David Černý - Artocalypsa Exhibition to open in Venice

● Czech sculptor David Černý unveils his first solo exhibition in Venice, coinciding with the 61st Venice Biennale

● Running from 6th May to 6th November 2026 at Il Teatro dell'Arte (NuoveFondamenta), Artocalypsa surveys three decades of Černý’s provocative practice.

● The exhibition will present works from across Černý’s career, exploring the antiauthoritarian
challenge inherent in his sculptural work, particularly in the depiction of weapons and military imagery.

David Černý, Entropa (2009)

Czech artist David Černý will present Artocalypsa, his first solo exhibition in Venice, from
May 6 – November 6, coinciding with the 61st Venice Biennale.

The exhibition takes place at the historic former theatre Il Teatro dell'Arte (NuoveFondamenta)
and spans three decades of Černý’s interrogation of power and politics, his lampooning of
authority, and society’s enduring and problematic fascination with weapons and military
iconography, a recurring theme in his work.

The exhibition revels in Černý’s capacity to surprise, unsettle, and provoke, compelling
audiences to confront uncomfortable political realities through irony and satire. A disruptive
force in contemporary European sculpture, his subversive practice often blurs the boundaries
between high-concept expression and biting social commentary.

His engagement with military iconography began in the early 1990s when, as an art student, he painted Prague’s Monument to Soviet Tank Crews, (1945) bright pink, and placed a raised
middle finger on its turret. The act established his reputation for bold, sometimes absurdist
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public interventions.

Highlights include Entropa, shown here in a smaller edition of the original kinetic sculpture
created for the Czech Republic’s EU presidency in 2009. Although initially presented as a
collaboration among artists from all of the 27 EU member states, Černý and three friends
instead developed fictional artists and created images of exaggerated national stereotypes,
from a representation of Denmark in Lego to Romania as Dracula’s castle and a France on strike.

When unveiled at the European Council, the work generated immediate controversy and
became well-known as an international artistic hoax. 

The early work Guns, (1993) examines the visual appeal of weapons. By enlarging handguns to monumental scale, Černý highlights the craftsmanship and design often used to sanitize the
reality of their purpose. The sculpture is presented alongside new work, Nuke Chair (2025), a
kinetic armchair made of hyper-realistic burnt skin, which appears to be breathing. Placed near a sculpture of an atomic mushroom cloud, it appears scorched by a nuclear explosion,
contrasting domestic comforts with catastrophic destruction, a satirical nod to the ever-present
threat of modern weaponry in contemporary life.

Works from Černý’s Inventors/Scientists series (2013–2016) are also on view, including
large-scale portraits in polymer assemblage of both Leonardo da Vinci, Wernher von Braun and Robert Oppenheimer. Famed for their inventions and scientific achievements, both contributed to the development of powerful weapons, from Leonardo’s schematics for an armored tank and steam-powered cannons to Oppenheimer’s creation of the atomic bomb. Černý invites viewers to reflect on the double-edged nature of innovation.

Artocalypsa will also feature a new video installation, featuring two opposing screens that
display continuous looped video sequences. One screen features an ape beating the ground
with a bone, - a symbol of the ‘first weapon’ directly referencing the opening scene of Stanley
Kubrick’s iconic film 2001: A Space Odyssey (1968). The second screen shows an aircraft
carrier powering through the sea towards the viewer, representing the evolution of military
technology into the ‘largest weapon’.

In each of these artworks, familiar symbols and images are presented in unexpected ways.
Through dark humour and exaggeration, audiences are asked to reflect on how violence and
power are embedded into our everyday visual landscape.

David Černy said, “Weapons have accompanied me throughout my life as a central and unavoidable phenomenon. They stand at the very summit of human technological achievement, yet they embody the most destructive dimension of our existence. In today’s climate of political tension and collective anxiety, almost every global crisis carries within it the latent threat of armed conflict and violence. In my work, weapons are not merely objects, but mirrors reflecting power, fear, ambition, and the shifting state of humanity itself."

Padiglione Bulgaria

 

The Federation of Minor Practices. Studio Gabbro, Bianca Koleva

Il Padiglione bulgaro - The Federation of Minor Practices - è concepito come sede di un laboratorio di ricerca ipotetico che opera nell'ambito di un immaginario politico orientato alla cura. Proiettato oltre il presente, il padiglione guarda all'inizio del XXI secolo come al momento in cui sono diventate visibili per la prima volta le condizioni di questo futuro.

 Il recente passato di questa formazione è presentato attraverso quattro film realizzati appositamente per l'occasione:

- “UWU Channel Radiance” di Gery Georgieva, che mobilita miti e profezie digitali per mettere in discussione i regimi di identità, piacere e verità mediata.

- “Spray and Pray” di Veneta Androva, un'opera che esamina le infrastrutture della disinformazione attraverso l'ecologia dei “mushroom websites” e dei sistemi algoritmici.

- “Geography Is Destiny” di Rayna Teneva è un nuovo film che ripercorre l'intreccio tra lavoro, cura e violenza nella Valle delle Rose che circonda la città bulgara di Kazanluk, dove la raccolta delle rose coesiste con la produzione di armi.

- Il lavoro in corso di Maria Nalbantova presso la palude di Dragoman in Bulgaria si sviluppa come una pratica a lungo termine di cura ecologica, che combina ricerca artistica, manutenzione ambientale e registrazione di narrazioni locali umane e non umane.

 Pensato come un ambiente interattivo basato su un videogioco, The Federation of Minor Practices raccoglie i segnali dei quattro film e li attiva attraverso il gioco come pratica di orientamento collettivo. Dal punto di vista di un futuro immaginario, il Padiglione appare come un primo laboratorio di sperimentazione, dove atti condivisi di attenzione, cura e gioco hanno iniziato a costruire un'immaginazione politica post-sovrana.

 La curatrice Martina Yordanova afferma: “Il Padiglione non propone un futuro. Sostiene le condizioni attraverso le quali i futuri iniziano a prendere forma collettivamente, con attenzione e cura”.

 La commissaria Dessislava Dimova, Galleria Nazionale di Sofia, sostiene che: “The Federation” è un audace progetto curatoriale che intreccia le pratiche di quattro artisti che non hanno mai lavorato insieme prima d'ora in una narrazione condivisa. Il padiglione segna la quarta partecipazione consecutiva della Bulgaria alla Biennale Arte negli ultimi anni. Stiamo costruendo una forte presenza a Venezia attraverso progetti che testimoniano la vitalità della scena artistica bulgara e la sua consapevolezza della nostra responsabilità storica nel presente”.

Il Padiglione della Repubblica di Bulgaria alla 61. Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia è organizzato dal Ministero della Cultura della Repubblica di Bulgaria e prodotto dalla Galleria Nazionale di Sofia.

 

BIOGRAFIE

 Veneta Androva (nata nel 1985 a Sofia, Bulgaria) è un'artista visiva che vive e lavora tra Berlino e Sofia. Lavorando con immagini in movimento basate su CGI (Computer Graphic Interface), video multicanale e formati spaziali, esamina come le realtà contemporanee siano plasmate dai sistemi tecnologici, dalle informazioni mediate e dalle strutture di potere. Androva ha studiato Belle Arti all'Accademia d'Arte Weißensee di Berlino, oltre a Filosofia e Storia dell'Arte all'Università Humboldt di Berlino.

https://venetaandrova.com/

 Gery Georgieva (nata nel 1986 a Varna, Bulgaria) è un'artista multimediale che vive e lavora a Londra. La sua pratica artistica comprende video, performance, musica, installazioni e sculture. Attraverso l'improvvisazione e la messa in scena di sé stessa, esamina come si configura l'identità culturale, mettendo in discussione le regole dei mezzi di comunicazione, i ruoli convenzionali di genere e il modo in cui questi si scontrano con le idee di nazionalità. Ha studiato Belle Arti alla Goldsmiths, University of London, e ha completato i suoi studi post-laurea alla Royal Academy Schools di Londra (GB).

 Maria Nalbantova (nata nel 1990 a Sofia, Bulgaria) è un'artista visiva che lavora con tecniche miste e varie tecniche, tra cui scultura, biomateriali fai da te, video e disegno. Esplora le relazioni tra la società umana e il suo ambiente, concentrandosi sui concetti di convivenza, cura e responsabilità. Ha studiato all'Accademia Nazionale delle Arti di Sofia e ha partecipato a Silk Road: Artists' Rendezvous – International Artists' Silk Road Field Residency (2025), Cina; Residency Unlimited (2022), New York, e all'International Summer Academy (2021), Salisburgo, Austria.

https://www.marianalbantova.com/

 Rayna Teneva (nata nel 1986 a Kazanlak, Bulgaria) è un'artista che lavora tra Sofia e Vienna. Teneva crea opere che si sviluppano in formati cinematografici, installativi o performativi. Spesso radicati nel vulnerabile e nell'invisibile, i suoi progetti aprono uno spazio di riflessione collettiva nel campo speculativo tra il documentario e la finzione. Rayna Teneva si è laureata in Media Art presso l'Università di Arti e Design di Karlsruhe, in Germania, e in Fotografia presso l'Accademia Nazionale di Teatro e Cinema (NATFA) di Sofia, in Bulgaria.

 Martina Yordanova (nata nel 1985 a Veliko Tarnovo, Bulgaria) è attualmente curatrice presso la Galleria Nazionale di Sofia, fondatrice e direttrice artistica del programma di residenza IATRUS a Veliko Tarnovo e membro fondatore dell'Istituto per l'Arte e l'Architettura dei Balcani Orientali. Alla Galleria Nazionale si occupa dello sviluppo di collaborazioni, della produzione e della condivisione di conoscenze sull'arte contemporanea bulgara e internazionale.

 Dessislava Dimova è una storica dell'arte e curatrice di arte contemporanea con oltre vent'anni di esperienza internazionale. La sua ricerca si concentra sulla storia dell'arte bulgara in un contesto europeo più ampio. Nel 2025 ha organizzato la ricerca e la donazione di opere di artisti contemporanei bulgari al Centre Pompidou di Parigi. Ha lavorato sia in modo indipendente che in collaborazione con istituzioni quali Bozar, Bruxelles (2017-2019) e WIELS, Bruxelles (2024-2025). Nel 2025 è entrata a far parte del team curatoriale della Galleria Nazionale di Sofia.

THE FEDERATION OF MINOR PRACTICES

 

Commissaria: Dessislava Dimova, National Gallery

Curatrice: Martina Yordanova

Espositori: Gery Georgieva, Maria Nalbantova, Rayna Teneva, Veneta Androva

 

Sala Tiziano Centro Culturale Don Orione Artigianelli

Fondamenta Zattere Ai Gesuati, 919,

30123 Venezia VE

 

9 maggio - 22 novembre 2026 Apertura ufficiale: Giovedì 7 maggio 2026, 18.00 

Padiglione Italia Chiara Camoni

 

Sister (Capanna), 2022, terracotta nera, ferro, fiori freschi e secchi, 220x140x150 cm (dimensioni variabili), collezione privata

Dal 9 maggio al 22 novembre 2026 Con te con tutto di Chiara Camoni animerà gli spazi del Padiglione Italia alla 61. Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. La mostra, a cura di Cecilia Canziani, è una chiamata a raduno, un invito a costruire un diverso modo di stare al mondo attraverso l’incontro e la condivisione con le altre forme di vita, lasciando spazio alla meraviglia, al sentire, al dialogo, alla contemplazione, al fluire del tempo che tutto trasforma.   Così il Ministro della Cultura, Alessandro Giuli: «Oggi è un giorno speciale perché celebriamo il Padiglione Italia della 61ª Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia, che porta due nomi fondamentali per quanto riguarda il Ministero della Cultura. Una curatrice d’esperienza, Cecilia Canziani, e un’artista oramai già nota che è Chiara Camoni. Di Chiara ho avuto la possibilità di apprezzare la poetica prima che fosse sottoposta alla mia attenzione la terna dei candidati a rappresentare l’Italia alla Biennale. La considero un’artista eccezionale: ho amato sin da subito la sua capacità di far dialogare arte e natura, le sue citazioni dell’arte novecentesca più decorativa, la sua capacità di rendere presente l’antico, ma soprattutto di “antichizzare” il presente attraverso citazioni delicate del mondo etrusco, che mi hanno fatto pensare a una sorta di realismo magico, seducente, seduttivo, ma al tempo stesso chiaramente intelligibile, fruibile, godibile. Ancora una volta l’Italia riuscirà a esprimere all’interno della Biennale, attraverso il proprio padiglione, un’eccellenza artistica di grande forza e qualità». «Con te con tutto è una dichiarazione tanto intima quanto universale, e coglie pienamente lo spirito essenziale, un ritorno alle origini, al grado zero dell’umanità. Il Padiglione Italia del 2026 conferma una speciale sensibilità per In Minor Keys, titolo proposto da Koyo Kouoh, Direttore artistico della 61. Esposizione Internazionale d’Arte, che poco prima della sua prematura scomparsa mi aveva affidato il suo testo curatoriale, dove sono presenti degli enunciati che ritrovo nel progetto artistico di Chiara Camoni e a cura di Cecilia Canziani. È dunque un modo di ripensare la nostra esistenza attraverso materia, relazione, ascolto e collaborazione. Parole chiave dettate dal buon senso diremmo, che per secoli hanno regolato lo stare al mondo dell’uomo, da cui per diversi decenni avevamo preso le distanze. E che con la forza di un magnete ritornano, ricordandoci chi siamo», dice Pietrangelo Buttafuoco, Presidente della Fondazione La Biennale di Venezia.   Così il Commissario del Padiglione Italia e Direttore Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, Angelo Piero Cappello: «Il Padiglione Italia alla Biennale Arte 2026 nasce da una scelta culturale precisa: sostenere una ricerca capace di coniugare tradizione e contemporaneità, memoria plastica e sperimentazione. Il progetto di Chiara Camoni, curato da Cecilia Canziani, rimette al centro il fare artistico come pratica condivisa, dove artigianalità, relazione e responsabilità si intrecciano in un linguaggio profondamente attuale. Per la prima volta affidato interamente a saperi e sensibilità femminili, il Padiglione propone un’idea di arte come spazio di attenzione e misura, offrendo al contesto internazionale un contributo coerente, consapevole e radicato nella nostra storia culturale».   «Con te con tutto - nelle parole della curatrice, Cecilia Canziani – si articola come un’installazione unica che coinvolge l’intero Padiglione e lo immagina come un paesaggio in trasformazione, in cui il corpo della scultura e i corpi dei visitatori sono invitati a uno scambio reciproco. Chiara Camoni fa parte di una costellazione di pensatrici e artiste impegnate a ‘reincantare il mondo’. Il suo lavoro si inscrive nell’alveo di una riflessione italiana sulla scultura caratterizzata dalla decostruzione del rapporto con il monumento, dal recupero di materiali tradizionali come la terracotta e dall’interesse per le storie dell’arte minori, in particolare quella etrusca, passando attraverso i maestri italiani del Novecento e l’Arte Povera. L’opera è interpretata dall’artista come epifania: apparizione di forme che raccontano l’ibridazione tra mondo animale, mondo umano e sacro e occupano lo spazio in maniera temporanea, in equilibrio con il mondo». La mostra si compone di opere realizzate appositamente per la mostra e lavori esistenti, secondo una pratica combinatoria, di riutilizzo e risemantizzazione, già utilizzata dall’artista e suggerita dalla stessa natura delle sue opere. Ai materiali noti del lavoro dell’artista se ne uniscono di inediti: plastiche riciclate, scarti di lavorazioni industriali, oggetti trovati, sono qui convocati a raccontare il paesaggio contemporaneo, invitandoci a riconoscere la bellezza anche nello scarto.

La prima tesa ospita un silenzioso bosco di figure: oltre venti statue in ceramica – poco più alte rispetto alla scala umana eppure ieratiche, monumentali per la loro postura, dotate di densità e intensità tali da far avvertire a chi le osserva di essere al cospetto di qualcosa di grande – punteggiano l’intera tesa lasciata in penombra. Modellate a colombino o composte di una miriade di piccoli elementi di terracotta che danno forma a corpi in potenziale metamorfosi, appaiono nella semioscurità come divinità minori arrivate da un passato molto lontano per interrogare il nostro presente. Sono tutte diverse le une dalle altre: alcune hanno lineamenti più definiti, un volto, un corpo riconoscibile, mentre altre hanno una forma aperta. Sono fatte di argilla, adornate con arbusti, conchiglie, pietre ma anche frammenti di plastica e rifiuti trovati negli immediati dintorni dello studio dell’artista. Questa foresta di figure minerali e vegetali si fa attraversare dagli spettatori e dalle spettatrici, invitando a cercare una relazione tra il proprio corpo e quello della scultura, a prendere posto di fronte alle figure e cercarne lo sguardo, in un dialogo muto. Dalla sospensione del primo ambiente – un mondo ctonio vivificato dagli spiriti ancestrali chiamati a raccolta dall’artista – si entra nel flusso del tempo umano: la seconda tesa appare in piena luce, come un mondo in costruzione composto di elementi naturali, artefatti e oggetti riciclati che proseguono e ampliano la riflessione dell’artista sulla materia. A partire da alcune grandi figure femminili reclinate, modellate dall’artista in terracotta, che fanno da raccordo tra primo e secondo ambiente, si entra in un’architettura potenziale che sembra affiorare da terra e diventare pavimento, contenitore, parete, seduta, un palazzo, diviso in stanze, corridoi e giardini, la cui costruzione è in divenire.   A partire da una pratica consolidata che testimonia la risonanza e intimità di Camoni con altri artisti vicini per sensibilità o percorsi di vita, queste architetture domestiche accolgono al loro interno Dialoghi: una punteggiatura di opere che mettono in  relazione il lavoro di Camoni con altri linguaggi, figure e cronologie, concepita e progettata  da Fiammetta Griccioli e Lucia Aspesi, tra cui Fausto Melotti, Alberto Martini, Marisa Merz, artefatti come un’anfora databile alla fine del VII secolo a.C, oggetti e due commissioni inedite. La prima, creazione della coreografa e danzatrice Annamaria Ajmone, è Canti fossili, un invito ad abitare la seconda tesa in una dimensione performativa dedicata alla relazione tra coreografia e voce, concepita come materia viva e relazionale in cui i danzatori costruiscono un dialogo tra materia organica e inorganica all’interno di un accumulo di memorie sedimentate. La seconda è Che cosa resta, prodotto per l’occasione da Alice Rohrwacher attraverso la rielaborazione di estratti filmici inediti e spunti dal film La Chimera del 2023, in cui le sequenze mostrano volti scultorei provenienti dalle collezioni del museo etrusco di Tarquinia sovrapposti ai visi di persone — uomini, donne e ragazzi — più vicini al nostro presente, tra cui anche i ritratti dei protagonisti del film originale.   Al centro dello spazio della seconda tesa si apre infine una piazza circondata da sedute sulle quali si può sostare e trovare riposo.  Il punto di fuga di questo luogo è il giardino: il fluire delle ore del giorno e l’avvicendarsi delle stagioni, l’incontro tra il tempo eterno della scultura, quello della vita umana e quello ciclico della natura si incontrano su questa soglia e si offrono alla contemplazione.   Il giardino, inquadrato dalla cornice del portone, è la materia vivente, che nel mutare dei colori e della luce ora per ora e stagione dopo stagione, ci restituisce la connessione che tutti i corpi hanno con il tempo.   Il Padiglione Italia, per tutta la durata della mostra, sarà accompagnato dal public program affidato a Angelika Burtscher e Daniele Lupo (Lungomare), un invito a considerare la voce come manifestazione di presenza, ma anche strumento di dissenso e trasformazione, partecipando a un processo condiviso in cui ascolto, gesto e parola generano connessioni e riflessione. Attraverso performance, processi di co-creazione, momenti di ascolto e condivisione di saperi transdisciplinari, il programma – che si apre alle realtà culturali della città di Venezia – attiva relazioni dirette con i lavori esposti di Chiara Camoni, estendendone le risonanze nel tempo e nello spazio.   Il programma delle attività aperte al pubblico sarà comunicato successivamente e aggiornato costantemente.   Per il Padiglione Italia, l’accessibilità è una dimensione importante, una pratica che contribuisce a rendere l’esperienza artistica uno spazio realmente condiviso.   La collaborazione con il progetto Ciao! di Fondazione Amplifon permetterà a 30mila anziani residenti 330 case di riposo di sette paesi (Italia, Australia, Belgio, Francia, Portogallo, Spagna, Svizzera) di visitare da remoto l’esposizione e prenderne attivamente parte.    Inoltre, il team del progetto Con te con tutto si è potuto avvalere della consulenza della Scuola Nazionale Patrimonio Attività Culturali nell’ambito di Personeper. Accessibilità nei luoghi della cultura, per la propria formazione e il monitoraggio delle azioni volte a implementare accessibilità e inclusione nel padiglione.   Il catalogo è edito da NERO Editions con il progetto grafico di Lungomare.   Il Padiglione Italia, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, è stato realizzato anche grazie al sostegno del main sponsor ZEGNA e dello sponsor Banca Ifis, insieme al contributo di numerosi donor.

OIKEIŌSIS

 

OIKEIŌSIS

The Stoic concept of Oikeiōsis (loosely translated as kinship) inspires a sensorial solo exhibition of new work by artist Pavlina Vagioni, presented by the Hellenic Diaspora Foundation,  on the occasion of the 61st Biennale Arte, Venice 6 May-25 October Spazio Tana 2127/A, near the entrance of the Arsenale

Oikeiōsis: the ancient Stoic concept of expanding the circle of care — from self, to family, to all humanity Etymology: From oikos (οἶκος) = household, home → the act of "making something one's own" or "recognizing something as belonging to oneself" Meaning: kinship, affinity, co-belonging, connectedness

This May, the Hellenic Diaspora Foundation launches its first project beyond Greece, presenting Oikeiōsis, a solo exhibition of new work by Greek artist Pavlina Vagioni at Spazio Tana in Venice, on the occasion of the 61st Biennale Arte. Curated by Dr. Laura Augusta, Jane Dale Owen Director and Chief Curator of the Blaffer Art Museum at the University of Houston, Oikeiōsis draws on Vagioni's poetic and visceral visual and sonic language, which reimagines myth and philosophy as lived, embodied experience. Across two rooms, visitors move through a sensorial passage from isolation to kinship. Warm, immersive, and meditative, the exhibition pulses with light, sound, and the presence of other bodies, in direct dialogue with the Biennale's theme, In Minor Keys, which calls for healing, resonance, and the radicality of joy amid a world in crisis. Vagioni comments: “The world is loud with reasons to turn away from one another. I wanted to make a quiet work. Not a protest, not a commentary, but a space where strangers can sit together and remember that this, too, is real.” Oikeiōsis (pronounced ee-kee-o-sis) offers a bold and timely reimagining of ancient philosophy through a distinctly contemporary lens. Unfolding as a two-room, multisensory passage that merges warmth, sound, visuals, and tactile encounter, the exhibition challenges the illusion that we are separate. Drawing on Stoic ethics and pre-Socratic cosmology, Vagioni reminds us of what the ancients knew: that we belong to one another and that our deepest nature is shared. The artist, who is also a classically trained singer and composer, transforms the visitor from a passive observer into a participant. Her approach is both scholarly and intuitive, drawing from ancient wisdom, traditions, music, and scenography to create a fluid artistic language. In focusing on elemental materials, such as sound, light, reflections and salt, she resists the urge to offer spectacle or didactic resolution. Instead, she implicates the visitor in a process of co-presence.  In the first room, called Neikos, the ancient Greek word for strife or divisiveness, a cube of polygonal plexiglass reflects visitors in fragmented, multiplied form, confronting them with the geometry of separation. In the second room, six warm rock-salt seats surround a hexagonal structure embedded with mirrors. When someone sits, sound and light respond to their presence: a layered vocal soundscape, incorporating the artist’s own soprano voice, evokes the Orphic declaration “I am a child of Earth and Starry Heaven.” Separation dissolves. Kinship becomes tangible.

Study for Philotes II (2026) by Pavlina Vagioni, soft pastels on Sennelier paper, 30 x 24 cm

The artist has composed a soundscape for the second room of Philotes, an ancient Greek word referring to the power of bringing harmony to separate elements. She uses her own voice, humming, heartbeats and other sounds in a minor chord that gradually start from low to high. The sound will follow the visuals, slowly building up from low frequency to high, to create a minor extended chord, similar to those found in jazz, Ravel and Debussy. When visitors are gathered together in the space, each activating the soundscape as they sit, she aims to create the “Tartini effect”: when two frequencies heard together create a phantom third that exists only as resonance.  Named for the Venetian baroque violinist Giuseppe Tartini, who first reported it, this psychoacoustic phenomenon is an auditory illusion where an additional tone is perceived when only two real tones are sounded.  Vagioni comments:  There is a sound in music that no single voice can produce. Musicians know this. When voices converge, something else appears, a resonance that belongs to none of them and to all. You cannot will it into being. You can only create the conditions and listen. In a Biennale composed in the minor keys, this is the frequency I wanted to tune to: not a sound, but what the sound reveals. We carry a luminous knowing that precedes language. It is always there. It only needs a moment to surface.

Salt seats from the work Philotes by Pavlina Vagioni

Vagioni's practice is devoted to restoring the numinous in daily life, beginning each project with etymological excavation of primary sources to unearth what the very word mythology conceals within itself: myo (to conceal) and logos (to reveal). What emerges are environments where visitors do not contemplate myth but physically undergo it. Her work moves fluidly across mediums, rooted in an alchemical process that transforms archetypes such as Medusa, Proteus, and the Sirens into agents of healing. With Oikeiōsis, presented during the Venice Biennale, Vagioni brings this practice to its most visible platform yet. The magic we have forgotten returns. We remember how to belong. Curator Dr Laura Augusta comments: In alchemy, salt is the principle of memory, materialized. For this new installation, Pavlina Vagioni thinks about the tangible ways in which we are connected. Here, a group of salt seats will change shape over the course of the exhibition, holding the record of physical touch, their own memory of the visitors who pause for respite. If we imagine kinship as a kind of embrace, of shared space and gathering, of song, we might describe our entanglements with others as a series of overlapping, embracing circles, gently widening out from the self, to the beloved, to the known, to the unfamiliar. In a moment of extraordinary fragmentation, the artist understands the fundamental tenets of our social responsibility to be empathy, closeness, and warmth, even before information. And perhaps that is our most primordial memory: the feeling of being cradled in co-presence.

Exhibition Information Pavlina Vagioni: OIKEIŌSIS Wednesday 6 May-Sunday 25 October 2026 Spazio Tana 2127/A, Venice (near the entrance of the Arsenale) Hours: Tuesday - Sunday, 11am-7pm About artist Pavlina Vagioni Pavlina Vagioni  (b. 1975, Athens, Greece) is a Houston- and Athens-based interdisciplinary artist who stages encounters between classical mythology and contemporary life. Moving fluidly between sculpture, painting, sound, mixed media, and digital art, she adopts a site-specific approach to making work, with multisensory installations presented in a range of sizes that embrace abstract and figurative elements. Solo exhibitions include The Contemporary Art Museum of Indianapolis [IN], The Opening Gallery [New York, NY], Carillon Gallery (Fort Worth, TX), TANK Space (Houston, TX), and Kappatos Gallery (Athens, Greece). Group shows have been held at the Byzantine Museum, the Hellenic American Union, and the City of Athens Arts Center. Public art commissions include a large-scale installation of over 2,000 suspended laser-cut acrylic elements for Houston's ION Building. The artist’s commitment to utilizing new materials and fabrication technologies in her practice has been supported by a workshop scholarship at Anderson Ranch Arts Center in Colorado and a residency at the School of Visual Arts in New York. Her work is included in the permanent collection of MOMus–Museum of Contemporary Art in Thessaloniki, Greece, and has been recognized with the Juror's Award from the Lawndale Art Center in Houston. Vagioni studied painting, sculpture, and scenography at the Athens School of Fine Arts in Greece, graduating with honors at the master's level in 2016. Over a decade of training as a classical soprano soloist, alongside studies in piano, music theory, and composition, provides an interdisciplinary foundation that continues to inform her practice.  About curator Dr Laura Augusta Laura Augusta, PhD, is the Jane Dale Owen Director & Chief Curator at the Blaffer Art Museum at the University of Houston. Her recent exhibitions include Mud + Corn + Stone + Blue (2024-2026), Presentiments (2024), Adán Vallecillo: Tiempo Libre (2024), Proving the Hypothesis of Celestial Flirtation: Christin Apodaca (2023-2024), Jessica Kairé: Levantamiento (2023), Laura Turón: Immersive Abstractions (2023), Here, And the Wind (2023), Sam Reveles: Solastalgia (2022), On Porous Edges & Radical Decay (2021, online), Touch Over Fear (2021, online), Stone’s Throw: Arte de Sanación, Arte de Resistencia (2020), To Weave Blue: Poema al Tejido (2020), and To Look at the Sea is to Become What One Is (2019), among others. Her work has been awarded Fellowships from the Andy Warhol Foundation, the Mellon Foundation, the Core Critical Studies Program at the MFAH, and Yale University, among others, and her essays have been widely published internationally, in English and Spanish. She has actively published arts criticism in Texas since 2005. From 2016-2020, Laura ran a domestic project space, Yvonne, in her apartment in downtown Guatemala City. Laura’s curatorial/essay projects connect the landscapes of disaster-prone places, thinking specifically about storms and muddiness, shared space, and everyday forms of embodied ongoingness. About the Hellenic Diaspora Foundation Celebrating its tenth anniversary this year, the Hellenic Diaspora Foundation has become the world's largest non-profit institution dedicated to preserving, researching, and promoting the creative legacy of Greek visual artists of the diaspora. Located in Patras, Greece, the Foundation has built an unparalleled collection of works by seminal artists, including Takis, Jannis Kounellis, Chryssa, Peter Voulkos, Lucas Samaras, and Theodoros Stamos, and has established itself as a vital bridge between Greek artistic heritage and the contemporary global art scene. What sets the Foundation apart is the rigour of its archival mission, documenting not just the art but the stories, voices, and journeys of Greek artists across the global diaspora, establishing it as an increasingly ambitious voice in international contemporary art. Established in 2016, and headquartered in Patras, Greece, the Foundation occupies a complex of three buildings and a sculpture garden with a total surface area of 2500 sq.m. Designed to accommodate both cultural preservation and scholarly engagement, the premises house museum‑standard galleries that present an extensive collection of paintings, sculptures, installations, and archival materials. Selected works from its collection have been featured in exhibitions at leading public and private Greek art institutions. In addition to its exhibition programme and its permanent collection, The Hellenic Diaspora Foundation has produced 14 biographical documentaries dedicated to artists of the Greek diaspora; it has published 5 exhibition catalogues and monographs of artists; it has produced and archived 48 interviews and exhibition recordings; it has commissioned 13 art historical and theoretical texts; and it has organised 13 educational initiatives.   Exhibition Project Management by Hekate Studios, Athens, London, and Milan. CS Art Management

The Türkiye Pavilion at the 61st International Art Exhibition La Biennale di Venezia

 

Nilbar Güreş, MAYZU: A Tree with Coconuts and Bananas, 2022, mixed media, 400 x 640 x 200 cm. Ph: Kayhan Kaygusuz 

The Türkiye Pavilion at the 61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia presents A Kiss on the Eyes by Nilbar Güreş, celebrated for her poetic, critical, and witty engagement with cultural symbols, social inequalities, and questions of identity across a diverse array of media.  

Curated by Başak Doğa Temür, the exhibition brings together existing works and new productions spanning sculpture, installation, painting and mixed-media works on paper and fabric. A Kiss on the Eyes takes its cue from the Turkish phrase Gözlerinizden öperim, a traditional closing remark often used at the end of a letter or conversation.

The Türkiye Pavilion exhibition is coordinated by the Istanbul Foundation for Culture and Arts (İKSV) with the contribution of the Ministry of Culture and Tourism, under the auspices of the Ministry of Foreign Affairs of the Republic of Türkiye, the support of co-sponsor Trendyol Art, airline partner Turkish Airlines and production support of SAHA Association. The Vehbi Koç Foundation is also providing publishing support for the preparation of the exhibition catalogue.

Nilbar Güreş, MAYZU: A Tree with Coconuts and Bananas, 2022, mixed media, 400 x 640 x 200 cm. Ph: Kayhan Kaygusuz


A Kiss on the Eyes, Nilbar Güreş’s exhibition at the Türkiye Pavilion, brings together different strands of the artist’s dynamic and diverse practice. Celebrated for her poetic, critical, and witty engagement with cultural symbols, social inequalities, and questions of identity, Güreş has built a substantial body of work spanning photography, video, collage, and textiles. In recent years, her practice has increasingly expanded into three-dimensional forms, leading to this exhibition conceived for the Venice Biennale which will showcase a series of large-scale sculptures and installations. Created through an intensive, collaborative process in Istanbul, these works were produced between December 2025 and March 2026 with sculptors, metalworkers, tailors, and craftspeople. Treating material not only as a formal element but also as a carrier of memory and labour, these new works will be presented alongside selected pieces from earlier periods of the artist's practice.

Nilbar Güreş, Nilbar Güreş, 2025, pencil and lipstick on paper


In her curatorial statement, Başak Doğa Temür introduces the exhibition with the following words:

“The exhibition unfolds through spatial relationships rather than a linear narrative. Works remain close to the ground, lean, hang, or hover. Instead of guiding the viewer from one work to the next, the exhibition invites them to slow down and become aware of their own bodily position in relation to the space and to others. Moving through the exhibition becomes a negotiation between distance and proximity, vulnerability and resistance.
Such an approach characterises Nilbar Güreş’s work across multiple media, drawing on lived experience to address questions of gender, migration, and belonging. Her practice is shaped by situations marked by displacement, racism, xenophobia, and discrimination based on religion and belief, not as distant subjects but as conditions that structure everyday life. She often focuses on moments where social norms and power relations become visible through bodies, relationships, and acts of looking.
Materials such as textiles, garments, domestic objects, and organic forms play a central role in her work. These materials carry personal and collective histories and are altered through gestures of care, humour, and resistance. Intimacy and political tension exist side by side, allowing vulnerability to appear without connotations of passivity.”

The curatorial statement by Başak Doğa Temür is available at turkiyepavilion26.iksv.org.
from left: Nilbar Gunes, ph: Luca Gioacchino Di Bernardo; Başak Doğa Temür



A bilingual (Turkish and English) publication will accompany the exhibition, co-published by İKSV and Mousse Publishing, with the support of the Vehbi Koç Foundation. Alongside texts that closely engage with the artist’s practice and the exhibition, the book also includes a selection of poems, which address the concepts of subtlety and care at the heart of the exhibition’s conceptual framework across different contexts. Offering layered readings of Nilbar Güreş’s imagery, the texts in the book situate A Kiss on the Eyes within the continuity of the artist’s practice. The poems in the selection, in turn, foreground concepts such as displacement, memory, fragility, discrimination, plurality, and relationality, in line with the themes of gender, migration, and belonging, which are central to the artist’s practice.

In addition to being available to biennial visitors at La Biennale bookshops, the publication can also be found at selected art-focused bookshops worldwide. Online sales will be available via moussemagazine.it/shop/. 

The graphic design of the project and the book is undertaken by İpek Erdöl, with editorial work by Hazal Yonca Birincioğlu.

Turandot a Palazzo Franchetti

Siamo lieti di presentare TURANDOT: Alle figlie dell'Oriente, un evento collaterale della 61. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia, che si terrà presso l'ACP-Palazzo Franchetti.

Ispirata alla personalità intransigente di Turandot nell'omonima opera di Giacomo Puccini, che deriva da "Turandokht", che in persiano significa "figlia di Turan", la mostra rende omaggio alle artiste dell'Asia centrale e occidentale. Dalla letteratura persiana all'opera di Puccini, Turandot è certamente una delle figure più complesse ed enigmatiche al mondo, intrecciata con l'interpretazione occidentale dell'Oriente.

Riunendo undici artiste di diverse generazioni, la mostra mette in luce le artiste le cui storie e opere, individuali e collettive, rivelano la loro forza, le loro convinzioni e la loro creatività. Insieme, rendono omaggio alla voce di Turandot, donne straordinarie, intelligenti e sicure di sé.

La mostra è curata dal Dott. Ziba Ardalan, fondatore e direttore della fondazione per l'arte contemporanea Parasol Unit. Parasol Unit si avvale del supporto della Fondazione Bareva, della Fondazione Fahrang, della Galleria Edward Nahem, della Galleria Leila Heller, della Fondazione Mohammed Afkhami, di Pro Helvetia e della Fondazione Puccini.

Padiglione Bulgari, sponsor unico della Biennale fino al 2030

 

Lotus L. Kang has been selected by Bvlgari as the inaugural artist for its pavilion in the Giardini della Biennale at the 61st Venice Biennale.

Known for her complexly layered environments that meld organic, structural and metabolic languages, Lotus L. Kang’s works give poetic form to reflections on themes spanning inheritance, impermanence, memory, and translation. Working fluidly between sculpture, photography and site-responsive installation, she frequently draws on unfixed, unstable materials and forms in her practice, giving evocative, often expansive shape to questions of “becoming.”

Kang has been commissioned to produce a major new installation for the Bvlgari Pavilion, one that continues her enduring engagement with time as multiplicitous and non-linear. Matthew Hyland, Executive Director of the Contemporary Art Gallery, Vancouver, has been appointed curator of the project.

This presentation is a centerpiece of Bvlgari’s role as Exclusive Partner of La Biennale di Venezia, a partnership that will continue across three editions of La Biennale through 2030. 

Lotus L. Kang was born 1985 in Toronto. Kang studied fine arts at Concordia University in Montreal (2004-2008), and completed an MFA at the Milton Avery School of the Arts at Bard College, New York, in 2015. The artist lives and works in New York. Lotus L. Kang’s practice unfolds across sculpture, photography and site-responsive installation. Using an acute sensitivity towards process and space, her works explore self and environment as contingent, continuous and inseparable, with her materially dense, non-linear installations metabolizing and translating themes drawn from industrial and architectural forms, familial and social histories, poetry, and non-human figures, among others.

Selected solo exhibitions: Already, 52 Walker, New York (2025); In Cascades, CAG Vancouver, Vancouver (2023); In Cascades, Chisenhale Gallery, London (2023); Molt, MCA Chicago, Chicago (2023). Selected institutional group exhibitions include: Does the flower hear the bee?, 15th Shanghai Biennial, Shanghai (2025); Key Operators, Kunstverein Munich (2024); After Images, Julia Stoschek Foundation, Berlin (2024); A Woman You Thought You Knew, Kadist, San Francisco (2024); Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing, Whitney Museum of American Art, New York (2024); GTA Triennial 2024, Museum of Contemporary Art, Toronto (2024); New Museum Triennial: Soft Water Hard Stone, New Museum, New York (2021); In Practice: Total Disbelief, SculptureCenter, New York (2020); If I have a body, Remai Modern, Saskatoon, Canada (2019).