venerdì 24 dicembre 2021

Jonathas De Andrade per il Brasile



Ci giunge dalla Galleria Continua  che Jonathas De Andrade è stato selezionato per rappresentare il Brasile nel suo padiglione nazionale alla 59. Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia.

Per l'occasione l'artista presenterà una nuovissima installazione e il padiglione sarà curato da Jacopo Crivelli Visconti.

"Questo invito è una sorpresa e un onore. Tuttavia, l'idea di rappresentare il Brasile oggi, è una grande sfida soprattutto per la responsabilità nel contesto delle cruciali complessità che il Paese sta affrontando attualmente. Si spera che l'arte riesca a tradurre il nodo aggrovigliato è vivere nel nostro tempo e riuscirà a ispirare sogni che ci permetteranno di sciogliere quei nodi". -Jonathas De Andrade

lunedì 6 dicembre 2021

Arriva l'Oman

scatto dell'artista Anwar Sonya


 Per la prima volta l'Oman parteciperà alla Biennale di Venezia che si svolgerà dal 23 aprile al 27 novembre 2022. 

Un pittore Anwar Sonya, due fotografi fotografo  Hassan Meer e Budoor Al Riyami;  uno scultore Radhika Khimji e un omaggio a Raiya Al Rawahi, artista recentemente morto. 

Curatore del Padiglione, che sarà presso l'Arsenale, è Aisha Stoby. 

domenica 28 novembre 2021

Simone Leigh, lavori in corso per la Biennale 2022

 

L'artista Simone Leigh, che realizzerà il suo intervento al Padiglione degli Stati Uniti ha attivato un sito web ( www.simoneleighvenice2022.org ) dove sarà possibile seguire gli sviluppi del progetto che porterà alla Biennale di Arti Visive del 2022.



domenica 21 novembre 2021

La Biennale di Paolo Baratta

 


In questi giorni ho letto questo bel libro che racconta il complesso lavoro che il direttore della Biennale, Paolo Baratta, ha svolto in questi decenni con ottimi risultati. Un'istituzione pubblica che stava declinando è stata riportata al suo splendore con un articolato lavoro che viene narrato in modo piacevole e scorrevole. 

sabato 20 novembre 2021

Pedro Neves Marques per il Portogallo


Pedro Neves Marques è l'artista selezionato dalla Direzione Generale per le Arti a rappresentare il Portogallo alla prossima Biennale di Arti Visive 2022.

L'opera si intitolerà "Vampires in Space" è sarà proposta presso Palazzo Franchetti vicino al Ponte dell'Accademia.


CS

O projeto “Vampires in Space”, de Pedro Neves Marques, apresentado pela dupla de curadores João Mourão e Luís Silva, irá representar Portugal na próxima edição da Bienal de Arte de Veneza, que decorrerá entre 23 de abril e 27 novembro de 2022 sob o tema "The Milk of Dreams", com curadoria da italiana Cecilia Alemani.

 

Selecionado no âmbito de um concurso promovido pela Direção-Geral das Artes, “Vampires in Space” terá a forma de uma instalação narrativa que transformará o Palazzo Franchetti através de filmes, elementos instalativos, poemas e cenografia numa inesperada nave espacial habitada por vampiros. A proposta recorre à figura e expectativas sobre o que é um "vampiro" para abordar questões de identidade de género, sexualidade e reprodução queer, bem como formas de família não-nuclear. A instalação contrastará o estilo Gótico Veneziano do Palazzo Franchetti com uma sensibilidade de ficção científica, fantástica e especulativa própria ao trabalho de Neves Marques.

 A Representação Oficial Portuguesa, comissariada pela DGARTES, ficará instalada no Palácio Franchetti, o novo espaço expositivo situado nas margens do Grande Canal de Veneza, com o qual foi celebrado um protocolo de utilização para os próximos 3 anos.

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Sobre o Tema da Bienal:

O tema geral da 59ª Bienal de Veneza "The Milk of Dreams" é inspirado num livro de Leonora Carrington, no qual, como diz Cecilia Alemani, "a artista surrealista descreve um mundo mágico onde a vida é constantemente repensada através do prisma da imaginação, e onde todos podem mudar, ser transformados, tornar-se algo e outra pessoa. A exposição leva-nos numa viagem imaginária através de metamorfoses do corpo e definições da humanidade".

Direção-Geral das Artes | Comunicação

www.dgartes.gov.pt | www.facebook.com/dgartes | www.instagram.com/dg.artes  


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The EDP Foundation will be the Main Patron of Portugal’s Official Representation at the 59th edition of the Venice Biennale, which will take place between 23 April and 27 November 2022.

Pedro Neves Marques is the artist selected to represent Portugal in Venice with the project “Vampires in Space” which, according to curators João Mourão and Luís Silva, will consist of “a narrative installation which will transform the second floor of Palazzo Franchetti, on the margins of the Venice Grand Canal, through a combination of films, poems and scenography inside an unexpected space ship inhabited by vampires”.

“Supporting the Portuguese representation at the Venice Biennale is consistent with one of the main pillars of the EDP Foundation’s activity: to promote Portuguese artists and their internationalization. In fact, it is within this context that the EDP Foundation will continue its cultural mission in 2022, by issuing the New Artists Award, patronizing several institutions and continuing to publish Electra magazine,” says Vera Pinto Pereira, President of the EDP Foundation.

The EDP Foundation supported the Portuguese Representation at the International Art Exhibition La Biennale di Venezia for the first time in 2013, the year when Joana Vasconcelos – the first beneficiary of the EDP Foundation New Artists Award, in 2000 – presented the project “Trafaria Praia”. The EDP Foundation continued its support in 2015 and 2017, the years when Portugal presented the works “I Will Be Your Mirror” and “Medida Incerta” (“Uncertain Measure”), by artists João Louro and José Pedro Croft, respectively. The EDP Foundation also supported the 15th International Architecture Exhibition, which took place in 2016, in which Álvaro Siza Vieira represented Portugal with a social housing project for the Island of Giudecca, in Venice.  

Kinerapan: Right of Crawling, il progetto di Taiwan



Ecco il progetto che sarà presentato al Padiglione di Taiwan con l'artista Sakuliu. 


CS


Taiwan’s Representation at the 59th Venice Biennale 2022 Kinerapan: Right of Crawling

Sakuliu Conveys Reflection on Interspecies Co-sharing and Coexistence

 

Taipei Fine Arts Museum, along with artist Sakuliu and curator Patrick Flores, have the pleasure to announce Kinerapan: Right of Crawling, the new project representing Taiwan at the 59th Venice Biennale in 2022. Sakuliu will create a spiritual site which comprises several new works including sculpture, installation and animation that collectively tell a contemporary story through the traditional indigenous narrative.

 

Sakuliu was born in Sandimen Township, Pingtung County, Taiwan (Tavadran Village of the Paiwan people). Having grown up in a family of artisans, he has developed works encompassing such diverse forms as painting, sculpture, installation and architecture. Concerned that his traditional culture was being eroded or was even gradually disappearing, Sakuliu decided to actively sustain and revive it by documenting tribal wisdom in drawings and manuscripts, rebuilding stone slab houses, creating sculptures and leading ethnic awareness movements. His creative practice is rooted in engagement with everyday society, and his status as a well-rounded artist won him the National Culture and Arts Award in the fine arts category in 2018. He has recently concentrated on classical Paiwan philosophy, expressing his thought and research findings in both text and image form.

 

The exhibition title “Kinerapan” is a Paiwan word, which carries a wide range of meanings, from the plant crawling to scope, distance and depth, such as the area covered by a vast forest, the distance travelled by a river, or the space inhabited by a species. Broadly speaking, the word implies both abstract distance and temporal span, including the farthest that one’s imagination can reach. Also, in the development of the human being, the crawling stage is important in the struggle with gravity and in the beginning of exploring the world. The concept of “right” is centered on the quest for fairness and dignity. The exhibition is built upon two main ethical systems: the “Semiljeva” (Paiwan for joy of sharing and giving) and “Lingulj” (Paiwan for circle, emblematic of concentric, iterative giving) – to introduce a network of symbiosis and coexistence fostered by interspecies reciprocity and interdependence. Through representing the spatial order, belief and value system of the indigenous culture, the artist responds to the changing society as well as the conflicts, anxieties and tensions it has incurred over time.

 

For the exhibitionSakuliu will use an artistic language informed by storytelling and imagination to guide the audience into a spiritual world that evokes contemporary reality and life. The artist projects his imagination through constructing a space symbolic of a family house that embodies Paiwan worldview: “What would it be like if the Earth were a stone-slab house and the planet’s entire population were my family? How should I envision such a more expansive space of Kinerapan and those inhabiting it?” When organic crops are exchanged into long-lasting inorganic currency, what is its effect on the concept of sharing? How does one judge the ownership of fruits if the plants have crawled into the neighbors’ fields? Starting from indigenous art, Sakuliu has always kept alert and sensitive to interactions between multiple cultural roots. His art practice has continuously translated the profound legacies of local wisdom and technology to meditate on cross-cultural issues in contemporary society and redistribute the indigenous genealogy across and into various historical contexts. Sakuliu states, “I use my personal understandings of space, land and ecology as my script and try to find a suitable way based on Paiwan cosmic view to convey, allowing knowledge to be transmitted across cultural differences as well as through time and space.”

 

According to curator Flores, “The exhibition centers on the sprawling practice of Sakuliu. It surveys its many lively forms that offer both an inspiring indigenous cosmology and an urgent everyday life. Sakuliu’s knowledge of the Paiwan lifeworld as a doer and a thinker intertwines with his sense of responsibility as a citizen-artist. This knowledge produces a contemporary expression rooted in a vast Austronesian ecology and speaking to common interests within Taiwan and across the world.”

giovedì 18 novembre 2021

Olanda ed Estonia, padiglione in comodato ..


 

Il Padiglione Olanda è in affitto, lo storico edificio non sarà la sede dell'Olanda, come da quando fu ideato nel 1954, ma sarà fruita dall'Estonia

Il Padiglione dell'Olanda, che vedrà all'opera l'artista Melanie Bonajo, sarà nella storica Chiesetta della Misericordia.


Info https://www.mondriaanfonds.nl/en/activities/venice-biennale/

CS

Dutch Entry 59th Venice Biennale

Artist: Melanie Bonajo
Curatorial team: Maaike Gouwenberg, Geir Haraldseth and Soraya Pol
Commissioned by Mondriaan Fund
Location Dutch pavilion: Chiesetta della Misericordia in Venice

The artist selected to represent the Netherlands at the Venice Biennale in 2022 is Melanie Bonajo. A broad-based international jury selected Bonajo from a long list of artists and curators who had applied to take part in earlier versions of the biennale. Those selected were invited to submit an overall plan within a short space of time. A month later, these plans were presented to the jury, which was unanimous in determining that Melanie Bonajo would be representing the Netherlands. Bonajo will be working with a curatorial team consisting of Maaike Gouwenberg, Geir Haraldseth and Soraya Pol. Bonajo’s work will be presented at the Chiesetta della Misericordia in the Cannaregio neighbourhood in Venice.

Members of the jury for the Dutch contribution to the 2022 Venice Biennale are: Kate Bush (curator Tate Modern), Stijn Huijts (director Bonnefantenmuseum), Hicham Khalidi (director Jan van Eyck Academy), Franziska Nori (director Frankfurter Kunstverein), Ugochukwu-Smooth Nzewi (curator MoMA – Museum of Modern Art, New York), Fatos Üstek (director Liverpool Biennale), Rieke Vos (curator Het HEM), and non-voting chairperson Eelco van der Lingen (director Mondriaan Fund).

For the 59th Venice Biennale, Bonajo will produce a new film, which will be presented together with a publication in an extensive, wide-ranging setting. Quoting from the plan for the project:

‘In Venice, Bonajo takes charge of the [human] body and hauls it up out of the claws of capitalism. Mel* absorbs you into The New Intimacy Movement. She challenges you to recognize and explore the body anew, as a means of connection, intimacy, touch and safety. You are swept along in adventures that stimulate all the senses: feeling is a form of intelligence, thinking through touch.’

Location of the Dutch pavilion in 2022

The Mondriaan Fund recently announced that the Dutch presentation for the 59th Venice Biennale would take place at a new location in the city. From among a number of options, Melanie Bonajo selected the Chiesetta della Misericordia, a deconsecrated 13th-century church. Director Eelco van der Lingen is delighted:

‘An exciting artist in an exciting location. The Chiesetta della Misericordia is a splendid building in the middle of the city. I am looking forward to seeing how that relates to the splendid work of Melanie Bonajo.’

For 2022, the Mondriaan Fund wants the Dutch presentation to take place outside the Rietveld Pavilion and the Giardini. Van der Lingen hopes to establish a new point of reference for the future. ‘For us, it is good to step out of our comfort zone and take a look around at what freedoms being outside the walls of the pavilion can generate. This also offers the Dutch contribution the opportunity to conceive a plan that does not have to take Rietveld, the pavilion, or the Giardini into account.’ The Mondriaan Fund has meanwhile invited Estonia to make use of the Rietveld Pavilion for the 2022 Venice Biennale.

mercoledì 17 novembre 2021

Bocconi Art Gallery


 

Oggi riparte la Bocconi Art Gallery, BAG, con un'apertura speciale dalle 16 alle 20 e due incontri con artisti.


CS

Immergiti nell'arte contemporanea per dimenticare, almeno per un pomeriggio, la tragedia della pandemia. È questo il consiglio di Bocconi Art Gallery , BAG ai suoi amici, che torna mercoledì 17 novembre, dalle 16 alle 20, con l'inaugurazione di una nuova edizione, la prima dopo la pandemia. Cento opere di 53 artisti italiani e internazionali, che appassionati e curiosi potranno finalmente ammirare di persona con visite gratuite e visite guidate realizzate in collaborazione con MIGuidi (l'accesso a BAG è libero e gratuito ma il Green Pass è obbligatorio).

In programma anche due incontri di approfondimento con alcuni degli artisti: alle 17.30 nel palazzo di via Roentgen 1,  si incontreranno Fausta Squatriti, Emil Michael Klein e Wolfram Ullrich , moderati dal collezionistaEttore Buganza . Alle 18:45, nel palazzo di via Sarfatti 10, si  alternano Letizia Cariello, Emilio Isgrò e Pino Pinelli  , moderati dal professore Bocconi e presidente del Comitato di Ateneo per l'Arte Contemporanea, Severino Salvemini .

“Siamo lieti di poter inaugurare l'ultima edizione di BAG con nuove opere che non hanno ancora avuto contatto con un vasto pubblico”, ha commentato Salvemini. “Inoltre, abbiamo finalmente la possibilità di presentare gli artisti che hanno contribuito a valorizzare gli spazi del nuovo campus di Via Sarfatti 10”. 

All'inaugurazione saranno presenti molti artisti BAG, insieme a vari collezionisti e galleristi. Oltre ai partecipanti ai colloqui, sarà presente anche Stefano Arienti, Alessandro Busci, Sonia Costantini, Marcello De Angelis, Ivan De Menis, Domenico D'Oora, Fabrizio Dusi, Nadia Fanelli, Marco Gastini, Ariane Hagl, Debora Hirsch,  Luca Lombardi, Maria Teresa Ortoleva, Robert Pan, Roberto Pietrosanti, Silvia Rastelli, Amedeo Sanzone, Anna Maria Tulli, and Valeria Vaccaro .


Nato nel 2009 con l'idea di offrire agli studenti una prospettiva diversa sul mondo, proprio attraverso il linguaggio dell'arte contemporanea, il progetto Bocconi Art Gallery ha portato in Bocconi negli ultimi anni centinaia di opere di numerosi artisti provenienti da tutto il mondo. Le opere vengono date in comodato d'uso all'Università, ma, grazie alla generosità di artisti e collezionisti, alcune di esse sono state poi donate all'Università. Oggi la collezione di proprietà della Bocconi comprende 12 opere d'arte contemporanea, tra cui  Cancellazione del debito pubblico di Emilio Isgrò , un trittico di Sonia Costantini ,  Guerrieri di Sergio Fermariello ,   Clinamendi  di   Massimo Kauffman,   Fight-Flight di Arthur Duff , The Great Chessboard  di Elio Marchegian , il wall painting  Future di Alessandro Mendini , l'installazione  Knowledge That Matters di Lorenzo Petranton , opere di  Mario Raciti,  The Power of Colour di Mario Arlati ,  Colonna  di Arnaldo Pomodoro e   Poetario  di Giorgio Milani (quest'ultimo donato dai docenti della SDA Bocconi). 

Questo l'elenco completo degli artisti che esporranno in questa edizione di BAG: Rodolfo Aricò, Stefano Arienti, Mario Arlati, Liu Bolin, Alessandro Busci, Letizia Cariello, Marco Casentini, Enrico Castellani, Gianluigi Colin, Vittorio Corsini, Sonia Costantini, Marcello De Angelis, Nunzio De Martino, Ivan De Menis, Domenico D'Oora, Arthur Duff, Fabrizio Dusi, Nadia Fanelli, Sergio Fermariello, Marco Gastini, Ariane Hagl, Debora Hirsch, Emilio Isgrò, Massimo Kaufmann, Emil Michael Klein, David Lindberg, Luca Lombardi, Richard Long, Elio Marchegiani, Alessandro Mendini, Giorgio Milani, Maria Teresa Ortoleva, Mimmo Paladino, Robert Pan, Lorenzo Petrantoni, Roberto Pietrosanti, Pino Pinelli, Jan van der Ploeg, Arnaldo Pomodoro, Giò Pomodoro, Mario Raciti, Silvia Rastelli, Shigeru Saito, Amedeo Sanzone, Regine Schumann, Fausta Squatriti, Mauro Staccioli, Anna Maria Tulli, Wolfram Ullrich, Valeria Vaccaro, Valentino Vago,Grazia Varisco, Vedovamazzei. 

martedì 12 ottobre 2021

Małgorzata Mirga-Tas per la Polonia


 Per la Polonia è stata scelta l'artista Małgorzata Mirga-Tas (Zakopane, 1978) 


Dal sito della Cultura Polonia

Małgorzata Mirga-Tas is a Polish-Romani visual artist, sculptor, painter, educator and activist. Born in 1978, she lives and works in Czarna Góra, a Romani village at the foot of the Tatra Mountains.

Małgorzata Mirga-Tas started her artistic career with sculpture, which she studied at the Academy of Fine Arts in Kraków under Józef Sękowski. As a student, she developed a characteristic authorial sculptural technique using cardboard as the base material. She sculpted in the glued layers, using the pale brown colour of the material and the clear texture of the cardboard and glue. She gave form to the sculptures by cutting and modelling blocks of glued cardboard with a chain saw, grinder and drill and bracing them with metal and wooden supports. In this technique, she created semi-abstract and surreal depictions of animals, combining everyday life with the extraordinary, somewhat resemblant of the later hybrid-like creatures from Daniel Rycharski’s Rural Street Art. Her diploma work also included a Romani theme, which was later to become the leading theme of her art. Mirga-Tas comes from the Bergitka Roma tribe, which has the longest traditions of living in settlements, dating back to the pre-partition era. The artist herself also finally settled in her hometown of Czarna Góra, on the border of Spiš and Podhale.


Her 2004 diploma work titled Caravan is a slightly ornamented Romani caravan, fragile and somewhat melancholic. Although sculpted out of cardboard, it was still inspired by the visuality of the nomadic lifestyle of the Romani people, which was drastically transformed and regulated by their forced settlement in 1964. The artist’s newer works depict a world no longer clinging to the past known from Jerzy Ficowski’s texts but the lives of Romani communities in permanent settlements. They document both the changes and the longevity of social models developed over the centuries, with community activities not limited by the confines of four walls.

With time, cardboard sculptures began to give way to drawings and paintings in which the monochromaticity of cardboard was replaced by an explosion of colour and ornamentation. Decorative, almost purely ornamental compositions, with floral motifs were accompanied by equally decorative portraits in which human silhouettes melted together with ornaments. Finally, a narrative element appeared in her representations of members of Romani communities, and portraits of individuals replaced portraits of Romani communities.

In genre scenes, Mirga-Tas not only stayed true to her passion for decorativeness but even developed it, complicating the Baroque texture of the heavy paintings with patterned fabrics, sequins, feathers or playing cards. Thanks to them, the flat scenes built with clear contours gained optical depth and began to sparkle or almost vibrate in a slightly pop-art fashion. The fragments of fabrics used are not incidental – they often come from clothes once worn by people dear to the artist, such as family members and friends. What might seem to be a mere ornament adorning the depicted scene is therefore sometimes a most realistic and somewhat intimate element, not simply presented in the painting but transferred onto it directly from reality – like a woman’s skirt made of a piece of skirt actually worn by the portrayed.


Despite the decorativeness, the scenes presented by the artist are not idealised and romanticised but are firmly set in reality in almost a journalistic fashion. We see an old woman lost in thought and smoking a cigarette on the stairs to a house, a game of cards, the hanging up of laundry, sewing or chatting at the table. Apart from people, there are also many animals – hens walking around the courtyards, a goat sticking its head out from under the kitchen table. The apparent documentary style is accompanied by an element of creation, not only in synthesising and ornamenting scenes but also in combining characters who, for example, in reality, come from different neighbourhoods. In works made exclusively from stitched pieces of fabric, the figures of people and animals detach themselves from their surroundings and drift in the abstracted decorative space (where a rooster can outgrow a human in size) with no limitations.

Thus, the artist does not create a ‘sociological record’ in the style of Zofia Rydet; she does not catalogue all the elements of life and visual culture of Romani settlements but only provides us with selected snapshots observed from within the Romani community, combining realism with building an expressive visual dictionary of Romani culture. As she herself admits, at one point she was inspired by the so-called Harlem Renaissance of the 1920s and 1930s. In Mirga-Tas’ works, one can also see a kinship with Kerry James Marshall’s contemporary painting, which in a similar way reclaims the visuality of Afro-American culture, liberated from the colonial gaze.


Greetings from Tarnów: From Factory Town to Humanopolis

A garden city, a city of the future and a city of death. Culture.pl presents a series of snapshots from the history of Tarnów, a city in southeastern Poland.

Mirga-Tas' strategy is a kind of insider ethnography that in its own way continues and responds to the work of her uncle Andrzej Mirga, an ethnographer who studied the Romani community from within. As the artist said 'he […] came from this world, spoke its language, visited places he knew well, where his family lived, photographed people who trusted him'. The photographs by Andrzej Mirga became the starting point for the exhibition The Right to Look at the Szara Kamienica Gallery in Kraków, curated by Wojciech Szymański and Delaine Le Bas. In her art, Małgorzata Mirga-Tas returns to the same neighbourhoods several decades later.


In addition to contemporary topics, Mirga-Tas’s work takes up one of the most important themes in the history of the Roma, although it is almost absent from the broader discourse – Porajmos (a term popularised by Ian Hancock meaning ‘the Devouring’), or the Romani Holocaust. In 2011, in Borzęcin Dolny, the artist created the wooden Monument to the Memory of the Holocaust of the Romani (Gypsies), with the silhouettes of a falling man and woman, to commemorate the local victims of Nazi crimes – the Romani people were one of the two ethnic groups, next to the Jews, designated by the Nazis for complete liquidation; according to estimates, the number of victims of the Porajmos may reach from two hundred thousand to half a million people. On the initiative of Adam Bartosz, the long-term director of the Tarnów District Museum and a researcher of Romani culture, the monument was erected in a forest, at the site where, in July 1942, the Nazis executed 29 Romani. The scale of the silence on the topic of the Romani victims of Nazism is attested to by the fact that this is the world’s first figural monument to commemorate the extermination. Anti-Romani prejudices became apparent when the monument was destroyed by unknown perpetrators in 2016. Soon, a copy was erected in the same place, while the artist kept the fragmented remains of the original as a separate work, involuntarily updated by the act of xenophobic vandalism.


Małgorzata Mirga-Tas is also active as an organiser, educator and activist. During her studies at the Academy of Fine Arts, she joined the ‘Harangos’ Romani Educational Association, which is active in the education of Romani children and youth. Together with the photographer Marta Kotlarska, she has been implementing the project Romani Snap for several years, constituting workshops for children teaching them the pinhole photography technique. Together with two other artists from the Bergitka Roma – Bogumiła Delimata and Krzysztof Gil – she founded the Romani Art movement in 2007.


In the same year, the Roma Pavilion was included in the 52nd Venice Biennale, a major milestone in the struggle for the visibility of art created by Romani artists, which has existed in a kind of limbo for decades – breaking both from the tendencies that dominate the official narratives of contemporary art and from the ideas about folk art, and consequently ignored by researchers of both. Timea Junghaus, the curator of the first Roma Pavilion in Venice, wrote:


In the Footsteps of the Tatars: Poland's Only Muslim Minority

Legend has it that King Jan III Sobieski was so delighted with a Tatar cavalry captain’s service that he gave him as much land in Poland as he could travel around on horseback in one day. This is how Tatars ended up in Poland, in the eastern province of Podlasie.

The concept of Romani contemporary art is one of the greatest achievements of the Roma emancipation movement launched in Europe in the late 1960s. The movement was critical of the more than six-hundred-year-old practices which resulted in the Roma becoming victims of depictions created exclusively by non-Roma. The iconography of European art has thrown them, as ‘Gypsies’, into a conceptual ghetto – an imaginarium created on the basis of false premises and the same schemes – inhabited by wild people, criminals, welfare recipients, exotic prostitutes and beautiful children living in extreme poverty, yet happy.


The first Roma Pavilion was also unique because, unlike other pavilions that have made their debut in recent years, such as those dedicated to African countries, it went beyond the format of national representation shaped in the 19th century, in the ‘century of nations’ when the Biennale was founded.

Mirga-Tas is also the originator of the international open-air events called Jaw Dikh! (in English: 'come and see!') held in Czarna Góra between 2012 and 2016. The small mountain town was visited mainly, but not exclusively, by Romani artists, who had a chance to meet and connect with one another. The open-air workshops strengthening the transnational integration of Romani artists, although organised in inconspicuous circumstances, also played one of the key roles from the point of view of contemporary Roma art. In 2017, the artist also co-founded the European Roma Institute for Arts and Culture (Eriac) in Berlin.


29. Ćwiczenia Ceroplastyczne (29. Ceroplastic Exercises, 2020) is one of the most moving exhibitions created my Małgorzata Mirga-Tas. The artist created wax moulds of the monument figures and the remains of the damaged epitaph commemorating the extermination of the Romani people near Borzęcin Dolny. In the spring of 2016, perpetrators damaged the monument. Once again the Romani men and women were killed by Poles. The artist did not try to restore the original image of the monument or the sculptures, as she did before. What interested her was not a renewed commemoration of the concrete crime of the summer 1942 that occurred during the Samudaripen, but rather the commemoration of the very fact of destroying the monument, which was a sort of a symbolic murder as well as a historical reconstruction of the original crime. Thus the artist did not recombine the mutilated figures into a whole. Quite the opposite: she tended to the wounds, emphasizing their fragmentary character, fragility and precariousness of the remains. The material in which she moulded the remains is highly symbolic. Wax is a sculptural material ‘truer than the truth’ and since antiquity inseparably connected with veristic portrayal of the dead. At the same time, it is a material strongly featured in Romani culture, especially within the funeral and apotropaic practices; it was used for making magical sculptures presenting the corpse, devil and cross.


The exhibition Wyjście z Egiptu (Out of Egypt, 2021) organized by the Arsenal gallery in Bialystok comprised three series of works from the years 2016–2021. Two of them: Wesiune thana and 29 have been shown as part of collective and solo exhibitions at the KW Institute for Contemporary Art in Berlin, Centre of Polish Sculpture in Orońsko, and the Sądecki Ethnographic Park in Nowy Sącz. Out of Egypt – the third series and inspiration for the title labelling the entire exposition – is an all-new sequence of monumental collages created as bespoke pieces for the show.


Do You Need to be Christian to be Human?: An Interview with Mariusz Gałczyński on Multiculturalism

Never have Europeans discussed immigration so intensely as right now, as thousands of Syrian refugees wait at the borders for EU countries to decide their fate. Culture.pl spoke to Mariusz Gałczyński, an expert on multicultural education at Canada's McGill University, to discuss whether peaceful co-existence in culturally-diverse societies is possible.

All presented cycles explore themes typical for the artist’s entire oeuvre: the convoluted Roma and Roma-Polish identity, history of the Romani people, and transcultural and transnational experience of being a Roma. Concurrently, each of the series tells a different micro-story centered on an aspect essential from the artist’s vantage point. The Wesiune thana cycle deals with the issue of musealising Roma culture, and attempts at displaying it in the context of folk cultural heritage when the eponymous Out of Egypt refers to seventeenth-century etchings by printmaker Jacques Callot – scenes from the life of contem-poraneous Romani people.


Callot’s etchings known as La vie des Egyptiens (Life of the Egyptians) – and, therefore, the en-tire European iconographic tradition of presenting the Roma – have become a point of de-parture for Mirga-Tas’ new cycle of works. This goes to show that as early as in the 15th-century, artists had begun showing the Roma as a collective entity, Oriental-style. They were ethnographised, and duly construed as the Other of Europe. Combined with poverty, Oriental details in the attire were displayed as testimony to their non-European origin, well-deserved punishment of wandering travellers, and bitterness of having been banished from their homeland, likened with Egypt at the time. Other renderings were produced at the time, associating Egyptian-Gypsy garments with pursuits typical for the new arrivals. According to the collective portrait outlined in iconographic sources, the Roma were arrivals from the East, pickpockets, thieves, con-men, and ever so slightly bizarre vagrants and beggars. n a gesture of artistic appropriation, Małgorzata Mirga-Tas processes historical representations of the Romani people, all of which without exception – a fact of immense importance – created by non-Roma artists. Therefore, deprived of Roma self-portraits or narratives of how the Ro-mani people perceived themselves, the artists explores a retrospective and phantasmatic at-tempt at (re)creating and restituting the image. In an ironic reference to non-Roma visual tes-timonies of the past, she further proceeds to undermine stereotypes built over the years – metaphorically leaving Egypt.


Małgorzata Mirga-Tas combines various techniques to talk about identity and show the daily life of her community. The artist is the winner of Paszporty Polityki 2020 "for art that effectively, remarkably and wisely talks about identity and heritage. For the continued search of prevailing values and universals in Romani tradition."


The Disputed Origins of Poland's Smallest Ethnic Minority

346 – this is how many Karaites live in Poland according to the most recent census. They are by far the smallest of the four ethnic minorities established in Poland, but their culture is distinctive and should not be overlooked.


Selected solo exhibitions:

2021 – Wyjście z Egiptu (Out of Egypt), Arsena Gallery, Białystok

2020 – 29. Ćwiczenia ceroplastyczne (29. Ceroplastic Exercises), Centre of Polish Sculpture in Orońsko

2019 – Side Thawenca: Sewn with Threads, Antoni Rząsa Gallery, Zakopane

2018 – Medzi Svetmi, Diera do Sveta, Liptovský Mikuláš, Slovakia

2017 – On the Border, Polish Institute, Bratislava, Slovakia ; On the Road - Andro Drom, Mathare Art Gallery, Nairobi, Kenya

2016 – Małgorzata Mirga-Tas, Nationaltheater, Skopje, Macedonia

2011 – Małgorzata Mirga-Tas, Schindler Factory, Kraków

Selected group exhibitions:

2020/2021 – Warsaw Under Construction 12 Something in Common, Museum on the Vistula, Warsaw

2020 – 11. Berlin Biennale the crack begins within, KW Institute for Contemporary Art in Berlin

2019 – Third Art Biennial in Timișoara, Romania; 44th Biennale of Painting Bielsko Autumn, Bielsko-Biała; Speaking in One’s Own Voice, Promocyjna Gallery, Warsaw

2018 – The Right to Look, Szara Kamienica Gallery, Kraków

2017 – Transcending the Past, Shaping the Future, ERIAC, Berlin, Niemc; The Universe Is Black, Moravian Gallery, Brno, Czech Republic; 42nd Biennial of Painting Bielsko Autumn, Bielsko-Biała

2016 – pany chłopy chłopy pany, BWA Sokół, Sądecki Ethnographic Park, Nowy Sącz; Kali Berga, Księgarnia | Exhibition, Kraków

2011 – International Sculpture Symposium, Bratislava, Slovakia; Romani Art, Ethnographic Museum, Warsaw

2008 – Romani Art, Ethnographic Museum, Tarnów

giovedì 23 settembre 2021

Gian Maria Tosatti al Padiglione Italia



 Si attende l'ufficializzazione di  Gian Maria Tosatti come l'artista del Padiglione Italia alla prossima Biennale di Arti Visive

Ne ha dato informativa Eugenio Viola, curatore incaricato lo scorso 15 maggio alla gestione del Padiglione Italia.

martedì 6 luglio 2021

Correzione di Ignasi Aballì per il Padiglione Spagna alla prossima 59ª Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia

 
Correzione è il titolo del lavoro che Ignasi Aballí realizzerà per il Padiglione della Spagna in occasione della 59ª Biennale d'Arte, sotto la curatela di Bea Espejo.

Il progetto, che potrebbe definirsi una sfida all'attenzione e alla percezione dello spettatore, segue la scia di precedenti opere in cui l'artista costruisce un sottile processo di interrogazione dello spazio espositivo, sia dipingendo le pareti di un museo in diverse gradazioni di bianco, sia disegnandone alcune immaginarie per separare a priori spazi indivisibili.
 
La Biennale 2022 coinciderà con il centenario del Padiglione spagnolo.
 
Sin dagli esordi negli anni Ottanta, Ignasi Aballí si è soffermato su una riflessione concettuale della rappresentazione e percezione dei media come la pittura, gli oggetti, la fotografia, la fiction, il cinema o il video. Il suo lavoro inventa e riorganizza testi, immagini, materiali e processi, confrontando la presenza e l'assenza, il materiale e l'immateriale, il visibile e l'invisibile, la trasparenza e l'opacità, l'appropriazione e la creazione. Così da mettere in relazione la sovrabbondanza di immagini nella società odierna con la scarsità di significati che possiamo attribuirgli. Nella sua proposta per il Padiglione della Spagna sono molti i temi che costantemente hanno accompagnato il suo lavoro: il tempo e il suo segno, la duplicità di nominare e mostrare, l'assenza e la scomparsa, l'idea di sprecare, l'errore e la correzione o i limiti del materiale di lavoro.
 
IGNASI ABALLÍ (Barcellona, 1958) vive e lavora a Barcellona. Ha tenuto diverse mostre personali in Spagna e all'estero, tra cui quella al Macba di Barcellona (2005), alla Fondazione Serralves di Porto (Portogallo, 2006), alla IKON Gallery di Birmingham (UK, 2006), allo ZKM di Karlsruhe (Germania, 2006), alla Pinacoteca dello Stato di Sao Paulo, Brasile (2010), al Museo Artium di Vitoria – Spagna (2012), al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid (2015), alla Fondazione Miró di Barcellona (2016), al Museo d'Arte dell'Università Nazionale della Colombia di Bogotá (2017), alla Galleria Kula (Split) e al Museo d’Arte Contemporanea di Zagabia in Croazia (2018). Ha esposto in diverse occasioni presso le gallerie Estrany-de la Mota di Barcelona, Elba Benítez di Madrid e Meessen De Clercq di Bruxelles. Recenti invece sono le sue esposizioni nelle gallerie Proyecto Paralelo (Città del Messico, Messico), Thomas Bernard-Cortex Athletico (Parigi, Francia), Pedro Oliveira (Porto, Portogallo) e Nordenhake (Berlino, Germania).
 
BEA ESPEJO (Vilanova i la Geltrú, Barcellona, 1977) vive e lavora a Madrid. Attualmente dirige il Programma di Arti Visive Madrid45 della Comunità di Madrid, basato sull'insegnamento attraverso laboratori con artisti e professionisti del settore. Tra le sue ultime mostre curate si segnalano: Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío di Ana Laura Aláez presso il Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Madrid) e l'Azkuna Zentroa di Bilbao, e Los blancos secretos de su panza, una rassegna della collezione RAC di Carlos Rosón per la Città della Cultura di Santiago de Compostela. Dal 2002 al 2007 ha lavorato per il programma espositivo della galleria Estrany-de la Mota a Barcellona. Come critico d’arte ha scritto per El Cultural e attualmente lo fa per Babelia di El País. Nel 2017 ha ricevuto il Premio GAC per la Critica d'Arte.

lunedì 21 giugno 2021

Angela Su per Hong Kong

 


Sarà Angela Su a rappresentare Hong Kong alla prossima Biennale Arti Visive di Venezia, conosciuta soprattutto per le sue pratiche molto variegate fra disegno, performance, video e installazioni.

L'artista è stata selezionata dal museo M+ di Hong Kong e l'Hong Kong Arts Development Council.


mercoledì 16 giugno 2021

Parte il bando Biennale College Arte per giovani artist* under 30

 


 

Al via da oggi il primo bando Biennale College Arte, il cui workshop avrà inizio dal prossimo autunno 2021. L’obiettivo è quello di affiancare all’Esposizione Internazionale d’Arte un laboratorio di alta formazione, ricerca e sperimentazione per lo sviluppo e la produzione di progetti di artiste/i emergenti under 30 provenienti da tutto il mondo.

 

Il bando internazionale Biennale College Arte resterà aperto per sei settimane, da mercoledì 16 giugno fino a lunedì 26 luglio 2021.

 

Il bando è riservato a giovanni artiste/i emergenti under 30 provenienti da tutto il mondo (che non abbiano compiuto 31 anni alla data di scadenza di presentazione delle domande), che abbiano partecipato ad almeno una mostra collettiva e al cui lavoro sia stata dedicata almeno una mostra personale in spazi espositivi riconosciuti in ambito nazionale e/o internazionale.

 

Saranno selezionati 12 progetti e le/gli artiste/i saranno invitate/i a partecipare a un workshop di 10 giorni dedicato allo sviluppo dei progetti proposti, che si svolgerà a Venezia nel mese di ottobre 2021.

 

Il workshop, che alternerà momenti individuali e di gruppo, sarà coordinato dalla Direttrice del Settore Arti Visive, Cecilia Alemani, assieme a curatori e artisti, tutor e mentori direttamente impegnati allo sviluppo dei progetti con i partecipanti.

Al termine del workshop le/gli artiste/i avranno a disposizione 3 settimane per lavorare sui progetti e consegnare una proposta finale. Sulla valutazione dei materiali Cecilia Alemani selezionerà fino a quattro progetti, che potranno accedere a un contributo massimo di 25.000 euro per la realizzazione del lavoro finale.

 

Le opere saranno presentate, fuori concorso, nel contesto della 59. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, Il latte dei sogni / The Milk of Dreams, a cura di Cecilia Alemani.

 

Il Presidente della Biennale Roberto Cicutto dichiara:

«Con l’avvio del College Arte, La Biennale offre un’ulteriore importante opportunità a giovani artisti di allargare il raggio dei propri rapporti professionali e soprattutto di stringere relazioni con altri giovani e con affermati professionisti. Le artiste e gli artisti saranno accompagnati in una nuova fondamentale tappa della loro crescita dal curatore dell’Esposizione Internazionale e dai tutor che li assisteranno. Dopo Cinema, Danza, Teatro, Musica e Archivio Storico, l’Arte non poteva mancare a questo approfondimento che caratterizza le attività della Biennale da molti anni. Sono grato alla Curatrice della Biennale Arte 2022, Cecilia Alemani, di aver accettato di aprire questa nuova sfida, che la carica di più responsabilità e lavoro. Ma sono certo che i risultati, che saranno raggiunti a partire dal prossimo anno e per molti anni a venire, ripagheranno largamente dell’impegno investito. La Biennale è lieta di accogliere nella propria famiglia ancor più giovani artisti, ai quali va un grande in bocca al lupo per l’affrontare con noi questa nuova straordinaria esperienza.»

 

La nascita del College per questa nuova disciplina si prefigura di importanza decisiva per il Settore Arti Visive della Biennale. Tale programma di attività permanenti, “oltre l’Esposizione”, assume così una configurazione del tutto inedita, volta a favorire lo sviluppo di nuove energie creative.

 

Come partecipare

Il testo completo del bando Biennale College Arte è disponibile online su www.labiennale.org

Tutti i materiali richiesti dovranno essere trasmessi entro il 26 luglio.

 

Calendario e programma

16 giugno 2021 - Lancio bando “Biennale College Arte”

26 luglio 2021 - Chiusura bando “Biennale College Arte”

23 agosto 2021 - Comunicazione del risultato ai selezionati

15 settembre 2021 - Annuncio dei 12 progetti e artiste/i selezionati

1-10 ottobre 2021 (giorni di viaggio: 30 settembre – 11 ottobre) a Venezia - workshop per le/gli artisti dei 12 progetti selezionati

1 novembre 2021 scadenza per la consegna del progetto finale, del budget e del calendario richiesti alle/agli artiste/i dei 12 progetti selezionati

Entro il 15 novembre 2021 - Comunicazione dei risultati della selezione finale

11 – 17 gennaio 2022 - workshop online di pre-produzione

1 aprile 2022 - data di consegna a Venezia


 

Biennale College

Biennale College è il progetto della Biennale di Venezia dedicato alla formazione e al supporto dei giovani in tutti i settori artistici e nelle attività proprie della struttura organizzativa della Biennale. Già attivo per i settori di Cinema, Danza, Musica, Teatro e Archivio Storico, Biennale College nasce con l’obiettivo di promuovere giovani talenti, offrendo loro di operare a contatto con Maestri per la messa a punto di “creazioni” che diventeranno parte dei programmi dei Settori artistici.  

 

Hashtag ufficiale #BiennaleCollegeArte

 Facebook: La Biennale di Venezia | Twitter: @la_Biennale

Instagram: la biennale | Youtube: BiennaleChannel

mercoledì 9 giugno 2021

Il latte dei sogni

 

Roberto Cicutto e Cecilia Alemani_Photo by Andrea Avezzù - Courtesy La Biennale di Venezia

Oggi dalla sezione della Biennale Arte è arrivato il titolo scelto dalla curatrice Cecilia Alemani per la prossima edizione che si svolgerà nel 2021, che è "Il latte dei sogni", bella frase ispirata ad un testo di Leonora Carrington.


CS

 Il Presidente della Biennale di Venezia, Roberto Cicutto, e la Curatrice della 59. Esposizione Internazionale d’Arte, Cecilia Alemani - nominata Direttrice del settore Arti Visive dal precedente Cda il 10 gennaio 2020 -, annunciano oggi il titolo e il tema della Biennale Arte 2022, che si svolgerà dal 23 aprile al 27 novembre 2022 (pre-apertura 20, 21, 22 aprile) ai Giardini, all’Arsenale e in vari luoghi di Venezia.

La 59. Esposizione Internazionale d’Arte si intitolerà Il latte dei sogni. La mostra prende il nome da un libro di Leonora Carrington in cui, come spiega Cecilia Alemani, «l’artista surrealista descrive un mondo magico nel quale la vita è costantemente reinventata attraverso il prisma dell’immaginazione e nel quale è concesso cambiare, trasformarsi, diventare altri da sé. La mostra propone un viaggio immaginario attraverso le metamorfosi dei corpi e delle definizioni dell’umano.»

Cecilia Alemani spiega cosi` la sua scelta:
«La mostra prende il nome da un libro dell’artista surrealista Leonora Carrington (1917-2011), che negli anni Cinquanta in Messico immagina e illustra favole misteriose dapprima direttamente sui muri della sua casa, per poi raccoglierle in un libricino chiamato appunto Il latte dei sogni. Raccontate in uno stile onirico che pare terrorizzasse adulti e bambini, le storie di Carrington immaginano un mondo libero e pieno di infinite possibilità, ma anche l’allegoria di un secolo che impone sull’identità una pressione intollerabile, forzando Carrington a vivere come un’esiliata, rinchiusa in ospedali psichiatrici, perenne oggetto di fascinazione e desiderio ma anche figura di rara forza e mistero, sempre in fuga dalle costrizioni di un’identità fissa e coerente.»

«La mostra nasce dalle numerose conversazioni intercorse con molte artiste e artisti in questi ultimi mesi. Da questi dialoghi sono emerse con insistenza una serie di domande che non solo evocano questo preciso momento storico in cui la sopravvivenza stessa dell’umanità è minacciata, ma che riassumono molte altre questioni che hanno dominato le scienze, le arti e i miti del nostro tempo. Come sta cambiando la definizione di umano? Come si definisce la vita e quali sono le differenze che separano l’animale, il vegetale, l’umano e il non-umano? Quali sono le nostre responsabilità nei confronti dei nostri simili, di altre forme di vita e del pianeta che abitiamo? E come sarebbe la vita senza di noi?»

«La mostra si concentra in particolare attorno a tre aree tematiche: la rappresentazione dei corpi e le loro metamorfosi; la relazione tra individui e tecnologie; i legami che si intrecciano tra i corpi e la Terra...»


Da parte sua il Presidente Roberto Cicutto ha dichiarato:

«Cecilia Alemani mette al centro del suo “viaggio immaginario attraverso le metamorfosi dei corpi e delle definizioni dell’umano” una serie di domande su “questioni che hanno dominato le scienze, le arti e i miti del nostro tempo”.

Anche il titolo della 17. Mostra Internazionale di Architettura curata da Hashim Sarkis è una domanda: “Come vivremo assieme?”.

Due scelte frutto dei tempi correnti privi di certezze che caricano l’umanità di immense responsabilità.

Cecilia Alemani nel 2020 ha coordinato il lavoro dei direttori di tutti i settori della Biennale (Arte, Architettura, Cinema, Danza, Musica, Teatro) per realizzare la Mostra Le muse inquiete. La Biennale di fronte alla storia.

L’inquietudine e l’assunzione di responsabilità propria dell’atto artistico erano l’ispirazione di quella Mostra che raccontava molta parte della storia della Biennale. Oggi il punto di partenza della prossima Biennale d’Arte pare essere la reinvenzione di nuove e più sostenibili relazioni fra gli individui e tutto ciò che popola l’universo in cui viviamo.

Non poteva esserci modo migliore per Cecilia Alemani di aprire, attraverso queste due esperienze, nuove porte per le Biennali del futuro.»

La 59. Esposizione Internazionale d’Arte presenterà, come di consueto, le Partecipazioni Nazionali con proprie mostre nei Padiglioni ai Giardini e all’Arsenale, oltre che nel centro storico di Venezia. Anche per questa edizione si prevedono selezionati Eventi Collaterali, proposti da enti e istituzioni internazionali, che allestiranno le loro esposizioni e le loro iniziative a Venezia.

Un ringraziamento speciale a Leonora Carrington Estate.

La prossima Biennale Arte avrà corso a Venezia (Arsenale e Giardini) dal 23 Aprile al 27 novembre 2022 (pre-apertura 20, 21 e 22 aprile).

Sito web ufficiale www.labiennale.org

Hashtag ufficiali: #BiennaleArte2022 #IlLatteDeiSogni #TheMilkOfDreams

venerdì 21 maggio 2021

Eugenio Viola è il curatore del Padiglione Italia

 


Il Ministro della Cultura, Dario Franceschini, ha scelto il curatore del Padiglione Italia della 59. Esposizione Internazionale d’Arte della Fondazione La Biennale di Venezia, che verrà realizzata da Cecilia Alemani.

Al termine della selezione a inviti, promossa dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea, il Ministro, nella terna sottopostagli dal direttore generale, Onofrio Cutaia, ha infatti individuato nel progetto di Eugenio Viola la proposta che rappresenterà il nostro Paese dal 23 aprile al 27 novembre 2022 alle Tese delle Vergini dell’Arsenale, dove da quindici anni ha sede il Padiglione Italia. L’esposizione proporrà una riflessione sulle urgenze dell’Italia di oggi, suggerendo chiavi di lettura e soprattutto di risoluzione e riscatto alla situazione attuale attraverso la creazione di un percorso.

“Per una Biennale d’arte curata per la prima volta da una donna italiana – ha dichiarato il Ministro Franceschini – il Padiglione Italia non può che essere portatore di una visione creativa, ambiziosa e innovativa come quella di Eugenio Viola, capace di indagare a fondo i profondi mutamenti innescati dalla pandemia nella nostra società”.

“Accolgo la nomina a curatore del Padiglione Italia 2022 alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia - ha dichiarato Eugenio Viola - come un grande onore e privilegio. Ringrazio il Ministro della cultura Dario Franceschini e la Direzione Generale Creatività Contemporanea per la fiducia accordatami. Lavorerò al massimo dell’impegno, eticamente, consapevole della responsabilità per il prestigioso incarico che mi è stato affidato”.

Eugenio Viola è l’attuale Capo Curatore del MAMBO – Museo de Arte Moderno de Bogotà, in Colombia; è stato Senior Curator del PICA- The Perth Institute of Contemporary Arts a Perth in Australia, nonché curatore del Museo MADRE di Napoli, dal 2009 al 2016.  Qui ha co-curato le prime grandi mostre istituzionali in Italia dedicate a Boris Mikhailov e a Francis Alӱs, un progetto di Daniel Buren e le retrospettive di Vettor Pisani e Giulia Piscitelli. Come guest curator ha collaborato con numerose istituzioni italiane e internazionali, curando, tra le altre,  antologiche dedicate a Regina José Galindo (Frankfurter Kunstverein, Francoforte, 2016); Karol Radziszewski (CoCA- Centre of Contemporary Art Torun, 2014); Mark Raidpere (EKKM- The Contemporary Art Museum of Tallinn, 2013); Marina Abramović (PAC, Milano, 2012); Francesco Jodice (MSU-The Museum of Contemporary Art, Zagabria, 2011); ORLAN (MAMC-Musée d’art moderne et contemporain, Saint-Étienne, 2007); Nel 2015 ha curato il Padiglione dell’Estonia alla 56. Biennale di Venezia.

Complessivamente ha curato oltre 70 mostre in Italia e nel mondo. Viola ha al suo attivo più di 50 pubblicazioni, tra libri e cataloghi.

La Direzione Generale Creatività Contemporanea, che ha gestito la selezione, ha chiesto espressamente ai dieci curatori invitati di affrontare i temi attuali e urgenti della società di oggi, esplorandoli attraverso la trasversalità e l’interdisciplinarietà propri dei linguaggi del contemporaneo, al fine di creare mondi e immaginari in grado di dialogare in maniera costruttiva con gli spazi del Padiglione Italia – dal 2006 alle Tese delle Vergini in Arsenale – che occupa 1200 mq, a cui si aggiungono 900 mq di spazio in esterno.

La selezione dei curatori è stata eseguita tenendo conto delle esperienze maturate in campo nazionale e internazionale di alcuni dei principali rappresentanti italiani della curatela d’arte contemporanea, valutando le loro ricerche critiche e le esperienze curatoriali, oltre alla loro attività scientifica, garantendo equa ed equilibrata distribuzione di genere, nonché la presenza di giovani generazioni, al fianco di più affermati professionisti.

lunedì 26 aprile 2021

Negozio Olivetti ospiterà le opere di Lucio Fontana e Antony Gormley


Il prossimo anno gli spazi dello storico negozio Olivetti in Piazza San Marco progettato dal grande architetto Carlo Scarpa, in Piazza San Marco e ora gestito dal Fai - Fondo Ambiente Italiano ospiterà una mostra con le opere di Lucio Fontana e Antony Gormley con la curatela di Luca Massimo Barbero con lo sponsor di Associazione Arte Continua APS, B17 e Galleria Continua.

mercoledì 21 aprile 2021

Prossimamente Biennale secondo Artsy

 


Vi segnalo questo interessante e ampio articolo che è uscito oggi sulla prossima Biennale di Venezia sul sito Artsy.

mercoledì 24 marzo 2021

Terrence Musekiwa per il Padiglione del Zimbabwe

 


Terrence Musekiwa per il Padiglione del Zimbabwe


CS

Catinca Tabacaru Gallery is thrilled to announce that Terrence Musekiwa has been selected to represent Zimbabwe at the 59th Venice Biennale. The Pavilion is curated by Fadzai Muchemwa.

Musekiwa participated in the Gallery's inaugural CTG Collective art residency in Harare in 2015, and in 2017 he presented his first solo exhibition at Catinca Tabacaru New York. Since that time he has exhibited internationally in public and private institutions in London, Lagos, Mänttä, Mexico City, Amsterdam, Utrecht, L'Isle-sur-la-Sorgue, Miami, New York, Tel Aviv, Harare, and at the National Gallery of Zimbabwe.

Also coming up for Musekiwa is a third solo exhibition with the Gallery in Bucharest, and inclusion in the 14th Dakar Biennale in Senegal.

Sigurður Guðjónsson e Mónica Bello

 


L'Islanda per il 2022 ci porterà il lavoro di Sigurður Guðjónsson che si sta strutturando in un interessante progetto che si realizzerà col supporto della curatrice Mónica Bello.


CS

The Icelandic Art Center is delighted to announce that Sigurður Guðjónsson, Iceland’s chosen artist representation at the 59th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, will collaborate with curator Mónica Bello to realise his project for the Pavilion of Iceland, which will be located in the Arsenale for the first time. 

Working with moving imagery, sound and installation, Sigurður Guðjónsson is known for his powerful, immersive works that create an organic synergy between visuals, audio and space, carrying carefully constructed soundscapes. His works often investigate man-made construction, machinery and the infrastructure of technical relics, in conjunction with natural elements, set within the form of complex loops and rhythmic schemes. His multi-faceted compositions allow for the viewer to be engaged in a synaesthetic experience, linking vision and hearing in ways that seem to extend the perceptual field and produce sensations never felt before.


Mónica Bello focuses her curatorial work on the narratives of today’s techno-scientific culture and the way artists instigate new enquiries around emergent phenomena, such as the role of science and new knowledge in the perception of reality. Since 2015 she has held the position of Curator & Head of Arts at CERN, the European Organisation for Nuclear Research in Geneva.

On their collaboration, Mónica Bello notes: “I am very enthusiastic about working with Sigurður Guðjónsson for the Pavilion of Iceland. His artistic practice intrigues me greatly because of the experimentation and unique aesthetic that he brings into material natures. In his work he succeeds to expose what hides behind lenses, optical instrumentation and scientific devices, revealing the richness and elegance of matter. These ideas inspire me profoundly and I look forward to accompany and support him as curator for this important project.”

Sigurður Guðjónsson says: “I am humbled and honoured to get the chance to exhibit my work at the Venice Biennale, and am greatly inspired by my collaboration with Mónica Bello. As we come from two different backgrounds, she offers a fresh perspective on the project and I'm curious and thrilled to be working together.” 

For the Biennale Arte 2022, the Pavilion of Iceland will, for the first time, be located in the Arsenale. Since the Icelandic Art Center became the commissioner of the Pavilion of Iceland in 2007, the pavilion has been located in various venues across the city, most recently in Spazio Punch, a warehouse on the island of Giudecca, where Egill Sæbjörnsson unleashed his trolls Ūgh and Bõögâr in Out of Controll in Venice (2017) and Hrafnhildur Arnardóttir / Shoplifter unveiled her cavernous, hypernature installation Chromo Sapiens


 

Sigurður Guðjónsson
Sigurður Guðjónsson is an Icelandic visual artist based in Reykjavík. His work has been featured in numerous solo and group exhibitions around the world, in such institutions as the National Gallery of Iceland, Reykjavik Art Museum, Scandinavia House in New York, BERG Contemporary in Reykjavík, Frankfurter Kunstverein in Germany, Arario Gallery in Beijing, Liverpool Biennial in the UK, Tromsø Center for Contemporary Art in Norway, Hamburger Bahnhof in Berlin, and Bergen Kunsthall in Norway. In 2018 he was awarded the Icelandic Art Prize, Visual Artist of the Year, for his exhibition Inlight, commissioned by Listasafn ASÍ, which featured video installations set within the defunct St. Joseph’s Hospital in Hafnarfjörður, Iceland. He often collaborates with musical composers, resulting in intricate work, allowing the visual compositions to enchantingly merge with the musical ones in a single rhythmic and tonal whole. More information about Sigurður Guðjónsson is available here.

Mónica Bello
Mónica Bello is a Spanish curator and art historian. Since 2015 she has held the position of Curator & Head of Arts at CERN, the European Organisation for Nuclear Research in Geneva. In this role she curates the research-led artistic residencies at the Laboratory and the new art commissions that reflect on the exchanges between artists and scientists at CERN. Most recently, she curated the exhibition Quantum which has been touring different art institutions in Europe since 2018, and was the guest curator of the Audemars Piguet Art Commission for Art Basel 2018. Prior to her arrival in Geneva she held the position of Artistic Director of VIDA (2010-2015) at Fundación Telefónica, Madrid, a pioneering award that explored cross-cultural expressions around the notion of life. From 2007-2010, she initiated and ran the Department of Education at Laboral Centro de Arte, Gijón (Spain). She has curated exhibitions and events across Europe and further afield, featuring contemporary artists, designers, scientists and theorists of different disciplines. As an internationally recognised figure within art and science networks, Bello is a regular speaker at conferences and participates in selection committees, advisory boards and mentorship programs. More information about Mónica Bello is available here.

Icelandic Art Center

Based in Reykjavik, the Icelandic Arts Center (IAC) is dedicated to promoting Icelandic visual arts internationally. Affiliated with Iceland’s Ministry of Education, Science and Culture, the IAC strengthens networks between the visual arts scene in Iceland and the global cultural sphere. Through funding and logistical assistance, the IAC assists Icelandic artists and arts professionals in producing projects abroad and facilitates cooperation with public and private associations, organisations, and enterprises worldwide. The Icelandic Art Center (IAC) is commissioner of the Pavilion of Iceland at the 59th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia on behalf of the Icelandic Ministry of Education, Science and Culture and has been commissioner since 2007. More information is available on the Icelandic Art Centre's website.