriche, Storie di famiglie per presentare al pubblico l’’importante e cospicua donazione opere della ditta Carlo Moretti al Museo del Vetro.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Tra i diversi interventi strutturali a Venezia, il più significativo riguarda l’ampliamento del Museo del Vetro a Murano, con un investimento di oltre 5 milioni di euro e la nascita di una nuova sezione dedicata all’arte vetraria contemporanea, unitamente al restyling del secondo piano del Museo Correr, insieme alla progettazione del restauro e del recupero della Loggia della Pescheria a Rialto. In terraferma si intensifica l’impegno nel chilometro quadrato della cultura nel centro di Mestre. A partire dal Centro Culturale Candiani, sempre più identificabile con la Casa della Contemporaneità a Mestre, anche grazie alla straordinaria accoglienza per la mostra Chagall.Il colore dei sogni - che ha chiuso con oltre 31.000 visitatori tra residenti, visitatori dal Veneto e da fuori regione, oltre ai turisti internazionali che trovano nel centro di Mestre un nuovo punto di interesse per attività culturali - e che nell’autunno aprirà le porte a Matisse e la luce del Mediterraneo (28 settembre 2024 - 4 marzo 2025). </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L’impegno prosegue e si estende con i lavori dell’ex Emeroteca di via Poerio, progetto innovativo che porterà la produzione artistica nel cuore della città con l’apertura di atelier per artisti e di un caffè letterario, fino al progetto di riqualificazione del Palaplip in Via San Donà in un centro polivalente con funzione sociale e culturale. Una dimensione che parla di un territorio metropolitano, fisico e culturale, sempre più esteso che MUVE e Amministrazione celebrano anche nelle Giornate dei Musei in Festa – le prossime in programma il 10 marzo, 4 aprile, 23 maggio, 13 giugno 2024 e proseguiranno fino a fine anno – con ingresso gratuito per tutti residenti dei 44 comuni della Città Metropolitana di Venezia e di Mogliano Veneto.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Formazione</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Alle professionalità, e soprattutto ai giovani, MUVE guarda da sempre con particolare interesse e il 2024 sarà un anno impegnativo su questo fronte: con il consolidamento della rete di rapporti con università e realtà che si occupano di formazione mentre crescono le attività dei musei con incontri dedicati, percorsi di alta formazione, masterclass ed esperienze pratiche in grado di offrire nuove prospettive sulla storia, sul mondo, sull’attualità, condividendo il patrimonio di collezioni e di saperi dei Musei Civici. In quest’ottica si rinnova e consolida la partecipazione di MUVE agli appuntamenti come il Salone Nautico, il Salone dell’Alto Artigianato Italiano, la Design Week e con la Venice Glass Week, che hanno nella Scuola Abate Zanetti, nella produzione e nella ricerca artistica e artigianale del vetro il proprio cardine. E ancora, Incontri intorno al management della cultura e conferenze dedicate a L’economia della bellezza.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Musei per tutti</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Luoghi di incontro, di scambio, di crescita, di ispirazione, dove sperimentare, luoghi della collettività, da vivere, da abitare, sempre più aperti, sempre più promotori di sostenibilità e diversità, con sempre più servizi ai visitatori: come le nuove audioguide di Palazzo Ducale, ricche di contenuti interattivi consultabili dal proprio smartphone; proposte come Dog & Museum che offre la possibilità ai visitatori che arrivano in città con il proprio animale di prenotare via web e con app un dog-sitter professionista e godersi così in tranquillità il tour.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Musei che raccontano e che si raccontano, a tutti: con aree inclusive e multisensoriali come quella al Museo di Storia Naturale dedicata al Fontego dei Turchi e alla sua storia, con un modello del palazzo e la replica di una patera pensati anche per l’esplorazione tattili; con ambienti accoglienti come Spazio ’700 – MUVE for All, per raccontare Ca’ Rezzonico e il Settecento con un approccio ludico ed educativo. Tra le 180 proposte in tutte le sedi museali della Fondazione dedicate a scuole, famiglie e adulti, il programma di MUVE Education si caratterizza sempre per una particolare attenzione all’accessibilità e inclusione. Occasioni preziose non solo per l’impatto sociale positivo, ma anche per letture e riletture delle collezioni, esperienze importanti per tutti e per ciascuno per scoprire nuovi significati e nuove narrazioni dell’arte, della storia e della cultura, osservate con uno sguardo diverso. Tra questi; percorsi plurisensoriali, rivolti a tutti, corredati da supporti appositamente realizzati con materiali innovativi e possibilità di esplorazione tattile di opere originali selezionate; le conversazioni d’arte al museo, visite inclusive che incoraggiano l’uso dell’immaginazione e dell’espressione creativa, dedicato in particolare a piccoli gruppi di persone con Alzheimer e anziani con condizioni neurodegenerativa assieme ai loro caregivers; scuola di lingua al museo, con attività di avvicinamento alla lingua e alla cultura italiane per ragazzi o minori non accompagnati, adulti stranieri provenienti anche da comunità e centri di prima accoglienza fino a una riscoperta e rinascita, per persone con dipendenza, inserite in percorsi riabilitativi. Una rete di musei che fa davvero bene, a tutti. </span></div><p style="text-align: justify;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-40233768378446414612024-02-28T06:52:00.003+01:002024-02-28T06:52:40.905+01:00News ed eventi paralleli <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZYTjDe06-7goygsxpNPeTQJhvcnYL4zzrlMpAlgulVhQ4aKolxCIJfLYcQbQ8LDYDj-O2BAQUjqNDD0DoXfeuADb6FWsXfaYkXMBt8jx_RoU0svDw3SWPRfUShvvtwEkxH36uww1tCxV03M_JVFGx9JdpElXICgKjV1T_r3tVo2ZAlRMEYmqfsu2Zck8/s1405/eventi%20paralleli%20biennale%20venezia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="781" data-original-width="1405" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZYTjDe06-7goygsxpNPeTQJhvcnYL4zzrlMpAlgulVhQ4aKolxCIJfLYcQbQ8LDYDj-O2BAQUjqNDD0DoXfeuADb6FWsXfaYkXMBt8jx_RoU0svDw3SWPRfUShvvtwEkxH36uww1tCxV03M_JVFGx9JdpElXICgKjV1T_r3tVo2ZAlRMEYmqfsu2Zck8/w640-h356/eventi%20paralleli%20biennale%20venezia.jpg" width="640" /></a></div><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> <strong style="color: #222222; text-align: justify;"><span style="color: #006699;">BANGKOK ART BIENNALE IN VENICE</span></strong></span></p><span style="font-family: arial;"><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><em>The Spirits of Maritime Crossing </em><br />Palazzo Smith Mangilli Valmarana, 30100 Venice<br /><strong>20 April - 24 November 2024</strong></span><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"></span></span><p dir="ltr" style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><em>The Spirits of Maritime Crossing</em> brings together 15 artists from the Global South from countries such as Thailand, Laos, Cambodia, Vietnam, Myanmar and Singapore. The exhibition is presented by the Bangkok Art Biennale Foundation and provides a preview exhibition to international audiences ahead of the city’s own biennale which takes place from 24 October 2024 – 25 February 2025. <br /><br /><em>The Spirits of Maritime Crossing</em> explores themes of diaspora, displacement, and colonialism through the lens of ocean and sea travel. The exhibition also draws parallels between the geographies and histories of Venice and Bangkok with the latter being known as the ‘Venice of the East’ due to the city still maintaining a network of canals (khlongs) where people live, work and travel on a daily basis. Spanning performance, painting, film and sculpture, the exhibition features works by <strong>Marina Abramovic, Khvay Samnang, Jakkai Siributr, Moe Satt and Priyageetha Dia</strong> as well as other artists from South East Asia.</span></p><p dir="ltr" style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p dir="ltr" style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p dir="ltr" style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-size-adjust: 100%;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="font-family: arial;"><span style="color: #006699;">OCEAN SPACE </span></strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><em>Re-Stor(y)ing Oceania</em></div><span><div style="text-align: justify;">Campo S. Lorenzo, 5069, 30122 Venice</div></span><span><div style="text-align: justify;"><strong>23 March - 13 October 2024</strong></div></span></span><p></p><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><span>Ocean Space brings together new commissions by indigenous pacific artist <strong>Latai Taumoepeau</strong> and architect <strong>Elisapeta Hinemoa Heta</strong> to explore how <strong>indigenous communities in the Pacific Islands are on the frontline of major environmental concerns.</strong> Curated by Taloi Havini, </span><span>recent winner of the 2024 Artes Mundi Prize,</span><span> the exhibition spans performance, sculpture, poetry and movement. The new choral work and participatory installation by Latai Taumoepeau grounded in Tongan philosophies is focused on giving voice to Pacific Islanders in the <strong>resistance to deep sea mining; </strong>and a new multi-sensory installation, <em>The Body of Wainuiātea</em>, by Wāhine architect Elisapeta Heta which provides a space <strong>embodying ritual and ceremony guided by the Māori concept of tikanga</strong> from her ancestral lands of Aotearoa, New Zealand.</span></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-size-adjust: 100%;"><span><span><span style="color: #006699; font-family: arial;"><strong>GOODMAN GALLERY ARTISTS IN VENICE </strong></span></span></span></p><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">The gallery is widely known for its near-60 year commitment to platforming artists from the Global South. <strong>Owner Liza Essers</strong> can provide commentary and a briefing on the <strong>reappraisal of 20th century artists from Africa</strong> as well as themes that crossover in Adriano Pedro's curated exhibition at this year's Biennale di Venezia including othering, displacement, immigration, diaspora and decolonisation. A significant number of the gallery's artists are included across the Biennale's programme this year:</span></p><ul style="margin: 1em 0px 1em 24px; padding: 0px 0px 0px 16px;"><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Kapwani Kiwanga (Canadian Pavilion</strong>) traces the pervasive impact of power asymmetries by placing historic narratives in dialogue with contemporary realities, the archive, and tomorrow’s possibilities</span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Yinka Shonibare CBE RA’s (Nigerian Pavilion)</strong> interdisciplinary practice uses citations of Western art history and literature to question the validity of contemporary cultural and national identities within the context of globalisation. </span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Gabrielle Goliath (main exhibition)</strong> attends (and tends) to histories and present-day conditions of differentially valued life, reaffirming ways in which black, brown, femme and queer practices of possibility perform the world differently. </span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Kiluanji Kia Henda (main exhibition) </strong>employs a surprising sense of humour in his work, which often hones in on themes of identity, politics, and perceptions of post-colonialism and modernism in Africa. </span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Kudzanai Chiurai (main exhibition)</strong> incorporates various media into his work, which is largely focused on cycles of political and economic inequality, and conflict resolution in post-colonial societies. </span></li></ul><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span><span><span style="color: #006699; font-family: arial;"><strong>KURIMANZUTTO ARTISTS IN VENICE </strong></span></span></span></p><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">kurimanzutto’s artists are included in both the main exhibition, <em>Stranieri Ovunque</em>, curated by Adriano Pedrosa, and pavilions across the Biennale this year. The artists: Ana Segovia, Bárbara Sánchez-Kane and Wangshui, engage with themes of otherness, marginalisation, and particularly queerness: </span></p><ul style="margin: 1em 0px 1em 24px; padding: 0px 0px 0px 16px;"><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Ana Segovia (main exhibition)</strong> transgressive paintings question idealised gender roles, taking familiar images from the Golden Age of Mexican cinema and the Western genre and subverting them.</span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Bárbara Sánchez-Kane</strong> <strong>(main exhibition)</strong> resists traditional notions of mexicanidad - the notion of being Mexican - and its relationship with the feminine and the masculine, through fashion, sculpture, and performance.</span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Wangshui (main exhibition) </strong>explores liminality as a form of resistance through video, painting, sculpture and installation. </span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Wilfredo Prieto</strong> <strong>(Cuban Pavilion) </strong>sculpturally explores historical, philosophical and geographical perspectives. The pavilion is commissioned by Daneisy García Roque, and curated by Nelson Ramirez de Arellano Conde.</span></li></ul><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span><span style="color: #006699; font-family: arial;"><strong>STEPHEN FRIEDMAN GALLERY ARTISTS IN VENICE </strong></span></span></p><p style="line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">Three artists represented by the gallery will feature across La Biennale di Venezia programming, please see below. Stephen Friedman is also available for commentary on wider themes: </span></p><ul style="margin: 1em 0px 1em 24px; padding: 0px 0px 0px 16px;"><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Jeffrey Gibson (United States Pavilion)</strong> is celebrated for an artistic practice that combines American, Indigenous, and Queer histories with influences from music and pop culture, Gibson creates a dynamic visual language that reflects the inherent diversity and hybridity of American culture. </span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Yinka Shonibare CBE RA (Nigerian Pavilion) </strong>creates work that explores issues of race and class through the media of sculpture, painting, photography, film, tapestries and public works.</span></li><li style="line-height: normal; margin-bottom: 0.5em; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Leilah Babirye (main exhibition) </strong>transforms everyday materials into objects that address issues surrounding identity, sexuality and human rights.</span></li></ul><div><span style="font-family: georgia, times, times new roman, serif;"><br /></span></div></div></div></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-44643561621853127562024-02-28T06:46:00.003+01:002024-02-28T06:46:39.617+01:00News dall'Ucraina<p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrfLyfOxCQXz62ldumdh7qsNEq_6k1ni1EDyXfmjAiUx36_g0eRaKIJecxelFrILwj8NdI2Q_4kjCxmj2YDADLxL61HYhg4MTse_oNNk3guVxyaJq3BXb-y9Cnkce824o_IzBu_evmFbvke2Qj4RuEpIE9xcfZWjVIxwiGSYBK3uBNJipIjn2AvGe01iE/s793/Ukrainian%20pavilion%20%20AT%20THE%20ARSENALE%20venice%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="793" height="484" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrfLyfOxCQXz62ldumdh7qsNEq_6k1ni1EDyXfmjAiUx36_g0eRaKIJecxelFrILwj8NdI2Q_4kjCxmj2YDADLxL61HYhg4MTse_oNNk3guVxyaJq3BXb-y9Cnkce824o_IzBu_evmFbvke2Qj4RuEpIE9xcfZWjVIxwiGSYBK3uBNJipIjn2AvGe01iE/w640-h484/Ukrainian%20pavilion%20%20AT%20THE%20ARSENALE%20venice%202024.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p><span style="font-family: arial;"><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="color: #006699;"><strong>UKRAINE PAVILION AT THE ARSENALE </strong></span><strong><em>Net Making </em></strong></span><br style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;" /><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"> </span></span></p><p style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">Two years into the Russian invasion, <strong>the <a href="https://ukrainianpavilion.org/">Ukraine Pavilion</a></strong> will present Net Making: a group exhibition co-curated by Viktoria Bavykina and Max Gorbatskyi. Sharing similarities with the themes in the main exhibition at the Biennale <em>Foreigner’s Everywhere</em>, the Ukraine pavilion <strong>collects a diversity of voices responding to the fundamentally othering effect of war.</strong> The exhibition title refers to the practice of citizens of all ages and backgrounds meeting to weave camouflage nets, which has become a symbol of the collective resistance of everyday Ukrainians.</span></p><p style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Daniil Revkovskyi</strong> and <strong>Andrii Rachynskyi</strong> will present the film <em>Civilians. Invasion</em> which tells the story of the first days of the full-scale Russian invasion through the eyes of survivors using open source videos and private YouTube channels. The artists note “this film is a horror encyclopaedia, capturing the harrowing experiences people endure during a full-scale invasion.”<br /><br /><strong>Katya Buchatska</strong> is collaborating with 15 neurodivergent artists to explore language and civility as both comforting and absurd when faced with war. Under full-scale invasion, “Life went on, days passed, birthdays came. We wished each other happy birthday on every occasion, and gradually, the language clichés became increasingly obtrusive and incongruous, alienated from us.’ </span></p><p style="background-color: white; color: #222222; line-height: 15px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><em>Comfort Work</em><em> </em>is a video series by <strong>Andrii Dostliev</strong><strong> </strong>and <strong>Lia Dostlieva</strong> reflecting on Ukrainian refugee communities across Europe, highlighting stereotypes and expectations, and creating a safe space for Ukrainians with experience of displacement to reclaim their agency.</span></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0Venezia VE, Italia45.4408474 12.315515117.130613563821157 -22.8407349 73.751081236178848 47.4717651tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-11490082805470385872024-02-28T06:44:00.002+01:002024-02-28T06:44:14.609+01:00News dalla Turchia<p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzPVuPKBgEfJvqeeqgEMJB37L6mo9k5F7XZVCLWhfAtjgR6ZLHAv0C5SEXIO1l2jhHDGZlJI5B3ay3hecXYLlIeL0SWa0TgsPq7WLPKKD_vlL1M9amgXlUJLoEAEr97qtNjeGdFivZaSOM4DCDleyPw4ijsiyFxDnPC7taxH-Md2-HQDyPtcK3QGV4kIs/s633/T%C3%9CRK%C4%B0YE%20PAVILION%20AT%20THE%20ARSENALE%20venice%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="364" data-original-width="633" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzPVuPKBgEfJvqeeqgEMJB37L6mo9k5F7XZVCLWhfAtjgR6ZLHAv0C5SEXIO1l2jhHDGZlJI5B3ay3hecXYLlIeL0SWa0TgsPq7WLPKKD_vlL1M9amgXlUJLoEAEr97qtNjeGdFivZaSOM4DCDleyPw4ijsiyFxDnPC7taxH-Md2-HQDyPtcK3QGV4kIs/w640-h368/T%C3%9CRK%C4%B0YE%20PAVILION%20AT%20THE%20ARSENALE%20venice%202024.jpg" width="640" /></a></div><br /> <p></p><p><span style="font-family: arial;"><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><span style="color: #006699;"><strong>TÜRKİYE PAVILION AT THE ARSENALE</strong></span></span></span></p><p><span style="font-family: arial;"><span style="background-color: white; text-align: justify;"><span style="color: #006699;"><b><br /></b></span><strong style="color: #222222;"><em>Hollow and Broken: A State of The World </em>by Güslün Karamustafa </strong></span><br style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;" /><br style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;" /><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><strong><em>Hollow and Broken: A State of the World</em></strong>, a new installation by one of Türkiye’s most influential and outspoken artists, <strong>Gülsün Karamustafa</strong>, will be presented at the <a href="https://www.iksv.org/en/news/the-turkiye-pavilion-to-present-hollow-and-broken-a-state-of-the-world-by-gulsun-karamustafa"><strong>Türkiye Pavilion</strong>.</a> Karamustafa’s installation will comprise an interconnection of sculptural works made from found materials, inviting viewers to reflect on the current state of the world and issues threatening humanity. In an element of the installation, the artist alludes to the perpetual conflicts among the three main monothetic faiths that, throughout history, have never ceased fighting one another.<br /> <br /><em>“What I am dealing with” </em>Karamustafa says of this work, <em>“is the state of a world hollowed out to the core by wars, earthquakes, migration and nuclear peril unleashed at every turn, threatening humankind while nature is ceaselessly scathed and the environment made sick." </em><br /><br />Space plays a central role in the exhibition for the artist, championing unconventional methods and disparate materials, exploring themes of turmoil and portraying <em>“the world, a battlefield"</em> as an <em>"endlessly shifting ground".</em> </span></span></p><p><span style="font-family: arial;"><span style="background-color: white; color: #222222; text-align: justify;"><br /></span></span></p><p><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-82807583539645075122024-02-25T09:03:00.002+01:002024-02-25T09:04:11.435+01:00Padiglione Benin<p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3Kzvx8NRAngAPSFCWFrpx_WxH3H8eest14do9zbLneck6seYWiYfGCpeMxi4XlsSDgkG8-vRNM9FPniUwBx26ps-NyrH8gCNmIm7D7kSHcs0uBQVDUrX1ZhMN0etkAkjUCvn7G_nccba4OREBllHddtj5wTh-UfFBcjzUfmr5lGUQEzmodMaiOu7TpU/s749/venice.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="277" data-original-width="749" height="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3Kzvx8NRAngAPSFCWFrpx_WxH3H8eest14do9zbLneck6seYWiYfGCpeMxi4XlsSDgkG8-vRNM9FPniUwBx26ps-NyrH8gCNmIm7D7kSHcs0uBQVDUrX1ZhMN0etkAkjUCvn7G_nccba4OREBllHddtj5wTh-UfFBcjzUfmr5lGUQEzmodMaiOu7TpU/w640-h236/venice.jpg" width="640" /></a></div><br /><p></p><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 125%; padding: 0px 18px 9px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: right;"><p style="line-height: 125%; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify;"></p><div><span style="font-family: arial;">La
Repubblica del Benin svela il titolo e il concept del suo padiglione
nazionale in vista della sua prima partecipazione alla 60. Esposizione
Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia.</span><span face="Verdana, Geneva, sans-serif" style="font-size: 12px;"> </span></div><p></p><p style="font-family: Verdana, Geneva, sans-serif; font-size: 12px; line-height: 125%; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify;">La
Repubblica del Benin è lieta di annunciare il titolo e il concept del
suo padiglione nazionale in vista della sua prima partecipazione alla
60. Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia, in
programma da sabato 20 aprile a domenica 24 novembre 2024.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Intitolata <strong>Everything Precious Is Fragile</strong>,
la mostra ripercorrerà la ricca storia del Benin approfondendo
tematiche quali la tratta degli schiavi, la figura dell’Amazzone, la
spiritualità e la religione Voodoo. Si addentrerà inoltre nella realtà
contemporanea raccontando il pensiero Gèlèdé, incentrato sul concetto di
<em>rematriation</em>: un’interpretazione femminista dell’idea di
“restituzione”, non solo legata agli oggetti, ma anche riferita al
ritorno alla filosofia e agli ideali di questa terra antecedenti
all’epoca coloniale.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" />Il curatore <strong>Azu Nwagbogu</strong> e il suo team – la curatrice <strong>Yassine Lassissi</strong> e lo scenografo <strong>Franck Houndégla</strong> – hanno selezionato quattro grandi artisti che rappresenteranno il Benin alla Biennale Arte 2024: <strong>Chloé Quenum, Moufouli Bello, Ishola Akpo </strong>e <strong>Romuald Hazoumè.</strong><br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Sotto
la guida di Azu Nwagbogu, gli artisti racconteranno il femminismo
africano ponendo l’accento sulla sua declinazione in Benin. Come afferma
<strong>José Pliya</strong>, committente del padiglione, “<em>il Benin parteciperà così al grande ‘appuntamento del dare e del ricevere’, per citare Léopold Sédar Senghor</em>”.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Con
la sua presenza all’evento, il Benin dimostra il suo impegno nel
promuovere attivamente il proprio scenario artistico e culturale. La
scelta di prendere parte alla Biennale Arte 2024, inoltre, è in qualche
modo connessa alla recente restituzione, avvenuta nel 2021, di 26 tesori
sottratti alla famiglia reale all’epoca della colonizzazione francese
del regno di Danxomè. Sulla scia di questo avvenimento, la mostra <em>Art du Bénin d’hier et d’aujourd’hui, de la restitution à la révélation</em> (<em>Arte del Benin di ieri e di oggi, dalla restituzione alla rivelazione</em>),
allestita a Cotonou e attualmente riproposta in diversi Paesi, ha
preparato il terreno per la partecipazione del Benin alla 60.
Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Il Padiglione del Benin alla Biennale Arte 2024 è gestito dall’<em>Agence de développement des arts et de la culture </em>(ADAC<em>,</em>
l’agenzia beninese per lo sviluppo dell’arte e della cultura) per conto
del Ministero beninese del Turismo, della Cultura e delle Arti.<br aria-hidden="true" /><br aria-hidden="true" /><strong>Concept curatoriale:</strong><br aria-hidden="true" />Il
curatore Azu Nwagbogu e il suo team, composto da Yassine Lassissi e
Franck Houndégla, hanno individuato quattro tematiche legate alla storia
e alla cultura del Benin: la schiavitù, la figura dell’Amazzone, la
filosofia Gèlèdé e la religione Voodoo. A unire questi temi, il <em>fil rouge</em> del femminismo africano e, nello specifico, quello beninese.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />La
spiritualità Gèlèdé, rappresentata mediante l’uso di maschere,
simboleggia il potere spirituale delle madri nella società beninese,
mentre il soggetto iconico dell’Amazzone riporta alla memoria il potere
politico e militare di cui godevano le donne ai tempi del regno di
Danxomè.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />Analizzando la
storia della tratta degli schiavi emerge il ruolo fondamentale delle
donne nella lotta contro la schiavitù: si sono infatti opposte con
coraggio difendendo la loro stessa libertà. Infine, lo studio della
religione Voodoo mette in luce il contributo determinante delle donne
sia in veste di sacerdotesse sia come fedeli.</p></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px; padding: 9px 18px;" valign="top"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightContentOuter" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody><tr><td align="center" class="x_mcnImageCardRightContentInner" style="padding: 0px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightImageContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 200px;"><tbody><tr><td align="left" class="x_mcnImageCardRightImageContentE2E" style="padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0; padding-top: 0px; padding: 0px;" valign="top"><img alt="" class="x_mcnImage" data-imagetype="External" src="https://mcusercontent.com/77a288cbb65702b410eee4ad7/images/e37b572f-f025-02f6-8bf1-6d62bc48eda6.jpeg" style="border: 0px; height: auto; max-width: 954px; outline: none; vertical-align: bottom;" width="200" /> </td></tr></tbody></table><table align="right" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 346px;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #222222; font-family: Helvetica; font-size: 12px; line-height: 150%; padding-bottom: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 18px; text-align: center; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: justify;"><strong>Moufouli Bello.</strong>
Avvocata convertita all’arte, Moufouli Bello ha scelto il linguaggio
artistico come mezzo di esplorazione delle identità e dei costrutti
sociali. Giovane esponente delle arti visive e digitali, si è formata a
Le Fresnoy - <em>Studio National des arts contemporains</em> ed è
attualmente impegnata in un dottorato di ricerca nel campo delle arti
visive. È nota principalmente per i suoi dipinti figurativi: ritratti di
grandi dimensioni raffiguranti figure femminili di tonalità brillanti
su sfondi di colore blu acceso.</div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px; padding: 9px 18px;" valign="top"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightContentOuter" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody><tr><td align="center" class="x_mcnImageCardRightContentInner" style="padding: 0px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightImageContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 200px;"><tbody><tr><td align="left" class="x_mcnImageCardRightImageContentE2E" style="padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0; padding-top: 0px; padding: 0px;" valign="top"><img alt="" class="x_mcnImage" data-imagetype="External" src="https://mcusercontent.com/77a288cbb65702b410eee4ad7/_compresseds/776c6ec9-d504-eba4-e62e-a9359819616e.jpg" style="border: 0px; height: auto; max-width: 1667px; outline: none; vertical-align: bottom;" width="200" /> </td></tr></tbody></table><table align="right" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 346px;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #222222; font-family: Helvetica; font-size: 12px; line-height: 150%; padding-bottom: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 18px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><strong>Chloé Quenum </strong>(nata a Parigi nel 1983)<br aria-hidden="true" />Dopo il diploma all’<em>École nationale supérieure des beaux-arts de Paris</em>, conseguito nel 2011, Chloé Quenum ha studiato Antropologia della scrittura all’<em>École des hautes études en sciences sociales</em> (<em>EHESS</em>). Il suo lavoro affronta in maniera sottile e poetica questioni politiche, sociali e legate all’ecologia. </td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px; padding: 9px 18px;" valign="top"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightContentOuter" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody><tr><td align="center" class="x_mcnImageCardRightContentInner" style="padding: 0px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightImageContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 200px;"><tbody><tr><td align="left" class="x_mcnImageCardRightImageContentE2E" style="padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0; padding-top: 0px; padding: 0px;" valign="top"><img alt="" class="x_mcnImage" data-imagetype="External" src="https://mcusercontent.com/77a288cbb65702b410eee4ad7/_compresseds/10d8ea4a-0825-7b00-dcf1-40848ab70f89.jpeg" style="border: 0px; height: auto; max-width: 2608px; outline: none; vertical-align: bottom;" width="200" /> </td></tr></tbody></table><table align="right" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 346px;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #222222; font-family: Helvetica; font-size: 12px; line-height: 150%; padding-bottom: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 18px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><strong>Ishola Akpo </strong>(nato nel 1983, attualmente vive a Cotonou, nel Benin)<br aria-hidden="true" />Ishola
Akpo è un artista visivo che sperimenta con diversi mezzi unendo
tradizione e modernità, per dare vita a una varietà di metafore. Il
confine tra realtà e finzione, tra identità fisse e plurime, rimane il
punto focale del suo lavoro. </td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardBlock" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody class="x_mcnImageCardBlockOuter"><tr><td class="x_mcnImageCardBlockInner" style="padding-bottom: 9px; padding-left: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 9px; padding: 9px 18px;" valign="top"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightContentOuter" style="border-collapse: collapse; width: 100%;"><tbody><tr><td align="center" class="x_mcnImageCardRightContentInner" style="padding: 0px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightImageContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 200px;"><tbody><tr><td align="left" class="x_mcnImageCardRightImageContentE2E" style="padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0; padding-top: 0px; padding: 0px;" valign="top"><img alt="" class="x_mcnImage" data-imagetype="External" src="https://mcusercontent.com/77a288cbb65702b410eee4ad7/_compresseds/4e9dbacd-f7b5-e464-35c3-6b0fee33c304.jpg" style="border: 0px; height: auto; max-width: 2037px; outline: none; vertical-align: bottom;" width="200" /> </td></tr></tbody></table><table align="right" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnImageCardRightTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; width: 346px;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #222222; font-family: Helvetica; font-size: 12px; line-height: 150%; padding-bottom: 18px; padding-right: 18px; padding-top: 18px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><strong>Romuald Hazoumè</strong> (nato nel 1962, attualmente vive a Cotonou, nel Benin)<br aria-hidden="true" />Apprezzato
in tutto il mondo per le sue maschere, realizzate con taniche di
benzina in plastica usate, Romuald Hazoumè è un artista impegnato
socialmente; le sue opere sono saldamente radicate nel contesto
socio-politico e culturale del Benin e del mondo globalizzato. Le
maschere di Hazoumè veicolano un messaggio forte, che rappresenta le
taniche come veri e propri oggetti iconici di Porto Novo, mentre le sue
installazioni sono sempre dense di significato e rivelano profonde
intuizioni sul mondo. </td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody class="x_mcnTextBlockOuter"><tr><td class="x_mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="x_mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; max-width: 100%; min-width: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="x_mcnTextContent" style="color: #202020; font-family: Verdana, Geneva, sans-serif; font-size: 12px; line-height: 150%; padding: 0px 18px 9px; text-align: justify; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: right;"><p style="line-height: 150%; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify;"><strong>Il team del padiglione:</strong><br aria-hidden="true" /><strong>José Pliya</strong>
(Commissario): Letterato, drammaturgo e regista teatrale, José Pliya è
responsabile del turismo, dell’arte e della cultura per conto del
Presidente della Repubblica del Benin.<br aria-hidden="true" /><strong>Azu Nwabogu</strong> (Curatore): Fondatore e direttore della <em>African Artists’ Foundation</em> (Fondazione degli artisti africani - Lagos, Nigeria) e fondatore del LagosPhoto Festival.<br aria-hidden="true" /><strong>Yassine Lassissi </strong>(Team curatoriale): Direttrice del dipartimento di Arti Visive presso l’<em>Agence de développement des arts et de la culture </em>(ADAC) e storica dell’arte.<br aria-hidden="true" /><strong>Franck Houndégla </strong>(Team
curatoriale): Scenografo e designer con un dottorato in architettura, è
specializzato nella realizzazione di mostre e nell’allestimento di
musei, luoghi dedicati alle performance e spazi abitativi.<br aria-hidden="true" /> <br aria-hidden="true" />La prima partecipazione del Benin all’Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia è in linea con il tema della 60<sup>a</sup> edizione, curata da Adriano Pedrosa, <strong><em>Stranieri Ovunque - Foreigners Everywhere,</em></strong>
una tematica che invita all’accettazione della pluralità identitaria e
che celebra la capacità di oltrepassare i confini. L’esplorazione del
femminismo africano da parte del Benin rende omaggio alla poliedricità
delle donne e si propone di immaginare un mondo in cui la diversità sia
considerata fonte di ricchezza e forza.</p></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0Venezia VE, Italia45.4408474 12.315515117.130613563821157 -22.8407349 73.751081236178848 47.4717651tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-28008763159408456982024-02-25T09:01:00.003+01:002024-02-25T09:01:27.232+01:00Padiglione Azerbaigian<p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzTT5jblhhxUnTF6CH5qC-BKhfJ0zT6SAWv6706bt8qqJqcsX10HeDwzPrdZU7q8LmytDtYc8L3zF9CPFnxez6H_2tym7bML2YDQUgmlXQGWMw4c9bqf1wEwq9jqkE5jNoEis6t5lZ97OV9k2i4YNH0S-PiEKiL-n7zbb1ajysb6U0xDI7sTt_lgjQ8SU/s949/venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="497" data-original-width="949" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzTT5jblhhxUnTF6CH5qC-BKhfJ0zT6SAWv6706bt8qqJqcsX10HeDwzPrdZU7q8LmytDtYc8L3zF9CPFnxez6H_2tym7bML2YDQUgmlXQGWMw4c9bqf1wEwq9jqkE5jNoEis6t5lZ97OV9k2i4YNH0S-PiEKiL-n7zbb1ajysb6U0xDI7sTt_lgjQ8SU/w640-h336/venice.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> La Repubblica dell’Azerbaigian presenta, in occasione della sua partecipazione alla 60. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia, il padiglione nazionale From Caspian To Pink Planet: I Am Here, realizzato dalla Fondazione Heydar Aliyev e aperto al pubblico dal 20 aprile al 24 novembre 2024 nella sede espositiva Castello 2126/A, presso l’Arsenale.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">L’esposizione, a cura di Luca Beatrice e Amina Melikova, trae ispirazione dal tema proposto dal direttore della 60. Esposizione Internazionale d’Arte Adriano Pedrosa per esplorare i diversi significati dell’espressione “Stranieri ovunque”, declinati attraverso le interpretazioni dei tre artisti selezionati da Rashad Aslanov, commissario del Padiglione: Vusala Agharaziyeva (Baku, 1990), Rashad Alakbarov (Baku, 1979) e Irina Eldarova (Mosca, 1955).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">Spiega Luca Beatrice, co-curatore del Padiglione: “È bastata una veloce visita a Baku per capire l’effervescenza culturale e artistica di questo antico Paese, dove l’architettura contemporanea dialoga con la storia, la tecnologia e l’industria compiono rapidissime accelerazioni e l’arte diventa lo specchio più fedele di questo atteggiamento proiettato verso il futuro”.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">Il progetto espositivo, disegnato all’atelier veneziano OSTUDIO, restituisce un ritratto contemporaneo della fervente produzione artistica azera attraverso un percorso espositivo che indaga i temi dell’identità, della provenienza e della migrazione come colonne portanti del dibattito culturale contemporaneo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Spiega Amina Melikova, co-curatrice del Padiglione: “I tre artisti presentati appartengono a generazioni diverse e utilizzano mezzi espressivi e tecniche differenti. Tuttavia, le opere selezionate toccano, in un modo o nell'altro, situazioni che intrecciano realtà e fantasia, in cui gli individui superano l'alienazione e raggiungono un senso di appartenenza all'interno dello spazio.”</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">Inserendosi nel solco tracciato dai curatori, gli artisti selezionati per l’occasione hanno ideato e realizzato una selezione di opere concepite per invitare il pubblico ad addentrarsi in una delle tematiche culturali e sociali più urgenti del nostro tempo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Vusala Agharaziyeva, nata nel 1990 a Baku trae ispirazione dal proprio vissuto personale, che include il trasferimento da una grande città a un villaggio, per esplorare il tema dell’estraneità, posto al centro di una riflessione culturale che coinvolge la storia dell’Azerbaigian. Nel dipinto Pink Planet (2023-2024) i viaggi e gli spostamenti che hanno caratterizzato la biografia dell’artista divengono veicolo ideale per la trasmissione di un comune sentire. La costante sensazione di sentirsi stranieri all’interno della propria esistenza si riverbera nei soggetti dell’opera, colti nell’atto di sbarcare su paesaggi lunari estranianti definiti da una decisa sfumatura rosa.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">Rashad Alakbarov nato nel 1979 a Baku esplora il concetto del luogo di nascita e le modalità in cui questo fattore arrivi a influenzare molteplici aspetti della nostra esistenza e identità. Il suo lavoro richiama elementi architettonici come le porte, le finestre, gli specchi e i muri quali metafore dell’individuo, ponendo l’accento sul legame tra il singolo e i luoghi che ha abitato. L’installazione I Am Here (2024) vede una selezione di alte pareti disegnare un labirinto che, se osservato da una diversa prospettiva, articola il titolo dell’opera. Ogni lettera della frase “I Am Here” (“io sono qui”) compone una decisa affermazione di esistenza, indicando che una via di uscita è possibile se si è disposti a cambiare punto di vista.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;">Irina Eldarova nata a Mosca nel 1955 con la serie di dipinti Girls Prefer Oilmen (2013-2023) attinge alla propria storia personale. Cresciuta in Russia e da sempre attratta dal dialogo tra diverse culture e tradizioni, l’artista individua nel trasferimento in Azerbaigian un momento cruciale della propria esistenza. L’idea dello spazio geografico come luogo di scambio e fusione tra popoli emerge forte nella pratica artistica di Eldarova, che attraverso una serie di dipinti racconta la storia d’amore immaginaria tra un idealizzato lavoratore dei giacimenti petroliferi del Mar Caspio degli anni Cinquanta e la Pop Star americana Marilyn Monroe, incarnazione diretta del sogno americano che contraddistingueva il periodo. Il racconto dell’artista punta i riflettori sull’importanza di accogliere l’altro con curiosità e rispetto, in un’ottica universale di reciproca comprensione e amore.</span></p><div style="text-align: justify;"><br /></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0Venezia VE, Italia45.4408474 12.315515117.130613563821157 -22.8407349 73.751081236178848 47.4717651tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-38048245476098909422024-02-25T08:53:00.001+01:002024-02-25T08:53:58.410+01:00CYFEST<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5JvKgqu4-Fw5g5vr0wCfUMNMGNhyr76mB8UVh8E9WyEB6IAeINx9zAw7Q-L5t0YEU-vWFtcvnVUGwioBs0NyrP2lvqeXPiCdDNOEuW24J9rnchkDR6qIwkbpo9uZ6FRV5VcVnT5qI3UVCh_QFPqSVJjcrCuqpV7TbNf6uxvQ0tDtiAiomUpqW7gdQOP0/s1425/venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="837" data-original-width="1425" height="376" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5JvKgqu4-Fw5g5vr0wCfUMNMGNhyr76mB8UVh8E9WyEB6IAeINx9zAw7Q-L5t0YEU-vWFtcvnVUGwioBs0NyrP2lvqeXPiCdDNOEuW24J9rnchkDR6qIwkbpo9uZ6FRV5VcVnT5qI3UVCh_QFPqSVJjcrCuqpV7TbNf6uxvQ0tDtiAiomUpqW7gdQOP0/w640-h376/venice.jpg" width="640" /></a></div><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Anche quest'anno si svolgerà CYFEST alla 15esima edizione di CYFEST, uno dei maggiori festival internazionali dedicato alla Media Art.</div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Fondato nel 2007 da un gruppo di artisti e curatori indipendenti, il suo obiettivo è quello di promuovere il dialogo tra linguaggi visivi e culture tecnologiche, esplorando varie modalità di cooperazione e condivisione tra professionisti dell'arte e le comunità scientifiche. CYFEST riunisce artisti, curatori, educatori, ingegneri, programmatori e attivisti dei media di tutto il mondo per dare vita a una piattaforma per la mappatura, la mediazione e la documentazione della new media art. </div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">In concomitanza con la Biennale, approda a Venezia, prima di proseguire per New York, uno dei pochi eventi culturali nomadi al mondo. Ed è proprio il suo carattere globale che ci porta ad esplorare temi fondamentali del nostro tempo, profondamente legati al nostro esistere.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Attraverso la cooperazione tra arte e linguaggi visivi, tecnologia e scienza, la mostra mette in luce la vulnerabilità e la fragilità dell'essere umano e del contesto naturale e cibernetico che lo circondano.</div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-66269646194811400402024-02-25T08:50:00.001+01:002024-02-25T08:50:02.815+01:00Padiglione Libano A Dance with her Myth<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLD1THT8sww9lvNqNJies3-Ah2U2aTkZ6uKp6k9fjD9jd_iCC2BBaEJtIlzAmRhyphenhyphen0_xfF85OsqRp93zBLrsS6DcqHSwaKuAT3iumS4lGIw5OQqlE1Ft05F19cC280H9-9cuAjLpd9zMJlVyMVaKMKOBvLTyAwmIJoUGIJDqFXgnKxK9RVA_KISgs5flQs/s793/libano%20pavilion%20venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="705" data-original-width="793" height="568" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLD1THT8sww9lvNqNJies3-Ah2U2aTkZ6uKp6k9fjD9jd_iCC2BBaEJtIlzAmRhyphenhyphen0_xfF85OsqRp93zBLrsS6DcqHSwaKuAT3iumS4lGIw5OQqlE1Ft05F19cC280H9-9cuAjLpd9zMJlVyMVaKMKOBvLTyAwmIJoUGIJDqFXgnKxK9RVA_KISgs5flQs/w640-h568/libano%20pavilion%20venice.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> The Lebanese Pavilion has invited Mounira Al Solh (Beirut, 1978) to create a bridge between myth and reality within its walls at the 60th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, from 20 April to 24 November 2024. Her extensive multimedia installation A Dance with her Myth, composed of 41 pieces—drawings, paintings, sculptures, embroideries, and video—are spread across the 180 square meters occupied by the Pavilion at the Arsenale. By revisiting the myth of the rapt of Europa, the artist offers a perspective on the aspirations and challenges faced by women today. On canvas, paper and screen, her creative process combines allegorical narrative with a documentary approach, appropriation with diversion, and gives realistic, poetic, and very contemporary representations.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">At the origin of Lebanon</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">All peoples inherit foundational or exemplary stories, including the Lebanese, whose myths date back to their ancestors—the Phoenicians. The history of Phoenicia is little known. The people who invented the alphabet left few written records. Nevertheless, cities such as Byblos, Beirut, Saida and Tyre attest, through their vestiges, to a glorious past. Phoenicia is part of the history of the great powers that would subsequently dominate it: Alexander the Great’s Greece, and the Roman Empire. Famous Phoenician myths such as the union of Adonis, citizen of Byblos, with the goddess Aphrodite; the myth of Hercules and his dog finding the murex on a beach in Tyre; and the abduction of Europa in these very same locations have entered more or less literally into Greco-Roman mythology. Mounira Al Solh also pays tribute to this rich multimillennial and still thriving cultural heritage.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">The myth and its modernization</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Mounira Al Solh has chosen to use the myth to express herself on the fate of women and their capacity for resilience, following the example of the Phoenician princess Europa, whom the artist rescues from her plight.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> Over the centuries, the interpretation of myths has often been used both in dissent and in subversion: all of these dimensions are present in the installation. The myth has, in and of itself, the fundamental quality of being a public and universal discourse—which makes it forever contemporary, and ready to be reclaimed and revisited.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> In the ancient narrative, on a beach in Tyre, Zeus takes the form of a white bull to seduce Europa, the beautiful Phoenician princess and, through a ruse, carry her on his back to the shores of Crete, where he marries her. In her installation, the artist matches the present with the myth in an unexpected way; she suggests an alternative and even inverted reading of it, which allows critical distance and humor. The search for Europa, which the artist invites us to participate in, contributes to the fulfillment of a female destiny free from “gods”—that is, assuming, without being subjected to it, the role and responsibility of men, and wishing for gender balance.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">Written and devised by men, the ancient narrative expresses the desire for domination and submission of women. Europa’s journey to Crete at first glance evokes that of a spoil of war taken from the Phoenicians by the Cretans. Over the centuries, particularly in Western painting, the representations evolved from abduction to consent. Yet it is still the point of view of men that is expressed. Mounira Al Solh, instead, chooses to promote a relationship based on gender equality, reinterpreting the myth with the eyes and beliefs of a woman of today, determined and free. She upsets the balance of power between the dominating god and the dominated princess. Princess Europa cooperates with Zeus and manipulates him; it is she who holds him and carries him away by walking on water, she who tosses him around with her feet, as if he were a kicking ball. In her quest, the artist pushes the deconstruction of gender stereotypes to the extreme, by reversing the roles and the sexes, and, in particular, by transforming Hercules’ dog into a female canine.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">The Installation</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">A Dance with her Myth is set up around a boat, inviting visitors on a symbolic journey of emancipation and gender equality. Its unfinished structure indicates that the journey is not fully completed. The itinerary of the installation is rooted in a power play. In the center, the skiff is located half-way between the paintings and the graphic works that advocate the questioning of gender norms and the struggle for equality, and the masks embody the conservative forces of society. The objects present in the space also play a role in the 12-minute film projected on the boat’s sail-screen.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Mounira Al Solh’s drawings constitute the narrative of the central pattern developed in the paintings which defy traditional iconography. Transposition, deviation, and distortion are the tools used in the artist’s strategy. Various archetypical figures of Phoenician culture or of mythology populate, in an explosive and at times comical way, an intermediary world between allegory and reality. The temporality of A Dance with her Myth is not that of the myth, but that of the artist in dialogue with the viewer, here and now.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> <br /></span><span style="font-family: arial;">The scenography, designed by the architect Karim Bekdache, with no reorganization or partitioning of the space, allows a total immersion in the display. It contributes to a progression towards an endless horizon painted in blue-grey—the color of the sea and the skies of Tyre—as well as the long, winding pontoon that crosses the Pavilion from side to side, and creates the link between land and sea. The encounter between the works and the visitor occurs throughout the visit. </span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-70696973691212166622024-02-25T08:47:00.001+01:002024-02-25T08:47:09.945+01:00Harold Stevenson a Venezia da Tommaso Calabro<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGqszVR0uxaFiXz0yZ0-8xUaaxmDXxTboyWnF-B4foiYQpuUKE4U4MO1AuhE-j38PzLx8JL0cfU3S58YeJtzGwLElJ5iDSQLIl-wYLwR_i8cn0ewXxBrIC8Kc_UuoJ3eNt_2TohnRQuAN7j6_X9uiEQONcWGTSVlgZH41cbNn-Ao32p9O7cXrmJOiIZI0/s789/HAROLD%20STEVENSON%20venice%20Tommaso%20Calabro%20Gallery.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="789" data-original-width="561" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGqszVR0uxaFiXz0yZ0-8xUaaxmDXxTboyWnF-B4foiYQpuUKE4U4MO1AuhE-j38PzLx8JL0cfU3S58YeJtzGwLElJ5iDSQLIl-wYLwR_i8cn0ewXxBrIC8Kc_UuoJ3eNt_2TohnRQuAN7j6_X9uiEQONcWGTSVlgZH41cbNn-Ao32p9O7cXrmJOiIZI0/w456-h640/HAROLD%20STEVENSON%20venice%20Tommaso%20Calabro%20Gallery.jpg" width="456" /></a></div><p> </p><p><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;">On Tuesday, April 16, 2024, <a href="http://www.tommasocalabro.com">Tommaso Calabro</a> inaugurates the new gallery venue in Venice at the noble floor of Palazzo Donà Brusa in Campo San Polo, whose origins date back to the early 19th century, and celebrates </span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>the connection between</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> </span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>Harold Stevenson (1929-2018)</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> </span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>and the lagoon city</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;">, which was an important source of inspiration for the American artist.</span></p><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> </span></div><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>"Harold Stevenson"</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> the first monographic exhibition in Italy, opens concurrently with the preview of the 60</span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 13.333px;">th</span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> International Art Exhibition, Venice Biennale. It was in Venice, indeed, specifically in the San Polo district, that Harold Stevenson exhibited a series of significant paintings and Murano glass sculptures in 1962, alongside artists such as Yves Klein and Jean Tinguely, during the "Piccola Biennale" exhibition, commissioned by the French gallerist Iris Clert and parallel to the 31</span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 13.333px;">st</span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> edition of the Venice Biennale.</span></div><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> </span></div><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>"Harold Stevenson"</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> represents a unique opportunity to discover the work of this artist, a prominent figure in post-war avant-garde culture, close friend of Andy Warhol, and renowned for his large-scale paintings of male nudes, such as the famous "</span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><i>The New Adam</i></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;">" (1962). His last Italian exhibition, "Realisti Iperrealisti," at the La Medusa Gallery in Rome, dates to November 1973, where the artist exhibited two paintings titled </span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><i>"Piece of Action"</i></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> alongside works by Botero, Hockney, Pistoletto, and eight other important artists of the 20th century. On display </span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><b>in Venice until July 27, 2024</b></span><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> are works created between the late 1950s and the 1970s, including the famous nude paintings, "toreros," and glass sculptures.</span></div><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"> </span></div><div style="font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-size: 13px;"><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;">With "Harold Stevenson," Tommaso Calabro further deepens his research on Alexander Iolas, one of the most famous art dealers of the last century, who organized eleven solo exhibitions of the artist in America and Europe between 1972 and 1984: in New York in 1972, 1973, 1974, 1975, 1976, 1977, 1982, and 1984, in Athens in 1973, and in Paris in 1973 and 1974.</span></div><div><span style="font-family: "Aktiv Grotesk Ex", Arial, Helvetica; font-size: 16px;"><br /></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-83986133439283997202024-02-24T07:06:00.011+01:002024-02-28T07:09:28.337+01:00Zeng Fanzhi: Near and Far/Now and Then<p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi27Nd_O4Lebizapg5iaQ6Tlhic5y6xCiPlZKFVJuR6rUIXb4QJDXfWtKGm_PMI_L9YVEF-px0AJfHg2XJJWM9jHLL6W7a7frG81_6insA_ELFrMU0N3b1uBYQUeA8b91iAX5a1BDJX29ASzsW62q_mpbRPPT-t4qp_fwQBTB6DjPJaw9F8-j-TUFXQtgs/s709/Zeng%20Fanzhi%20Near%20and%20Far%20Now%20and%20Then%20lacma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="709" data-original-width="707" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi27Nd_O4Lebizapg5iaQ6Tlhic5y6xCiPlZKFVJuR6rUIXb4QJDXfWtKGm_PMI_L9YVEF-px0AJfHg2XJJWM9jHLL6W7a7frG81_6insA_ELFrMU0N3b1uBYQUeA8b91iAX5a1BDJX29ASzsW62q_mpbRPPT-t4qp_fwQBTB6DjPJaw9F8-j-TUFXQtgs/w638-h640/Zeng%20Fanzhi%20Near%20and%20Far%20Now%20and%20Then%20lacma.jpg" width="638" /></a></div><span style="font-family: arial; font-size: xx-small;">Zeng Fanzhi, Water IX, 2019–23, oil on canvas, © Zeng Fanzhi, photo courtesy of the artist and Hauser & Wirth </span><br /><p></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: xx-small;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> <span style="text-align: justify;">Il Los Angeles County Museum of Art (LACMA) è lieto di presentare </span><em style="text-align: justify;">Zeng Fanzhi: Near and Far/Now and Then, </em><span style="text-align: justify;">una
mostra di nuovi lavori dell'artista Zeng Fanzhi (nato nel 1964), che
verrà inaugurata in concomitanza con l'edizione 2024 de La Biennale di
Venezia. La mostra avrà luogo all'interno della storica Scuola Grande
della Misericordia, dal 17 aprile al 30 settembre 2024, con </span><span style="text-align: justify;">un allestimento progettato dall'architetto Tadao Ando.</span></span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><em>Near and Far/Now and Then </em>presenterà
per la prima volta al pubblico due cicli di opere recenti dell'artista:
nuovi dipinti astratti e opere su carta fatta a mano e trattata con
inchiostro, grafite, gesso, polvere d'oro e pigmenti minerali, mai
esposte prima d'ora.</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">A
co-curare la mostra sono Michael Govan, amministratore delegato e
direttore Wallis Annenberg del LACMA, e Stephen Little, Curatore
Florence e Harry Sloan di arte cinese e capo dipartimento per l'arte
cinese, coreana, del sud e del sud-est asiatico.</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">"Le
opere di Zeng Fanzhi sono apprezzate soprattutto per l'equilibrio tra
la maestria tecnica e l'emozione," dice Michael Govan. "<em>Near and Far/Now and Then</em>
farà luce sull'ambiziosa pratica pittorica di Zeng, e l'intervento
architettonico di Tadao Ando farà brillare le interconnessioni
evidenziate dal nuovo corpus di opere di Zeng."</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">"Nei
suoi lavori, Zeng Fanzhi impiega due diversi tipi di materiali: uno
spesso e topografico, l'altro sottile e traslucido," afferma Stephen
Little. "Le sue opere sollecitano anche due approcci opposti nella
partecipazione dei visitatori - uno distante, l'altro profondamente
intimo. Inquadrata nell'insieme delle tradizioni asiatica ed
europea dalle quali attinge, questa mostra guiderà i visitatori, con le
sue molte tensioni visive, verso una serie di scoperte." </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><strong><span style="font-family: arial;">Opere esposte</span></strong></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La
mostra farà luce sull'ambiziosa pratica pittorica di Zeng di ridefinire
l'astratto attraverso esercizi di rappresentazione figurativa, e
viceversa. I nuovi dipinti a olio dell'artista sono il risultato di
decenni di ricerca sulla teoria del colore, che attinge, sfidandole,
alle pratiche impressionista e puntinista, dove le immagini si
materializzano solo attraverso l'attenta collocazione di singoli segni
di colore. Qui gli strati delle pennellate creano elementi figurativi
facilmente riconoscibili da lontano, ma che si dissolvono nella
materialità del dipinto a olio se osservati da vicino. Le variazioni di
tonalità di un colore cedono il passo a schemi intrecciati di colore,
spesso con più di trenta tipi di pigmenti brillanti, in una sola
immagine. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L'esposizione
fornirà uno sguardo approfondito sulla sua padronanza del medium, della
sua tecnica "bagnato su bagnato", e dell'enfasi sulla mera materialità
della pittura, che definisce il suo lavoro. In un mondo ormai inondato
da immagini elaborate digitalmente, Zeng sfida chi osserva le sue opere a
riconoscere la superiorità della pittura come arte e mestiere secolare.</span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Le
opere su carta fatta a mano danno una nuova direzione al lavoro di
Zeng, che combina, con ambizione, le iconografie cristiana, buddista e
della pittura dei letterati. Richiamano immediatamente i punti più alti
dei paesaggi monocromi a inchiostro risalenti alle dinastie Song
(960-1279) e Yuan (1260-1368), rievocando allo stesso tempo le ambiguità
dei paesaggi a inchiostro della tarda dinastia Ming e della prima
dinastia Qing, eseguiti da pittori quali Zou Zhilin (1574-ca. 1654),
Hongren (1610-1663), e Dai Benxiao (1621-1691). Il soggetto si muove con
fluidità dal crocefisso alla rappresentazione di rocce e vecchi alberi -
simboli, nella cultura tradizionale cinese, di forza, resilienza e
longevità. Come i dipinti di Zeng, questi disegni squisiti sfidano
consapevolmente ogni categorizzazione, allineandosi con le grandi
tradizioni asiatica ed europea. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><strong><span style="font-family: arial;">Percorso di mostra</span></strong></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Al
piano terra della Scuola Grande della Misericordia, ai visitatori si
presenteranno le proporzioni classiche dell'edificio del XVI secolo,
racchiuse tra due dipinti a olio a più pannelli: uno che allude
all'iconografia buddista e l'altro a quella cristiana. Al piano
superiore, i visitatori troveranno lo spazio diviso in cinque sezioni
tematiche.</span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il progetto di Tadao Ando è una progressione di pareti con una serie di aperture sempre
più grandi, che creano un cono prospettico. Queste aperture collegano
la vista dei due dipinti più grandi, uno a ogni estremità dello spazio,
come al pianterreno; in questo caso però i due dipinti non sono
figurativi ma suggeriscono piuttosto l'astrazione di luce e acqua. Sulle
pareti di Ando e intorno a esse è esposta una selezione dei dipinti a
olio più piccoli di Zeng. Sullo sfondo dei maestosi spazi della
Misericordia - pregni di storia e riccamente decorati da affreschi - il
progetto di Zeng offre al suo pubblico l'esperienza viscerale dell'arte. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><strong><span style="font-family: arial;">Il LACMA</span></strong></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Negli
anni, il LACMA ha sviluppato un ricco programma di arte cinese
attraverso mostre innovative, partnership internazionali e acquisizioni
significative. Di recente il museo ha consolidato il suo patrimonio di
arte cinese contemporanea. Nel 2019 il LACMA ha acquisito il monumentale
Untitled (2018) di Zeng Fanzhi, grazie alla generosità di Dominic ed
Ellen Ng, e ha effettuato altre acquisizioni cruciali, tra cui la
donazione promessa da Gérard e Dora Cognié, nel 2018, di oltre 300
dipinti cinesi contemporanei a inchiostro e l'acquisizione delle Zodiac
Heads di Ai Weiwei, una donazione da parte del (defunto) Budi Tek nel
2022. A Los Angeles, il LACMA ha presentato numerose mostre di arte
cinese contemporanea, tra le quali si evidenziano <em>Legacies of Exchange: Chinese Contemporary Art from the Yuz Foundation </em>(2022); Ai Weiwei: Circ/e of Animals/Zodiac Heads (2022); lnk Dreams: Se/ections from the <em>Fondation INK Collection </em>(2021); e <em>T</em><em>he A/Iure of Matter: the MateriaiArt of China </em>(2019). </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><strong>Biografia dell'artista</strong><strong> </strong></span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nato
a Wuhan, in Cina, nel 1964, Zeng Fanzhi si è laureato presso lo Hubei
lnstitute of Fine Arts di Wuhan nel 1991. Durante i primi anni della sua
formazione, Zeng si è immerso nell'arte occidentale, nella filosofia e
nelle tecniche del Realismo Socialista del 1985 New Wave Movement in
Cina. Questi interessi sono stati determinanti nel permeare le prime
serie di dipinti, Meat Series e Hospital Triptychs. Questi primi lavori,
tra il 1989 e il 1994, hanno preparato la scena per una pratica
pittorica intensamente personale ed espressiva, che documenta un periodo
prolifico di sviluppo sociale ed economico della storia cinese. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Lavorando
sulla scia della rapida modernizzazione e urbanizzazione della Cina,
Zeng ha poi rivolto la sua attenzione alle figure presenti nelle
industrie che lo circondavano. Ispirate da artisti quali Francis Bacon,
Willem De Kooning, Max Beckmann, queste opere, note come le serie Mask e
Behind the Mask, si pongono a cavallo tra realismo e immaginazione per
rivelare una preziosa riflessione autobiografica e introspettiva sui
suoi tempi e un'attenzione meticolosa al dettaglio tecnico, che si fonde
con un ricco corpo di ritrattistica e immagini uniche. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Negli
ultimi due decenni, Zeng ha familiarizzato di nuovo con la filosofia
della pittura cinese tradizionale e in particolare con i lavori che
vanno dalla dinastia Wei del nord a quelle Song e Yuan, dal quarto al
quindicesimo secolo. Arricchito da questi nuovi interessi, Zeng si è
avvicinato ulteriormente all'astrazione. I lavori raggruppati nella
serie Abstract Landscape hanno sperimentato quattro fasi evolutive
caratterizzate da paesaggi fortemente gestuali, che presentano la stessa
energia dinamica della sua ritrattistica.
Queste tele sono attraversate da linee meticolose e calligrafiche, che
si fondono, oscurandoli, con gli oggetti leggibili dello sfondo, per
indagare la tensione complessa tra natura, mondo animale e umanità. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In
parallelo alle sue sperimentazioni con il paesaggio astratto, Zeng ha
continuato a sviluppare un linguaggio più sperimentale nello studio dei
ritratti: la serie We include facce distorte dipinte a distanza molto
ravvicinata, con pennellate ampie e circolari che creano un aspetto
frenetico e urgente. Per creare questi dipinti, Zeng usa tutto il corpo,
allungandosi su grandi tele per stendere il colore con più pennelli
contemporaneamente.</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><strong><span style="font-family: arial;">Biografia dell'architetto</span></strong></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nato
a Osaka nel 1941, Tadao Ando è un architetto autodidatta famoso a
livello mondiale e fondatore, nel 1969, della Tadao Ando Architect &
Associates. I suoi lavori più rappresentativi includono la Church of
the Light [Chiesa della luce], Osaka, Giappone, la Pulitzer Arts
Foundation [Fondazione d'Arte Pulitzer], St. Louis, MO, e il
Chichu Art Museum [Museo d'Arte Chicu], Naoshima, Giappone. Ha ricevuto
innumerevoli premi, tra cui il Premio Istituto Giapponese di
Architettura (1979), il Premio Accademia Giapponese d'Arte (1993), il
Premio di Architettura Pritzker (1995), la Medaglia d'oro dell'Istituto
Americano di Architettura (2002), l'onorificenza Persona con meriti
culturali (2003), la Medaglia d'oro dell'Unione Internazionale degli
Architetti (2005), la Medaglia d'oro per le arti del Centro John Kennedy
(2010), l'Ordine per i meriti culturali (2010), l'Ordine francese delle
arti e delle lettere (Commandeur) (2013), il titolo di Grande Ufficiale
dell'Ordine della Stella d'Italia (2015), il premio lsamu Noguchi
(2016), e il titolo di Comandante della Legion d'Onore (2021). I suoi
lavori sono stati oggetto, per citarne solo alcune, di mostre personali
al Museum of Modem Art, New York (1991), al Centro Pompidou, Parigi
(1993, 2018), e ad Armani / Siros, Milano (2019). È stato visiting
professor presso le università di Yale, Columbia e Harvard. Dal 1997 è
professore presso l'Università di Tokio, ed è attualmente professore
emerito. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Crediti: Questa mostra è organizzata dal Los Angeles County Museum of Art.</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il
LACMA: Il LACMA è il più grande museo della costa occidentale degli
Stati Uniti, con una collezione di più di 152.000 oggetti che illuminano
6.000 anni di espressione artistica internazionale. Impegnato a
presentare una moltitudine di storie dell'arte, il LACMA espone e
interpreta opere d'arte da prospettive nuove e inaspettate che sono
permeate dal ricco patrimonio culturale e dalla popolazione varia della
regione. Lo spirito sperimentale del LACMA è dimostrato dal suo lavoro
con gli artisti e intellettuali, così come dalle molte partnership
regionali, nazionali e internazionali per la condivisione di collezioni e
programmi, la creazione di iniziative pionieristiche e il
coinvolgimento di un pubblico sempre nuovo. </span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Sede: 5905 Wilshire Boulevard, Los Angeles, CA, 90036. lacma.org</span></p><p aria-hidden="true" style="margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="margin: 0px; text-align: justify;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-168896101437618642024-02-19T18:44:00.002+01:002024-02-19T18:44:57.920+01:00Berlinde De Bruyckere a Venezia <div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhphxpj0NKHixv_aykjW0y0zC3z9wT2wzjsnNL6yjQjoEtNd8He4s1q4_CNBrn8mvp0QdNt_iSZOXIw7A3udjABWX53K4mIluFBt4bn8yV3NQroWc9VFhqesXD8Lu-6vPbLLJ7vDs7lc0fyF02L7xb7oDEp6FJomqiepOVST1n3rz6MZoGMkmoX5g5BMbE/s987/Berlinde%20De%20Bruyckere%20Abbazia%20di%20San%20Giorgio%20Maggiore%20VEnezia%20venice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="569" data-original-width="987" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhphxpj0NKHixv_aykjW0y0zC3z9wT2wzjsnNL6yjQjoEtNd8He4s1q4_CNBrn8mvp0QdNt_iSZOXIw7A3udjABWX53K4mIluFBt4bn8yV3NQroWc9VFhqesXD8Lu-6vPbLLJ7vDs7lc0fyF02L7xb7oDEp6FJomqiepOVST1n3rz6MZoGMkmoX5g5BMbE/w640-h368/Berlinde%20De%20Bruyckere%20Abbazia%20di%20San%20Giorgio%20Maggiore%20VEnezia%20venice.jpg" width="640" /></a></div><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Il 20 aprile 2024, viene inaugurata una mostra di nuove opere dell’artista belga Berlinde De Bruyckere concepite appositamente per gli spazi sacri dell’Abbazia di San Giorgio Maggiore. La chiesa benedettina del XVI secolo, situata sull’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia, è uno dei principali esempi di architettura palladiana della città. Intitolata “City of Refuge III”, la mostra è stata realizzata in collaborazione con la Benedicti Claustra Onlus, ramo no-profit della Comunità Benedettina, e con il suo Direttore Carmelo A. Grasso, che insieme a Ory Dessau e Peter Buggenhout forma il team curatoriale.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Oscillando tra trascendenza e immanenza materiale, “City of Refuge III” è costituita da tre nuovi gruppi di opere di De Bruyckere che dialogano con l’architettura monumentale della chiesa, la sua funzione, il suo simbolismo, la sua storia. In esposizione: una serie di sculture di arcangeli nella navata centrale e nelle navate laterali, un’installazione di grandi dimensioni presso la Sacrestia della chiesa, e teche contenenti opere scultoree lungo il corridoio della Galleria del Monastero. Prendendo il titolo dall’omonima canzone di Nick Cave, “City of Refuge III” è la terza di una serie di mostre dell’artista che tematizzano l’arte come luogo di rifugio e riparo: un tema qui accentuato dall’intensità spirituale del luogo.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Nel 2013, De Bruyckere è stata selezionata per rappresentare il Belgio alla 55. Esposizione Internazionale d’Arte — La Biennale di Venezia dove, in collaborazione con il premio Nobel J.M. Coetzee, ha inaugurato la sua monumentale opera site-specific “Kreupelhout — Cripplewood”. Nel corso della sua attività, De Bruyckere ha riprodotto forme ibride con caratteristiche umane, animali e organiche. Attingendo dall’eredità dei grandi maestri europei, dal Rinascimento fiammingo, dall’iconografia cristiana, dalla mitologia e dal folclore, l’artista stratifica storie esistenti con nuove narrazioni ispirate da eventi attuali. Crea un terreno psicologico di pathos, tenerezza e disagio. Indagando le dualità di amore e sofferenza, pericolo e<br /></span><span style="font-family: arial;">protezione, vita e morte, le opere di De Bruyckere trascendono le implicazioni teologiche, sfociando nel regno dell’universale e del profano.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Informazioni sull’opera<br /></span><span style="font-family: arial;">Il primo gruppo di opere che occupa la Basilica pone in evidenza l’archetipo dell’arcangelo. Il soggetto appare come una figura velata e ibrida, che giustappone l’umano al divino, il creaturale o terreno al celeste, il temporale all’eterno. Si tratta di un’installazione di arcangeli, ognuno dei quali emerge da un gruppo scultoreo modulare composto da un piedistallo irregolare a forma di pilastro con patina argentata, uno schermo a specchio inclinato che moltiplica il soggetto e l’ambiente circostante, e uno stendardo monumentale che accentua l’aspetto rituale dell’ambiente e delle opere.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Nella Sacrestia, De Bruyckere espone un’installazione di tavoli da saldatura in metallo con tronchi d’albero abbattuti o morti, ricoperti da una colata di cera. L’installazione dà vita a uno scenario post-apocalittico in cui i frammenti di natura morta subiscono una cristallizzazione ulteriore, instaurando così un orizzonte di redenzione, di ringiovanimento e rinascita, che conferisce alla scena un potenziale di crescita. In dialogo con gli arredi liturgici in legno della Sacrestia, l’installazione del tronco d’albero suggerisce un ambiente di precarietà per il dipinto sull’altare, opera di Giuseppe Porta (detto Salviati), raffigurante la presentazione di Gesù al tempio da parte di Maria e Giuseppe.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Un terzo gruppo di sculture nella Galleria del Monastero deriva dalle eccezionali opere dell’intagliatore fiammingo del XVI secolo Albert van den Brulle, che decorò il coro della Basilica con bassorilievi in noce raffiguranti la vita di San Benedetto. De Bruyckere ha risposto a questi elementi cinquecenteschi allestendo una sequenza di nuove teche in cui i motivi dei bassorilievi di van den Brulle vengono ripresi, fossilizzati per un contesto più attuale.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Infine, sempre nella Galleria del Monastero, sono esposte opere recenti della produzione dell’artista. Queste opere forniscono un ideale ulteriore contesto ai lavori creati per l’occasione. Tra questi, si trovano esempi della serie scultorea “Anderlecht” e collage della serie “It Almost Seemed a Lily,” entrambe produzioni di De Bruyckere.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Informazioni sull’artista<br /></span><span style="font-family: arial;">Berlinde De Bruyckere è nata a Gand, in Belgio, nel 1964, dove tuttora vive e lavora. Dalla prima esposizione a metà degli anni Ottanta, le sculture e i disegni di De Bruyckere sono stati esposti in numerose mostre presso importanti istituzioni di tutto il mondo. Tra queste, la mostra in corso “No Life Lost” presso Artipelag, Gustavsberg, Svezia, e le mostre personali “Crossing a Bridge on Fire” al MAC / CCB, Lisbona, Portogallo (2023); “City of Refuge II,” Diözesanmuseum, Freising, Germania (2023); “City of Refuge I,” La Commanderie de Peyrassol, Flassans-sur-Issole, Francia (2023); “PEL / Becoming the figure,” Arp Museum, Remagen, Germania (2022); “Plunder / Ekphrasis,” MO.CO. Montpellier, Francia (2022); “Engelenkeel,” Bonnefanten Museum, Maastricht, Paesi Bassi (2021); “Berlinde De Bruyckere,” Middelheimmuseum, Anversa, Belgio (2020); “ALETHEIA,” Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, Italia (2019); “It Almost Seemed a Lily,” HVB, Mechelen, Belgio (2018); “Embalmed,” Kunsthal Aarhus, Danimarca (2017); “Suture,” Leopold Museum, Vienna, Austria (2016); “The Embalmer,” Kunstraum Dornbirn, Austria e Kunsthaus Bregenz, Austria (2015).</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Informazioni su Abbazia di San Giorgio Maggiore - Benedicti Claustra Onlus<br /></span><span style="font-family: arial;">La Benedicti Claustra Onlus, ramo no-profit della Comunità Benedettina dell’Abbazia di San Giorgio Maggiore, nasce nel 2012 dal desiderio dei monaci benedettini di promuovere e recuperare un dialogo tra Chiesa e Arte Contemporanea attraverso collaborazioni e progetti site-specific per l’evangelizzazione e la crescita di un autentico umanesimo.<br /></span><span style="font-family: arial;">Guida la Comunità Benedettina l’Abate Dom Stefano Visintin O.S.B.<br /></span><span style="font-family: arial;">Direttore della Benedicti Claustra Onlus e Curatore Istituzionale dei progetti espositivi è Carmelo A. Grasso.</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-19896216742894206482024-02-18T08:49:00.001+01:002024-02-18T08:49:17.023+01:00Eventi collaterali ufficiali alla Biennale di Venezia<p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLKK12fTA1iAEIPWSy957nSxjm6sVHvUqyLyBkZB6fPgXrC-I3b6QNw7kBwBuI3An0U_eE4tzhFdpWaSKIZnqLNKaZgIwvrU99aE3Qjb7ox7KBRN2mFxG7HdHkia3UpG8aeb0ZdC8ngQn5uC3QQrH1E37LQVPNV447WFsFzm1AN1T3TwmUKpgCxoox01c/s1003/biennale%20di%20venezia%20venice%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="697" data-original-width="1003" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLKK12fTA1iAEIPWSy957nSxjm6sVHvUqyLyBkZB6fPgXrC-I3b6QNw7kBwBuI3An0U_eE4tzhFdpWaSKIZnqLNKaZgIwvrU99aE3Qjb7ox7KBRN2mFxG7HdHkia3UpG8aeb0ZdC8ngQn5uC3QQrH1E37LQVPNV447WFsFzm1AN1T3TwmUKpgCxoox01c/w640-h444/biennale%20di%20venezia%20venice%202024.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">In queste giornate della Biennale sono tantissime le occasioni espositive parallele, in particolare ci sono gli eventi collaterali ufficiali alla Biennale di Venezia che quest'anno sono </span></p><p style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-family: arial; font-size: 14px;">A Journey to the Infinite: Yoo Youngkuk</strong></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"><span style="font-family: arial;"></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Yoo Youngkuk Art Foundation</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa 5252</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">20 aprile – 24 novembre 2024</span></div><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">A World of Many Worlds</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Asia Forum & Asymmetry Art Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa 5252</div><div style="text-align: justify;">20 aprile</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Above Zobeide, Exhibition from Macao, China</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Macao Museum of Art</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Istituto Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3701</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">All African Peoples' Consulate</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">The Africa Center and Open Society Foundations</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Castello Gallery, Castello 1636/A</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 29 settembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Andrzej Wróblewski (1927-1957). In the First Person</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Starak Family Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Procuratie Vecchie, San Marco 139 - 153/A</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Berlinde De Bruyckere: City of Refuge III</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Abbazia di San Giorgio Maggiore - Benedicti Claustra Onlus</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Isola di San Giorgio Maggiore</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Catalonia in Venice | Bestiari | Carlos Casas</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Institut Ramon Llull</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Docks Cantieri Cucchini, Castello 40/A</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Cosmic Garden</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Chanakya Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Salone Verde - Art & Social Club, Calle Regina 2258</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Daring to Dream in a World of Constant Fear</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Victor Pinchuk Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Contarini Polignac, Dorsoduro 874</div><div style="text-align: justify;">20 aprile - 1 agosto 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Desde San Juan Bautista…</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Consolato REM Brega</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Bruchium Fermentum, Calle del forno, Castello 2092</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Elias Sime: Dichotomy </strong><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">ፊት</strong><span style="font-family: arial;"> </span><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">አና</strong><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;"> jerba</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Kunstpalast Düsseldorf</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Tanarte, Ramo de la Tana, Castello 2125</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Ernest Pignon-Ernest: Je Est Un Autre</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Fondation Louis Vuitton</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Espace Louis Vuitton, Calle del Ridotto 1351</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Ewa Juszkiewicz: Locks With Leaves And Swelling Buds</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Cavanis, Fondamenta Zattere ai Gesuati, 920</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 1 settembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Jim Dine - Dog on the Forge</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Kunsthaus Goettingen</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Rocca Contarini Corfù, Dorsoduro 1057/D</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 21 luglio 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Josèfa Ntjam: swell of spæc(i)es</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">LAS Art Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Accademia di Belle Arti di Venezia, Fondamenta Zattere allo Spirito Santo, 423</div><div style="text-align: justify;">Palazzina Canonica – CNR ISMAR (Istituto delle Scienze Marine), Riva dei Sette Martiri, 1364/A</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Lee Bae — La Maison de La Lune Brûlée</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Fondation d'Entreprise Wilmotte and Foundation Hansol of Culture</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Fondation d'Entreprise Wilmotte, Corte Nuova, Fondamenta dell'Abbazia, Cannaregio 3560</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Madang: Where We Become Us</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Gwangju Biennale Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Il Giardino Bianco Art Space, Castello 1814</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Passengers In Transit</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">CCA Lagos, (Centre For Contemporary Art)</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Ex Farmacia Solveni, Dorsoduro 993-994</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Per non perdere il filo. </strong><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Karine N’guyen Van Tham – Parul Thacker</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Fondazione dell’Albero d’Oro</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Vendramin Grimani, San Polo 2033</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Peter Hujar: Portraits in Life and Death</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Peter Hujar Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Istituto Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3703</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Rebecca Ackroyd: Mirror Stage</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Kestner Gesellschaft</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Fondaco Marcello, Calle del Traghetto o Ca' Garzoni, San Marco 3415</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Robert Indiana: The Sweet Mystery</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Yorkshire Sculpture Park</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Procuratie Vecchie, Corte Maruzzi 105, Piazza San Marco, San Marco 1218/b</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Seundja Rhee: Towards the Antipodes</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">KoRICA (Korean Research Institute of Contemporary Art)</em></strong></div><div style="text-align: justify;">ArteNova, Castello 5063</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Shahzia Sikander: Collective Behavior</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">The Cincinnati Art Museum and The Cleveland Museum of Art</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Soranzo Van Axel, Fondamenta Van Axel o de le Erbe</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 20 ottobre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">South West Bank</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Landworks, Collective action and Sound</strong></div><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Artists + Allies x Hebron</em></strong></div></strong><div style="text-align: justify;">Magazzino Gallery, Palazzo Polignac, Dorsoduro 878</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">The Endless Spiral: Betsabeé Romero</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Museum of Latin American Art (MOLAA)</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Galleria di Piazza San Marco 71/C</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 1 settembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">The Spirits of Maritime Crossing</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Bangkok Art Biennale Foundation</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo Smith Mangilli Valmarana, Cannaregio 4392</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Trevor Yeung: Courtyard of Attachments, Hong Kong in Venice</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">M+, West Kowloon Cultural District Authority and Hong Kong Arts Development Council</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Ramo de la Tana, Castello 2126</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Ydessa Hendeles: Grand Hotel</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Art Museum at the University of Toronto</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Spazio Berlendis, Cannaregio 6301</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px; text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><p style="-webkit-font-smoothing: antialiased; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #333333; font-size: 14px; margin: 0px 0px 9px;"></p><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box; font-family: arial;">Yuan Goang-Ming: Everyday War</strong></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><strong style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;"><em style="-webkit-font-smoothing: antialiased; box-sizing: border-box;">Taipei Fine Arts Museum of Taiwan</em></strong></div><div style="text-align: justify;">Palazzo delle Prigioni, Castello 4209</div><div style="text-align: justify;">20 aprile – 24 novembre 2024</div></span><p></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4145333194230485163.post-90001219152532181732024-02-15T07:33:00.000+01:002024-02-15T07:33:17.497+01:00News dal Padiglione Ucraina <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg59zqZ2q1XM6qRcDJ2cij4kJ5TXrYUYl2YSXXIbYYHSvupyBQWaYQ47gmhjEmMzgKYg-WS-mZess3LadBDmXwP4n9A4v1gFsGBFF-qEcKSIWRjUI5yrFUD_5YpXwvyGHJytVLK4WaUyKF6ibxTSD314YgRTTD70yuPz1AUQTAQGCNM6tUiPmNEvHnozrU/s745/biennale%20venezia%20venice%202024%2060.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="745" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg59zqZ2q1XM6qRcDJ2cij4kJ5TXrYUYl2YSXXIbYYHSvupyBQWaYQ47gmhjEmMzgKYg-WS-mZess3LadBDmXwP4n9A4v1gFsGBFF-qEcKSIWRjUI5yrFUD_5YpXwvyGHJytVLK4WaUyKF6ibxTSD314YgRTTD70yuPz1AUQTAQGCNM6tUiPmNEvHnozrU/w640-h368/biennale%20venezia%20venice%202024%2060.jpg" width="640" /></a></div><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; font-feature-settings: "liga" 0; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody class="mcnTextBlockOuter"><tr><td class="mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px; text-size-adjust: 100%;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; font-feature-settings: "liga" 0; max-width: 100%; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 20px; padding: 0px 18px 9px; text-size-adjust: 100%; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: right;"><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Net Making</strong>, a group exhibition curated by Viktoria Bavykina and Max Gorbatskyi which draws from the practice of weaving of camouflage nets collectively as a metaphor for joint horizontal actions, will present Ukraine at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. The exhibition will feature works by <strong>Katya Buchatska (in collaboration with 15 neurodivergent artists)</strong>, <strong>Andrii Dostliev and</strong> <strong>Lia Dostlieva</strong>, <strong>Daniil Revkovskyi</strong> <strong>and Andrii Rachynskyi, and Oleksandr Burlaka.</strong></span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">"Weaving nets is a key metaphor reflecting today's Ukraine. Amid the Russian invasion, Ukrainians are uniting: volunteer to fight, rebuild destroyed houses of their neighbors, fundraise, and gather to weave camouflage nets. It is a recognition of a bottom-up joint action that benefits each other and the country," the curators comment.</span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">The theme of the Biennale Arte 2024, <em>Stranieri Ovunque — Foreigners Everywhere</em>, touches upon the universal issues of <strong>otherness and the coexistence of diversity</strong>. In line with the Biennale's theme, the Ukrainian Pavilion project will address the topic of otherness through personal experiences of war, emigration, assimilation in new societies, and the transformation of language under the pressure of violence. </span></p></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; font-feature-settings: "liga" 0; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody class="mcnTextBlockOuter"><tr><td class="mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px; text-size-adjust: 100%;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; font-feature-settings: "liga" 0; max-width: 100%; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 20px; padding: 0px 18px 9px; text-size-adjust: 100%; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: right;"><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>IN THE PAVILION</strong><br /><br />The Ukrainian pavilion is framed by Oleksandr Burlaka's architectural installation work, composed of woven linen fabrics from the 1950s which were found at Ukrainian flea markets and online marketplaces. The installation creates a circular space for three other art projects: the film <strong><em>Civilians</em>. <em>Invasion</em></strong> by Daniil Revkovskyi and Andrii Rachynskyi, the installation <strong><em>Best Wishes</em></strong> by Katya Buchatska, and the video <strong><em>Comfort Work</em></strong> by Andrii Dostliev and Lia Dostlieva.</span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Daniil Revkovskyi and Andrii Rachynskyi will present the film</strong><em><strong> Civilians. Invasion</strong>,</em> which tells the story of the first days of the full-scale Russian invasion of Ukraine through the eyes of survivors. The artists assembled the film from the videos they found using open sources and private YouTube channels. “This film is a horror encyclopedia, capturing the harrowing experiences people endure during a full-scale invasion,” the artists note. Precarious and authentic footage made by witnesses risks being lost in the flux of video content, but collected together, these films attempt to both communicate people's experiences while serving as preserved evidence of crime.</span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;"><strong>Katya Buchatska will present <em>Best Wishes</em></strong>, a work she created in collaboration with neurodivergent artists. During the first week of the full-scale invasion, Buchatska resumed online classes at an inclusive art workshop in Kyiv, where artists met daily to paint and talk. “Life went on, days passed, birthdays came. We wished each other happy birthday on every occasion, and gradually, the language clichés became increasingly obtrusive and incongruous, alienated from us,” says the artist. <em>Best Wishes</em> is an attempt to rethink the conventions of greetings and wishes — clichés that often operate under rules of language rather than the actual needs of human communication. In her work, Buchatska explores language transformations amid life-threatening conditions, emphasising the imperative to resist violence.</span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial;">Continuing the theme of clichés and otherness, <strong><em>Comfort Work</em> by Andrii Dostliev and Lia Dostlieva </strong>ironically investigates the stereotypes and expectations laid upon refugees in Europe, playfully creating a safe space for Ukrainians with the experience of displacement to reclaim their agency and throw those stereotypes back in the faces of those who created them. The project involves Ukrainian communities across Europe who shaped the stereotypical representations of themselves with the help of local professional actors.</span></p></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextBlock" style="border-collapse: collapse; font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, "Helvetica Neue", "Segoe UI", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"; font-feature-settings: "liga" 0; font-size: 13px; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody class="mcnTextBlockOuter"><tr><td class="mcnTextBlockInner" style="padding-top: 9px; text-size-adjust: 100%;" valign="top"><table align="left" border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="mcnTextContentContainer" style="border-collapse: collapse; font-feature-settings: "liga" 0; font-size: 13px; max-width: 100%; min-width: 100%; text-size-adjust: 100%; width: 100%;"><tbody><tr><td class="mcnTextContent" style="color: #202020; line-height: 20px; padding: 0px 18px 9px; text-size-adjust: 100%; word-break: break-word;" valign="top"><div style="text-align: right;"><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: left; text-size-adjust: 100%;"><strong><span style="font-family: arial; font-size: small;">ABOUT THE CURATORS </span></strong></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial; font-size: small;"><strong>Viktoria Bavykina and Max Gorbatskyi</strong> have been working together since 2019. In 2022, they founded Ukrainian.Photographies, a platform that collects visual and textual research on Ukrainian photography. In 2023, they curated the HOME programme at Open Eye Gallery, and culture institutions across Liverpool City Region as part of the EuroFestival, a parallel programme of Eurovision 2023 in Liverpool, UK. They were co-curators of several exhibitions dedicated to the Ukrainian Photographic Alternative, an informal group that united over 100 photographers from all over Ukraine. </span></p><p dir="ltr" style="line-height: 20px; margin: 10px 0px; padding: 0px; text-align: justify; text-size-adjust: 100%;"><span style="font-family: arial; font-size: small;">The<strong> </strong>Net Making project is implemented with the support of the Ministry of Culture and Information Policy of Ukraine, the Ukrainian Institute, Goethe-Institut, British Council, The University of Liverpool, PEN America’s Artists at Risk Connection (ARC), Grynyov Art Collection, Open Eye Gallery, Documenting Ukraine, Institute for Human Sciences, European Union under the House of Europe programme, Galeria Labirynt, LAW NET, Scott&Co, and atelienormalno. </span></p></div></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com0