Rumors..

Rumors.. dal The Art Newspaper sulla Biennale

Gulf Labor Artist Coalition in Venice

The exhibition has invited as participants the collective Gulf Labor Coalition, which strives to ensure that workers’ rights are protected when contemporary art, precarious labor, and global capital intersect. Coalition members include artists, writers, architects, curators, and other cultural workers. The Coalition’s contribution to this year Art Biennalewill take the form of a public report in a series of plenary sessions dedicated to its investigations of labor conditions in the Persian Gulf and South Asia. Gulf Labor Coalition’s current focus is the ongoing construction of new cultural institutions on Saadiyat Island in Abu Dhabi, UAE. But whether engaged in direct action or streaming critical imagery, the group’s practice takes place in a public context that pivots on the imaginative and tactical leveraging of aggregated cultural and social capital.

 

Most recently Gulf Labor completed 52 Weeks, a year-long campaign (October 2013 to October 2014) in which artists, writers, and activists from different cities and countries contributed a work, a text, or an action each week that would highlight the coercive recruitment and deplorable living and working conditions of migrant laborers in Abu Dhabi. Because the Coalition’s focus on migratory and hazardous labor extends to similar conditions around the globe, they are constantly generating new research and interventionist campaigns.

LESLIE HIRST- Il filo dei messaggi

A metà strada tra scrittura e arte visiva, il lavoro della pittrice americana Leslie Hirst sfida in maniera sottile il modo in cui siamo abituati a leggere i segni del linguaggio.

A seguito di una visita a Burano nel 2005, la Hirst fu spinta a creare delle composizioni che fondessero parole e merletti poiché il tessuto e gli spazi aperti, rispettivamente il contenuto e il contesto, propongono due originali versioni di scrittura.

Il linguaggio della Hirst è costituito da frammenti, scarti di immagini e forme casuali ricavate dal suo vasto archivio personale fatto di lettere scritte a mano e fotografie di graffiti. Queste risorse rappresentano un legame profondissimo con l’arte del merletto poiché raffigurano lo scorrere del tempo attraverso una linea ininterrotta.

L’allestimento, ideato appositamente per il Museo del Merletto, diventa una metafora visiva della Via della Seta e allude alle influenze del materiale grezzo e delle strutture economiche sullo stile, sulla manifattura e sulla comunicazione. Così l’opera dell’artista ricorda l’importante legame fra il merletto e le diverse culture.

LESLIE HIRST

Il filo dei messaggi

Dal 30 Maggio al 1 Agosto 2015

Burano, Museo del Merletto

A cura di Chiara Squarcina

Coordinamento scientifico: Gabriella Belli

Frammenti Expo ‘67: Alexander Calder Emilio Vedova

Dal 6 maggio al 18 ottobre la Fondazione Emilio e Annabianca Vedova presenta a Venezia alle Zattere, nel Magazzino del Sale e nello Spazio Vedova, due esposizioni: Frammenti Expo ‘67: Alexander Calder Emilio Vedova.  Entrambe legate ad Expo 2015, con l’allestimento di Italo Rota e che ripropongono i contributi dei due artisti all’Expo 1967 di Montreal.

La mostra, a cura di Germano Celant e realizzata in collaborazione con la Fondazione Calder di New York, presenta opere, modelli e documenti relativi all’intervento dell’artista nell’ambito dell’Expo di Montreal 1967, il cui tema Terre des Hommes / Man and His World riguardava l’attività degli esseri umani nella società moderna. In ragione di questo soggetto, l’International Nikel Company (INCO) commissionò a Calder uno stabile (ovvero una scultura astratta fissa, tipica della produzione dell’artista americano) che inizialmente portò il titolo di Three Disks / Trois Disque, poi modificato in Man / L’homme. Per la prima volta nell’opera di Alexander Calder, l’opera in acciaio, non fu verniciata ma lasciata al grezzo. Lo stabile con i suoi 22 m di altezza, 102 fogli di acciaio inossidabile, quasi un chilometro di fascette e 4000 bulloni sempre in acciaio, venne donato alla città di Montreal e installato all’ingresso dell’Esposizione Internazionale.

In occasione dell’Esposizione Universale di Montreal Emilio Vedova fu invitato dal Ministero degli Esteri a qualificare lo spazio architettonico interno che raccordava i tre corpi del Padiglione Italiano – uno spazio asimmetrico di  51 x 24 m con altezze tra 8 e 16 m. Vedova realizzò Percorso/Plurimo/Luce, una struttura a vela su cui 14 proiettori, realizzati ad hoc dalla Siemens/Bauer e programmati elettronicamente, proiettavano in sequenza 112 lastrine di vetro in movimenti asincroni, e in parallelo con la musica elettronica realizzata da Marino Zuccheri dello Studio Fonologia RAI di Milano. Un’installazione frutto della collaborazione con la ricerca industriale e universitaria italiane e sintesi di sperimentazione tecnica tra il suo studio nella ex Abbazia di San Gregorio a Venezia e la Fornace Venini a Murano. Frammenti Expo ‘67: Emilio Vedova, a cura di Germano Celant con Fabrizio Gazzarri, propone la dimostrazione della modalità di proiezione originale tramite lastrine brevettata per Expo, insieme alla forma rotante usata come elemento riflettente. Verrà anche attivata la macchina di Renzo Piano le cui navette mostreranno al pubblico, per la prima volta a Venezia, alcuni quadri del ciclo del 1976 De America di Emilio Vedova.

Invisible Beauty - Iraq Pavilion

Ruya Foundation announces plans for National Pavilion of Iraq at 56th Venice Biennale 2015 and a collaboration with Ai Weiwei

The Ruya Foundation for Contemporary Culture in Iraq (Ruya) is pleased to announce its plans for the National Pavilion of Iraq at the 56th Venice Biennale in May 2015. The exhibition, Invisible Beauty, will be curated by Philippe Van Cauteren, Artistic Director of S.M.A.K. (Museum for Contemporary Art). It will feature five contemporary Iraqi artists, two generations of Iraqi photographers, in the shape of Latif Al Ani and Akam Shex Hadi, visual artist Rabab Ghazoul, ceramicist and sculptor Salam Atta Sabri and painter Haider Jabbar. The exhibition will include new works that have been produced specifically for the exhibition as well as works that have been rediscovered after long periods of inattention. 

To accompany the exhibition, a catalogue will be published by Mousse Publishing in association with the Ruya Foundation. The catalogue will include original contributions by Seamus Kealy, Tamara Chalabi, Lamia Al-Gailani Werr, Fares Haram, Karen McKinnon, Ali Bader, Luk Lambrecht, Sherko Bekas, Atyaf Rasheed and Philippe Van Cauteren.

TRACES OF SURVIVAL: Drawings by Refugees in Iraq selected by Ai Weiwei

The exhibition will also be accompanied by a display of drawings made by refugees in northern Iraq. World renowned artist Ai Weiwei has selected a number of these drawings for a major publication that will launch at the Biennale, TRACES OF SURVIVAL: Drawings by Refugees in Iraq selected by Ai Weiwei.

Curator: Philippe Van Cauteren, Artistic Director, S.M.A.K.

Commissioner: Ruya Foundation for Contemporary Culture in Iraq

Local commissioner: Nuova Icona

www.theiraqpavilion.com

www.ruyafoundation.org

www.smak.be

RUYA ANNOUNCES IRAQ PAVILION ARTISTS AND AI WEIWEI COLLABORATION AT ART DUBAI

RUYA hosted a talk on art in Iraq at Art Dubai last week, to announce the artists selected for theNational Pavilion of Iraq at the 56th Venice Biennale and as well as shed light on the state of the arts in Iraq today.

Curator Philippe Van Cauteren introduced the theme of this year’s Pavilion, Invisible Beauty. The theme reflects on unusual or unexpected elements in the selected artists’ work, as well as the invisibility of Iraqi artists on the international stage.

RUYA’s Reem Shather Kubba and Tamara Chalabi speak with curator Philippe Van Cauteren at Art Dubai

“Seeing the conditions of the city of Baghdad, and its institutions, we had to approach the notion of contemporary art differently,” he explained.

Van Cauteren also announced the selected artists for this year’s show, photographers Latif Al Ani and Akam Shex Hadi, visual artist Rabab Ghazoul, ceramicist and sculptor Salam Atta Sabri and painter Haider Jabbar, who currently has a year long residency in Samsun, Turkey, supported by RUYA.

All of these artists, he argues, “take a position on their own identity, through documenting, creating inventories or stocking up experiences together”.

“Last year we focused on artists from inside Iraq,” said Reem Shather-Kubba, “this year we want to create a dialogue between artists in Iraq and the diaspora.”

When asked about his trip to Iraq, Van Cauteren described it as a “reality check”. “As a curator,” he explained, “it grounds you and makes you reflect on what art means and should be”.

Van Cauteren hopes to curate an exhibition of international artists in Baghdad in the near future, as part of RUYA’s mission to build cultural bridges between Iraq and the world.

RUYA co-founders Reem Shather-Kubba, Tamara Chalabi and Shwan Taha spoke about the impact and challenges of supporting the arts from within Iraq.

As well as the logistical problems, such as transporting works or securing visas for curators and the artists, they explained that the cultural scene is still recovering from decades of conflict and trauma.

Highlighting the effects of an art scene that was largely state-driven until now, Tamara Chalabi said, “Art is a form of self-expression, but often, artists in Iraq do not do that. They are preoccupied with form and color, there is an implicit and often unconscious self censorship ”.

This became apparent during RUYA’s studio visits in Baghdad, where Philippe met and mentored artists, including those not selected for the Biennale.

Chalabi also displayed examples of street art, such as murals on blast walls and other attempts to beautify the city of Baghdad.

RUYA also announced their collaboration with Ai Weiwei on a major publication, Traces of Survival: Drawings by Refugees in Iraq Selected by Ai Weiwei. In December 2014 Ruya launched a campaign to provide drawing materials to adult men and women in refugee camps in northern Iraq. All 546 submissions, including drawings, poetry and prose, will go on display at the Pavilion and the publication will launch at the Biennale.

PANEL DISCUSSION: ART, CONFLICT AND IRAQ AT THE 56TH VENICE BIENNALE

“When a conflict is prolonged, local people become isolated from the outside world, and their true lives and images become obscure in the eyes of the outsiders. Conflict itself rather than their suffering is presented to the world. (…) One of the objectives of cultural exchange is to protect such people against psychological and cultural isolation, that is, to provide links between these citizens in the area of conflict and outside societies.” Kazuo Ogoura

On 7 May 2015, as part of its programme for the National Pavilion of Iraq at the 56th Venice Biennale, RUYA is hosting a panel discussion on art, conflict and Iraq.

The panel will examine the role of art in conflict, and the ways in which artists’ contributions to this subject can be an effective element of change. Among the questions to be raised are:

• Is the role of the arts increasingly relevant in communicating personal and political dimensions of a conflict – as a tool of self reflection and creativity that allows us to think outside of the boundaries constructed in conflict narratives?
• Can art be a viable medium for resistance?
• How has the public role of the artist changed?
• Can art be a catalyst for recovering from trauma in post-conflict situations?
• Can art be an alternative medium for communication (through images, symbols and personal narratives) in highly volatile situations where communication is difficult?
• Despite decades of conflict, artists in the visual, literary and performing arts continue to practice within Iraq. The role that violence and trauma plays in the daily lives of these artists is impossible to ignore. The recent attacks and cultural cleansing make discussions about art in conflict zones more important than ever.

The panel speakers are:

Lamia Al-Gailani Werr, leading archeologist who has written extensively on Iraqi archeology and cultural heritage, based at UCL, London.

Charles Tripp, Professor of Politics at SOAS, London and author of A History of Iraq (2008) among others. He is a member Culture+Conflict, a UK based NGO.

Justine Hardy, author and trauma psychologist who founded the groundbreaking mental health project Healing Kashmir.

Kader Attia, French-Algerian artist who focuses on the aesthetics and ethics of different cultures, as well as the theme of reparation. He has appeared at international exhibitions like DOCUMENTA (2012).

Giles Keppel, political scientist and specialist of contemporary Middle Eastern politics, and author of The War for Muslim Minds: Islam and the West (2004).

Tamara Chalabi, historian and author, and chairman of Ruya Foundation that commissioned theNational Pavilion of Iraq at the Venice Biennale in both 2013 and 2015.

Philippe Van Cauteren, Artistic Director of S.M.A.K, Ghent and curator of the National Pavilion of Iraq at the 56th Venice Biennale.

Date: 7 May 2015

Time: 16.00-18.00

Please note that places at the panel are limited so booking is essential.

To request a place on the talk, please contact: RSVP@ruyafoundation.org

First look from Biennale

Iniziano già a comparire le prime immagini suoi Padiglioni che saranno inaugurati fra pochi giorni, quest del Padiglione Israele dal sito di Artnews 

Codice esterno, artisti internazionale guardano il Padiglione Italia

Saranno tre artisti internazionale a guardare il Codice Italia. Uno sguardo straniero sull'arte contemporanea italiana, un modo particolare di ripensare al "fare italiano".

Sono Peter Greenaway, William Kentridge e Jean Marie Straub .

Ne da ampia notizia il Corriere della Sera di oggi. 

PROPORTIO

Ellsworth Kelly, Red, Yellow, Blue, 1963. © Ellsworth Kelly.

PROPORTIO is the new exhibition in Palazzo Fortuny during the Biennale di Venezia curated by Axel Vervoordt and Daniela Ferretti, en suite to the highly acclaimed exhibitions from the past Artempo (2007), In-finitum (2009), TRA (2011) and Tàpies, lo sguardo dell’artista (2013).  Organised by the Axel & May Vervoordt Foundation and the Fondazione Musei Civici di Venezia, the exhibition will explores the omnipresence of universal proportions in art, science, music and architecture.

Proportions are present in the cosmos, in the natural world and in humans. It can be proven that these proportions are also favoured in art, architecture and music and determine our sense of harmony and balance. Articulated around a series of themes, including the ‘Sacred Numbers’, the Fibonacci sequence, the hypotenuse, Squaring the Circle and Le Corbusier’s Modulor, the exhibition is an invitation to reflect on the dynamic relationship between order and chaos.

PROPORTIO will feature specially commissioned works by leading artists such as Marina Abramovic, Anish Kapoor, Massimo Bartolini, Rei Naito, Michael Borremans, Izhar Patkin, Maurizio Donzelli, Otto Boll, Francesco Candeloro, Riccardo De Marchi and Arthur Duff which will be exhibited alongside existing pieces by Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Alberto Giacometti, Carl André, Agnes Martin, Fausto Melotti, Mario Merz and Francesco Candeloro, as well as some Egyptian artefacts, a series of Dutch Old Master architectural paintings, a portrait by Botticelli and a monumental sculpture by Antonio Canova.

Follow the facebookpage on www.facebook.com/proportiovenice for updates and news.

Padiglione Venezia

Il Padiglione Venezia per 56. Esposizione Internazionale d’Arte proporrà una mostra sulle Arti Applicate, curata da Aldo Cibic. 

Sarà un progetto che incrocerà riflessioni passate al presente in continua evoluzione. 

Nove percorsi che affronteranno diversi sviluppi tecnologici ed industriali della tradizione veneta. Il progetto avrà poi un’evoluzione con il Victoria And Albert Museum di Londra. 

Pausa caffè

France Pavilion

Pour la 56^e Exposition internationale d’art contemporain de la Biennale de Venise, Céleste Boursier-Mougenot compose une œuvre poétique qui évoque les folies des parcs romantiques du XVIII^e siècle tout en laissant transparaître une dimension politique. Ouverture pour les journées professionnelles à partir du 6 mai 2015.

 Avec rêvolutions, de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot, accompagné de la commissaire d’exposition Emma Lavigne, le Pavillon français de la Biennale de Venise se transforme, à partir du 6 mai 2015, en îlot onirique et organique.

UNE CHORÉGRAPHIE ALCHIMISTE DE TROIS ARBRES MOBILES

Au sein des Giardini, le Pavillon français s’ouvre aux éléments, évoquant les « folies » des parcs romantiques du XVIII^e siècle. Il devient le théâtre d’une apparition et se transforme en un écosystème expérimental révélant un état de nature inédit.

Sous la verrière envolée du Pavillon et dans les allées arborées, Céleste Boursier-Mougenot déploie la chorégraphie alchimiste de trois arbres mobiles, qui se déplacent lentement en fonction de leur métabolisme, des variations du flux de leur sève, de leur sensibilité aux passages de l’ombre à la lumière. Ces chimères, hybridation de la machine et de la nature, sont sous-tendues par une vision animiste des arbres. Du Songe de Poliphile, l’énigmatique roman de Francesco Colonna à laDysphylaxie, nouvelle de Primo Levi, elles les métamorphosent en êtres transhumants, déterminés, et échappant soudain à leur condition d’êtres fixés au sol.

UN THÉÂTRE OUVERT

Tout en ravivant l’aspiration au merveilleux et à l’émerveillement des jardins maniéristes italiens, l’œuvre de Céleste Boursier-Mougenot laisse transparaître une dimension politique. Il s’agit de s’emparer des systèmes de contrôle des êtres vivants et de leurs déplacements pour composer une œuvre poétique où l’humain sensible peut habiter des espaces de liberté et de beauté déviante.

Bordé alentour par les arbres dont le bruissement électrique engendre un environnement sonore à partir du courant différentiel basse tension capté en direct, le Pavillon français se transforme en un théâtre ouvert. C’est un refuge au sein duquel le visiteur trouve un endroit où se reposer, où se laisser flotter en prenant place sur « les marches » en hémicycle qui imitent le motif du péristyle mais se révèlent souples au corps, dans un continuum harmonique, qui invite au rêve et à la réflexion.

Opérateur de la présence française à l’étranger lors des grands rendez-vous internationaux, l’Institut français assure le commissariat général du Pavillon français de la 56e Exposition internationale d’art – Biennale di Venezia en étroite collaboration avec le ministère de la Culture et de la Communication / Direction générale de la Création artistique.

En 2013, c'est Anri Sala qui avait représenté la France à la 55^e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise.

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Céleste Boursier-Mougenot

Né en 1961, à Nice, Céleste Bousier-Mougenot vit et travaille à Sète. Présentés depuis près de vingt ans dans les lieux d'art contemporain, en France et à l’étranger, les travaux de Céleste Boursier-Mougenot, sont à considérer avant tout comme ceux d'un musicien. Après avoir été, de 1985 à 1994, le compositeur de la compagnie Side One Posthume Théâtre, de l'auteur et metteur en scène Pascal Rambert, il entreprend de donner une forme autonome à sa musique en réalisant des installations. À partir de situations ou d'objets les plus divers, dont il parvient à extraire un potentiel musical, il élabore des dispositifs qui étendent la notion de partition aux configurations hétérodoxes des matériaux et des médias qu'il emploie, pour générer, le plus souvent en direct, des formes sonores qu'il qualifie de vivantes. Déployé, en relation avec les données architecturales ou environnementales des lieux d'exposition, chaque dispositif constitue le cadre propice à une expérience d'écoute en livrant, au regard et à l’entendement du visiteur, le processus qui engendre la musique. Parmi ses œuvres les plus représentatives, on retiendra from here to ear, grande volière dans laquelle le public entre pour côtoyer des oiseaux dont les incessants déplacements produisent une musique. Depuis quelques années, il étend sa pratique à la chorégraphie, en appliquant à des objets en mouvement sa démarche « compositionnelle ».

Présent depuis de nombreuses années à l'étranger, Céleste Boursier-Mougenot a été le premier artiste français lauréat de l’International Studio Program (PS1) à New York en 1998-99. Il est actuellement représenté par la galerie Paula Cooper (New York), la galerie Xippas (Paris, Genève, Montevideo, Athènes) et la galerie Mario Mazzoli (Berlin). On a pu voir récemment son travail à la National Gallery Victoria de Melbourne en 2013, au Barbican Centre à Londres en 2010 ou à la Pinacothèque de São Paulo en 2009.

2015 s’annonce comme une année exceptionnelle pour l’artiste : après la Biennale de Venise, il présentera une installation paysage conçue spécifiquement pour le Palais de Tokyo. Il sera également invité de la Biennale d’Art Contemporain de Lyon en septembre, puis au Musée des Beaux-Arts de Montréal en novembre.

Emma Lavigne

Emma Lavigne est née en 1968. Elle vit et travaille à Metz, où elle est directrice du Centre-Pompidou Metz. Elle a été de 2008 à 2014 conservatrice pour l’art contemporain au musée national d’Art moderne/Centre de Création industrielle du Centre Pompidou, Paris, où elle a été commissaire de plusieurs expositions dont Danser sa vie (avec Christine Macel) qui étudiait les liens entre la danse et les arts visuels, et la rétrospective Pierre Huyghe. Elle prépare également l’exposition de Dominique Gonzalez-Forester à Paris. Elle est spécialisée dans les liens entre les arts visuels, la musique, la danse et la performance. Elle a été auparavant conservatrice à la Cité de la Musique à Paris, où elle a été commissaire de nombreuses expositions consacrées aux relations entre la musique et l’art contemporain, telles que Electric Body ou Espace Odyssée, Chen Zhen, Saâdane Afif ou Christian Marclay. Elle a également organisé des expositions associées à la scène musicale rock, telles que Jimi Hendrix Backstage, Pink Floyd Interstellar, John Lennon Unfinished Music, ou I am a cliché, sur l’esthétique punk, aux Rencontres internationales de la photographie à Arles. Elle a été co-commissaire en octobre 2008 de l’exposition Warhol Live et d’Imagine Peace avec Yoko Ono en avril 2009 au musée des Beaux-Arts de Montréal.

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Philippine Pavilion - Tie A String Around the World

Artists: Manuel Conde, Carlos Francisco, Manny Montelibano, Jose Tence Ruiz

Curator: Patrick D. Flores

The Philippine Pavilion moves around Manuel Conde’s Genghis Khan, a seminal Philippine film made in 1950 in Manila and Angono; re-edited and annotated by the American writer-critic James Agee; and screened at the Museum of Modern Art and the Venice Film Festival in 1952. It was co-written and designed by Carlos Francisco. Conde and Francisco are National Artists of the Philippines. The theme of the Pavilion comes from the line uttered by Genghis Khan at the end of the film as he promised his lady to lay the empire he will conquer at her feet.

As the Philippine representation returns to Venice in 2015 after fifty-one years, so is the film revisited as a trajectory into the very idea of Venice as the place that first recognized the country through the moving image. This travel offers an opportunity to reflect on the condition of the world today and the potential of a Philippine Pavilion to initiate a conversation on the changing configurations of this world--on the volatile meanings of territory, country, nation, border,  patrimony, nature, freedom, limit,  and the “present passing.”

At a tangent to Genghis Khan, the work of Jose Tence Ruiz, Shoal, references the Sierra Madre. TheNew York Times describes it as the vessel of Vietnam War vintage that “the Philippine government ran aground on the reef in 1999 and has since maintained as a kind of post-apocalyptic military garrison, the small detachment of Filipino troops stationed there struggling to survive extreme mental and physical desolation.” Ruiz evokes the spectral ship as an ambivalent silhouette of a shoal through his assemblage of metal, velvet, and wood. The trace that is also a monument thus settles into and becomes a reef-outpost-detritus-ark floating on a contested vastness, at once forlorn and prevailing both as saga and shipwreck.

For his part, Manny Montelibano presents the multi-channel video piece, A Dashed State, on the West Philippine Sea, which is part of the disputed South China Sea. It dwells on the atmosphere of a lush locale, particularly the sound of epics and radio frequencies that crisscross the expanse, and the vignettes of seemingly uneventful life ways of islands. The film invites discussion on the history of world making and the history of the sea in the long duration, and in relation to the histories of empires, nation-states, and regions. From the vantage point of Palawan, threshold to Borneo and the South China Sea, Montelibano films the conditions of the impossible: what makes a common sea and where do frontier and edge, melancholy and migration lie.

la Biennale di Venezia 56. Esposizione Internazionale d’Arte - Intervento di Paolo Baratta

La 56. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia si aprirà il 9 maggio con un mese di anticipo rispetto alle ultime edizioni. Con essa celebriamo il 120mo anno dalla prima Esposizione (1895). 

La Mostra Internazionale del curatore si estenderà nel Palazzo delle Esposizioni ai Giardini (3.000 mq) e nell’Arsenale (8.000 mq) e in aggiunta le aree esterne. 

Virtualmente intorno alla grande Mostra Internazionale del nostro curatore ruota la grande adunata delle partecipazioni straniere (89, erano 58 nel 1997), 29 delle quali negli storici padiglioni dei Giardini, 29 negli spazi dell'Arsenale dedicati ai paesi (dove continuano nuovi lavori di restauro di edifici cinquecenteschi) e il resto in edifici veneziani, dove saranno anche allestiti 44 Eventi Collaterali, presentati da soggetti non profit e ammesse dal nostro curatore. 

Le pagine inserite nella cartella stampa danno molte utili ulteriori informazioni. 

Esse contengono anche i ringraziamenti calorosi espressi oltre che al nostro partner Swatch, a varie istituzioni pubbliche, agli sponsor e alla miriade di energie applicate con grande dedizione alla realizzazione della mostra e alla sua gestione nei 6 mesi e mezzo, fino al 22 novembre. In particolare i nostri ringraziamenti vanno a Okwui, ai suoi assistenti e a tutte le grandi professionalità della Biennale. 

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Ciò detto, permettetemi due parole di introduzione a questa Mostra, vista dall'interno della Biennale. 

Siamo alla 56ma edizione, la Biennale che compie 120 anni procede e, anno dopo anno, continua a costruire anche la propria storia, che è fatta di molti ricordi, ma in particolare di un lungo susseguirsi di diversi punti di osservazione del fenomeno della creazione artistica nel contemporaneo. 

Per limitarci alle ultime due: 

Bice Curiger ci portò il tema della percezione, dell'ILLUMInation, della luce come elemento autonomo e vivificatore, nonché quello del rapporto tra artista e viewer, focalizzandosi su un concetto artistico che enfatizza la conoscenza intutitiva e il pensiero illuminato, quali mezzi per affinare e accrescere le nostra capacità di percezione e quindi le nostre capacità di dialogo con l'arte. 

Massimiliano Gioni fu interessato a osservare il fenomeno della creazione artistica dall'interno, e rivolse l'attenzione alle forze interiori che spingono l'uomo e l'artista a creare immagini e a dar vita a rappresentazioni, necessarie per sé e per colloquiare con gli altri, e indagò sulle utopie e sulle ansie che conducono l'uomo all’imprescindibile necessità di creare. La mostra si apriva con l'immagine di un utopico Palazzo Enciclopedico e con il Libro Rosso di Jung. 

Oggi il mondo ci appare attraversato da gravi fratture e lacerazioni, da forti asimmetrie e da incertezze sulle prospettive. Nonostante i colossali progressi nelle conoscenze e nelle tecnologie viviamo una sorta di "age of anxiety". E la Biennale torna a osservare il rapporto tra l'arte e lo sviluppo della realtà umana, sociale, politica, nell'incalzare delle forze e dei fenomeni esterni. 

Si vuol quindi indagare in che modo le tensioni del mondo esterno sollecitano le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i loro moti dell'animo (il loro inner song). La Biennale ha chiamato Okwui Enwezor anche per la sua particolare sensibilità a questi aspetti. 

Curiger, Gioni, Enwezor, quasi una trilogia: tre capitoli di una ricerca della Biennale di Venezia sui 

riferimenti utili per formulare giudizi estetici sull'arte contemporanea, questione "critica" dopo la 

fine delle avanguardie e dell'arte "non arte". 

E Okwui non pretende di dare giudizi o esprimere una predizione, ma vuole convocare le arti e gli artisti da tutte le parti del mondo e da diverse discipline: un Parlamento delle Forme. 

Una mostra globale dove noi possiamo interrogare, o quanto meno ascoltare gli artisti. 

Sono stati chiamati 136 artisti dei quali 89 presenti per la prima volta, provenienti da 53 paesi, e molti da varie aree geografiche che ci ostiniamo a chiamare periferiche. Delle opere esposte, 159 sono nuovi lavori. Tutto questo ci aiuterà anche ad aggiornarci sulla geografia e sui percorsi degli artisti di oggi, materia questa che sarà oggetto di un progetto speciale: quello relativo ai Curricula degli artisti operanti nel mondo. 

Un Parlamento dunque per una Biennale di varia e intensa vitalità. 

Sappiamo che evocare i fenomeni anche drammatici che caratterizzano il tempo presente vuol dire far entrare la storia. Il presente vuol essere compreso attraverso i segni, i simboli, i ricordi che la storia ci consegna e dai quali traiamo qualche disperazione, ma anche illuminazioni. Significa anche richiamare i frammenti del nostro passato, anche remoto, che non possono essere dimenticati. 

Certamente la Biennale offre un palcoscenico particolare per questa rappresentazione. Quello che si espone qui ha come fondale 120 anni di storia delle arti, i cui frammenti sono in ogni angolo e di varia natura, visto che la Biennale opera nell'Arte, nell'Architettura, nella Danza, nel Teatro, nella Musica e nel Cinema; essi sono presenti nel suo Archivio Storico, nelle immagini là custodite, nei suoi cataloghi, nei suoi edifici. Anche i padiglioni dei paesi, costruiti in varie epoche e grazie a iniziative differenti, proprio per questo creano un luogo ben diverso da quello di una expo tradizionale. È il luogo delle "immagini dialettiche" per usare l'espressione di Walter Benjamin. 

E a proposito di Benjamin, Okwui nel suo programma ricorda le parole con cui si espresse sull'«Angelus Novus» di Paul Klee.”. Ricordate? "... Ha il volto rivolto al passato; dove a noi appare una serie di eventi, vede una sola catastrofe. […] Vorrebbe fermarsi e ridestare i morti, […] ma una tempesta gli penetra nelle ali […] e lo sospinge irresistibilmente nel futuro". 

Non posso fare a meno di trasferire per un solo istante questa immagine a noi e vedere nell’espressione dell'angelo di Klee, quella di chi entra nella Biennale e osserva sorpreso e spaventato tutti i resti del passato depositati in questo luogo dove memoria, tempo e spazio si congiungono. Mi consola per contro il fatto che qui ogni due anni si rivela una nuova tempesta di energia che soffia "spingendo le sue ali verso il futuro". 

E sono ancora una volta lieto di non aver ascoltato le tristi considerazioni di chi nel 1998 mi diceva che la mostra con padiglioni stranieri era outmoded e che andava eliminata, magari mettendo al suo posto un cubo bianco, uno spazio asettico nel quale cancellare la storia, esercitare la nostra astratta presunzione, o dare ospitalità alla dittatura del mercato. 

Proprio la nostra articolata e complessa realtà ci aiuta a evitare questi pericoli. 

La grande montagna dei frammenti della nostra storia cresce ogni anno. A fronte sta la ancor maggiore montagna di quel che non fu mostrato nelle Biennali del passato. 

A questo proposito sentiamo spesso citare Aby Warburg e i suoi esercizi di comprensione. Per comprendere meglio un’opera la si affianca e la si circonda di molte altre che hanno con essa un qualche legame. Mnemosyne era il nome da lui utilizzato per questo esercizio: Mnemosyne, la dea della memoria (ebbene possiamo dire che la Biennale è una delle residenze preferite di Mnemosyne). 

In ogni Biennale la presenza a fianco del nostro curatore delle diverse voci dei curatori nei diversi padiglioni concorre a realizzare un valore importante, il pluralismo di voci. 

"Parliament of Forms". Nulla più di un parlamento deve prevedere pluralità di voci. 

Sia nelle Biennali più intimiste, sia in quelle più drammaturgicamente coinvolgenti la storia, è importante che la Mostra sia sempre vissuta come luogo di libero dialogo. 

Paolo Baratta, Presidente della Biennale di Venezia 

Vik Muniz - Lampedusa at the 56th Venice Biennale

Lampedusa is a floating installation to be launched during the 56th Venice Biennale. For this public artwork, Vik Muniz employs his traditional use of unlikely materials and scale manipulation to generate wonder from predictability.

 Contextualized in the naval environment of Venice, Lampedusa is an effigy of a paper boat built to scale of one of the town’s traditional vaporettos. Boats of all kinds are a common sight in Venice but a forty-five feet paper boat will certainly disrupt the viewers’ impression of being part of a postcard.