Biennale di Venezia

martedì 11 marzo 2025

Collettiva al Padiglione Svizzero

Photo montage by the project team, using image elements by Samuele Cherubini

The Unfinished Business of Living Together - Gianmaria Andreetta, Luca Beeler, Nina Wakeford, Miriam Laura Leonardi, Lithic Alliance and Yul Tomatala work together on the Swiss Pavilion 2026.

The Swiss Arts Council Pro Helvetia has nominated a collective consisting of cultural practitioners Gianmaria Andreetta, Luca Beeler, Nina Wakeford, Miriam Laura Leonardi, Lithic Alliance and Yul Tomatala for the Swiss Pavilion at the 61st International Art Exhibition — La Biennale di Venezia 2026. For the first time, the Swiss Biennale contribution was selected through an open competition, with 140 projects submitted.

In the project ‘The Unfinished Business of Living Together’, the nominated collective explores contemporary forms of coexistence. Inspired by a 1978 episode of ‘Telearena’ on Swiss television, which featured controversial discussions of sexual orientation, the project seeks to examine the conditions and possibilities of tolerance and belonging as well as forms of social division.

By nominating this project, Philippe Bischof, Director of Pro Helvetia, followed the recommendation of a jury specially assembled for this competition. He states: ‘One of the outstanding qualities of the Venice Art Biennale is its ability to openly address current social debates through artistic means in an international context. With its approach of using media archive material as a starting point for artistic research into the present, the project team has struck a chord with the times’.

The jury consisted of Federica Chiocchetti, Ann-Kathrin Eickhoff, Vittoria Matarrese, Domagoj Smoljo and Anahita Vessier. The jury's decision acknowledges the importance of risk-taking in contemporary art and the belief that projects like ‘The Unfinished Business of Living Together’ can provoke meaningful societal discourse and result in strong contemporary artistic and curatorial solutions. The project aims to address pressing questions about social cohesion, identity and the values of collective living.

The nominated team works at the intersections of art and research in Switzerland and Europe. The concept for the Swiss Pavilion was initiated by curators Gianmaria Andreetta (Lugano/Berlin), Luca Beeler (Zurich) and artist Nina Wakeford (London) and artistically developed by the full team further consisting of Miriam Laura Leonardi (Zurich), Lithic Alliance (Zurich/Brussels) and Yul Tomatala (Geneva). ‘We come from different language regions: German-, French- and Italian-speaking Switzerland. We represent different generations. We have international perspectives. What we want to achieve is a Pavilion in which the visitors should ask themselves: When and where is this happening? Does the archive have authority here? The viewer finds a position, or perhaps has an opinion changed’, they explain.

The 61st International Art Exhibition — La Biennale di Venezia will take place from 9 May to 22 November 2026. The main exhibition will be curated by Koyo Kouoh (Cameroon/Switzerland).

The International Art Exhibition — La Biennale di Venezia is held every two years, alternating with the International Architecture Exhibition. Switzerland has been participating in the Biennale Arte since 1920 and in the Biennale Architettura since 1991. It maintains its own pavilion in the Giardini of the Biennale, which has been managed and programmed by the Swiss Arts Council Pro Helvetia since 2012.

For the first time, the contribution for the Swiss Pavilion at the 2026 Art Biennale was selected through an open call. A total of 140 applications were submitted.

Commissioner: Swiss Arts Council Pro Helvetia

Exhibition: 9 May to 22 November 2026

Pre-Opening: 6 to 8 May 2026

venerdì 28 febbraio 2025

Jenna Sutela per la Finlandia

Jenna Sutela (left) and Stefanie Hessler.

Photo: Matteo de Mayda for Frame Contemporary Art Finland

Sarà l'artista Jenna Sutela a rappresentare la Finlandia alla 61a Biennale Internazionale d'Arte di Venezia nel 2026 con la curatela di da Stefanie Hessler, direttrice dello Swiss Institute (SI) di New York, selezionata e sostenuta dalla Frame Contemporary Art Finland.

Artist Jenna Sutela has been selected to exhibit in the Pavilion of Finland at the 61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, in 2026. The exhibition is curated by Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute (SI) in New York, and commissioned and produced by Frame Contemporary Art Finland.

In her work, Jenna Sutela explores biological and computational processes, from the human microbiome and planetary ecosystems to language and code. Her sculptures, installations, and sound pieces frequently include chance elements and evolving structures: they are both live and alive. Often working in dialogue with scientists, Sutela seeks to move beyond individualism and anthropocentrism to consider interrelationships at all scales.

The selection was made following an open call organised by Frame, which received 128 exhibition proposals. The jury consisted of Charles Esche, Director of the Van Abbemuseum, Asrin Haidari, Curator of the Moderna Museet, Anna-Riikka Hirvonen, Director of the Oulu Art Museum, and Artist Outi Pieski. Juha Huuskonen, the CEO of Frame and Commissioner of the Pavilion of Finland, chaired the jury.

The jury was impressed by Jenna Sutela and Stefanie Hessler’s exhibition proposal, which builds on their long-term artistic collaboration. They recognized Sutela’s distinctive and multidisciplinary practice, which explores the fluid boundaries between natural and technological systems. The jury also highlighted how Sutela and Hessler’s visionary practices engage with the social and environmental complexities shaping our existence. The jury expressed confidence that the duo will create a topical and artistically compelling exhibition for the Pavilion of Finland.

Artist

“I really appreciate the chance to present new work and to continue collaborating with Stefanie at the Venice Biennale. I’m particularly pleased to create an installation for the special pavilion by Alvar and Elissa Aalto,” Jenna Sutela says.

Jenna Sutela is a Finnish artist based in Berlin. Sutela’s work has been presented internationally, including at the Castello di Rivoli, Turin (2025); Centre d’Art Contemporain Genève (2024); Swiss Institute, New York (2023); Helsinki Biennale (2023); Haus der Kunst, Munich (2022); Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki (2022); Shanghai Biennial (2021); Liverpool Biennial (2021); Kunsthall Trondheim (2020); Serpentine Galleries, London (2019); and Moderna Museet, Stockholm (2019). Sutela has been a visiting artist at La Becque, MIT, and Callie’s Berlin.

Curator

Stefanie Hessler is a curator, writer, and the Director of Swiss Institute (SI) in New York. Her work centers artists and ideas through new commissions, transdisciplinary collaborations, and experimental formats, often focusing on ecologies, technologies, and their social intersections.

“I am thrilled to continue my collaboration with Jenna Sutela on the occasion of the Finnish Pavilion at the 61st Venice Biennale,” Stefanie Hessler says. “Jenna and I met in 2016 in Helsinki and have worked together on numerous occasions – most recently for her new commission Vermi-Sibyl (2023) as part of Spora at Swiss Institute. I look forward to curating her upcoming work, especially in the context of next year’s Biennale under the direction of Koyo Kouoh.”

Previously Hessler served as the Director of Kunsthall Trondheim in Norway. Her selected projects as an independent curator include the 17th Momenta Biennale: Sensing Nature, Montreal; Rising Tides/Down to Earth, Gropius Bau, Berlin; Joan Jonas: Moving Off the Land II, Ocean Space, Venice; the symposium Practices of Attention, 33rd Bienal de São Paulo; and the 6th Athens Biennale. Hessler is the author of Prospecting Ocean (MIT Press) and has edited over a dozen volumes.

Commissioner

The exhibition in the Aalto Pavilion of Finland is commissioned and produced by Frame Contemporary Art Finland. Frame, an advocate for Finnish contemporary art, supports international initiatives, facilitates professional partnerships, and encourages critical development of the field through grants, visitor programmes, residencies, seminars and talks, and exhibition collaborations.

The exhibition is supported by the Finnish Ministry of Education and Culture. The Oulu2026 European Capital of Culture is the main partner of the exhibition.

Press Inquiries

Rosa Kuosmanen, Head of Communications

T +358 50 4653462

rosa.kuosmanen@frame-finland.fi

venerdì 7 febbraio 2025

Aline Bouvy per il Lussemburgo

Il Lussemburgo proporrà un padiglione elaborato da Aline Bouvy, con la curatela di Stilbé Schroeder

Kultur | lx – Arts Council Luxembourg, appointed Commissioner of the Luxembourg pavilions at the Venice Art and Architecture biennials by the Ministry of Culture, and Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, curator of the 2026 and 2028 Biennales, have selected artist Aline Bouvy to produce the exhibition at the Luxembourg pavilion at the Venice Art Biennale.

Statement by the Commissioner and Curator

By selecting Aline Bouvy, Kultur | lx and Casino Luxembourg seek, above all, to honour and showcase the artist’s 25-year long career. Aline Bouvy has built an international career that has been tremendously consistent in artistic terms whilst also making successfully bold choices that always surprise. Refusing to restrict herself to expected norms or make compromises, Bouvy explores a range of techniques, creating a body of work that is dense and polymorphic, unfolding over time, fed by constant research, individual and group exhibitions, artist residencies and international collaborations.

Casino Luxembourg has followed Aline Bouvy’s work for many years, and she has been part of several group exhibitions at the institution. The relationship was consolidated during preparations for her first individual exhibition in Luxembourg in 2025, curated by Stilbé Schroeder.

Aline Bouvy’s selection for the 2026 Venice Biennale is therefore based on a clear artistic foundation and a well-established relationship which will be essential for any potential collaboration of this scale. Developing a project for the Biennale, which follows on from her individual exhibition at Casino Luxembourg, will allow Bouvy to begin this new chapter with the additional experience and confidence gained through her collaboration with Casino Luxembourg.

2026 will be the 30th anniversary year for Casino Luxembourg, a leading cultural institution that has already helped organise Luxembourg’s presence in Venice, having been actively involved in 7 pavilions. In recent years, Casino Luxembourg has also served as an important space for monograph exhibitions by artists from Luxembourg included in its artistic programming, and also by inviting and supporting many artists to take part in exhibitions and projects with international partner institutions. Showcasing national contemporary artists is thus at the heart of Casino Luxembourg’s work. Supporting artists during events like the Venice Biennale is therefore an honour that enhances and complements Casino Luxembourg’s initiatives to develop and promote artists.

Artist Biography

Born in 1974 in Belgium, Aline Bouvy lives and works between Belgium and Luxembourg. She explores a variety of mediums, including sculpture, drawing, photography and sound.

In her work, Bouvy questions our relationship with our bodies and space and invites us into new sensory experiences, both appealing and repulsive, where the body becomes a medium. Connecting desire and empathy, shapes and languages emerge where images or words might not otherwise occur.

Bouvy’s works are a loaded sensory experience linked to identity and taboos. They represent the history of both male and female bodies and their underlying relationships: sexual, domestic, intimate, and political. By revisiting the slow, utopian trajectory of a culture turning away from the dominant models of patriarchy and heteronormativity, a libido freed of all morality, without judgement, brings down these bodies incarnating authority in a society that monitors and restricts our bodies. By laying bare a world under surveillance, Bouvy breaks aesthetic and political norms applied to power and domination, thus destabilizing our points of reference.

(Biography by Marianne Derrien).

Curator Biography

Stilbé Schroeder is curator and head of department for exhibitions and programme at Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain.

After living, studying and working in Brussels and Strasbourg, Stilbé Schroeder returned to Luxembourg in 2015 to join Casino Luxembourg as an exhibition coordinator. In 2017 and 2019, she was deputy curator for the Luxembourg pavilion at the Venice Biennale. Since 2021, she has served as a curator involved in discussion and development of the exhibition programme at the museum.

A new support programme for artists

An innovation for 2026 will be a call for applications to select the artists who will receive support as they explore the Venice Biennale and its themes, both in terms of production and networks, and explore international aesthetics discourses. Several opportunities for discussion with the artist selected and international curators will be organised. A programme of visits and scouting will also be developed during the 2026 Venice Biennale.

This new programme combines several initiatives offered by Kultur | lx to support artists’ career development.

The call will be launched in February 2025.

Selection process for the 2026 Luxembourg Pavilion artist

The process to select the artist and the project for the Luxembourg Pavilion at the Venice Art Biennale has evolved over time. Since 2011, the project for the Luxembourg pavilion in Venice has been chosen following a call for applications.

In order to reposition Luxembourg at this international event, the Commissioner, in agreement with the Ministry of Culture, has decided to adapt the selection process and give a greater role to the curator when choosing the artist, considering, above all, the artist’s career and international profile, as opposed to selecting a project.

Luxembourg’s presence at the Venice Biennale seeks to showcase and raise the profile of Luxembourg’s art scene, one of the Ministry of Culture’s priorities.

Supporting and promoting artists from Luxembourg abroad while also strengthening international relations through culture are key elements of this strategy. (Coalition agreement 2023 -2028, pp 185)

Presenting Luxembourg as an international actor and interlocutor for contemporary art and architecture includes initiatives to showcase artists, architects and architectural researchers who work in Luxembourg, along with the cultural institutions and stakeholders in Luxembourg involved.

“Aline Bouvy’s work reflects the creativity, diversity and high standard of our national art scene. Her exhibition at Venice in 2026 will boost Luxembourg’s presence at international level along with artistic and cultural exchanges.” Eric Thill, Minister for Culture

info https://www.kulturlx.lu/en/aline-bouvy-to-represent-luxembourg-at-the-2026-venice-biennale/

Florentina Holzinger per l'Austria

La performance Florentina Holzinger occuperà il padiglione austriaco.

Fiona Pardington per la Nuova Zelanda

Sarà Fiona Pardington a rappresentare la Nuova Zelanda alla prossima Biennale, ecco il comunicato stampa da https://creativenz.govt.nz/

La stimata artista Fiona Pardington MNZM (Kāi Tahu, Kāti Mamoe, Ngāti Kahungunu, Clan Cameron of Erracht) rappresenterà la Nuova Zelanda alla Biennale di Venezia nel 2026.
L'Arts Council of New Zealand Toi Aotearoa è lieto di sostenere la selezione degli artisti effettuata dal suo nuovo partner di distribuzione, la Christchurch Art Gallery Te Puna o Waiwhetū.
Fiona afferma che la proposta di esporre nel padiglione nazionale dell'Australia Nuova Zelanda a Venezia è un momento inaspettato e straordinario nella sua carriera.
"Sono profondamente onorata e onorata di questa incredibile opportunità di rappresentare Aotearoa alla Biennale di Venezia. Sono profondamente grata che il mio lavoro sia apprezzato in questo modo e per tutte le persone che remano furiosamente sul waka e che mi hanno portato fin qui. Ehara taku toa i te toa takitahi, engari he toa takitini", afferma Fiona.
Il direttore della Christchurch Art Gallery, Blair Jackson, è lieto che la galleria collabori con un artista così eccezionale.
" Fiona ha una storia di pratica impressionante che dura da più di quattro decenni", afferma.
"È giustamente rinomata per l'intensità emotiva delle sue fotografie ed è responsabile di alcune delle immagini più memorabili nell'arte contemporanea di Aotearoa New Zealand. La sua capacità di trasmettere l'intangibile rende la visione delle sue opere un'esperienza potente ed esaltante", afferma Blair.
Dopo aver ottenuto il primo riconoscimento negli anni '80, il lavoro di Fiona Pardington ha continuato a evolversi, spesso operando all'interno del genere della natura morta e ampliandolo. Le sue suggestive fotografie di taonga e altri oggetti provenienti da collezioni museali sono acutamente attente al contesto e alla storia, pur mantenendo una qualità sfuggente.
Dopo un attento processo, Creative New Zealand ha nominato la Christchurch Art Gallery Te Puna o Waiwhetū come partner per la realizzazione del padiglione nazionale di Aotearoa New Zealand.
Presentata lo scorso anno, la nuova partnership garantisce che la gestione quotidiana del progetto sia supervisionata da un partner con vaste competenze, conoscenze ed esperienza nella curatela e nell'organizzazione di mostre su larga scala.
Si tratta di un approccio forte e pratico per mantenere la presenza di Aotearoa New Zealand a Venezia, afferma il Commissario neozelandese per la Biennale di Venezia e Presidente del Consiglio delle Arti, Kent Gardner.
"Siamo entusiasti di avere un partner con l'esperienza e la visione per offrire un'eccellente presentazione a Venezia, in seguito al numero storico di artisti neozelandesi invitati nel 2024. La vittoria del Leone d'oro per il miglior partecipante da parte di Mataaho Collective è stata un risultato straordinario e ha fatto luce sulla Nuova Zelanda e sui suoi artisti", afferma.
"L'Arts Council sostiene enormemente la presenza della Nuova Zelanda a Venezia e si è impegnato a organizzare mostre nei padiglioni nazionali nel 2026, 2028 e 2030", afferma Kent.
La Christchurch Art Gallery sta lavorando ai preparativi per la consegna del padiglione nazionale nel 2026, afferma il direttore Blair Jackson.
"Stiamo lavorando a stretto contatto con Creative New Zealand e siamo entusiasti di andare avanti con i piani per Venezia 2026. Il nostro team esperto e altamente qualificato non vede l'ora di operare in questo contesto speciale per portare l'arte di Aotearoa a un pubblico internazionale. La collaborazione creativa con gli artisti è ciò che ci dà forza come istituzione ed è un privilegio poter stabilire la direzione per il 2026", afferma Blair.
L'impegno di Creative New Zealand per il supporto continuo a Venezia è stato confermato nel 2022, in seguito a una revisione esterna sulla sostenibilità a lungo termine del progetto. La raccomandazione era che un partner di consegna esterno gestisse la logistica quotidiana, mentre il ruolo di Creative New Zealand si sarebbe concentrato sul mantenimento e sul rafforzamento del suo rapporto con la Biennale e sulla fornitura di livelli di finanziamento costanti e stabili.
Stephen Wainwright, amministratore delegato di Creative New Zealand, afferma che la Christchurch Art Gallery vanta una lunga collaborazione con Venezia.
"Il team della galleria è stato affiliato alla presenza di Aotearoa New Zealand alla Biennale per molti anni, inclusi il 2009, il 2011 e il 2013, quando l'ex direttrice Jenny Harper era Commissaria. È fantastico costruire su questa storia, creando al contempo un'opportunità per i curatori neozelandesi di lavorare nell'ambiente straordinario e storico della Biennale di Venezia", afferma Stephen.
Ulteriori informazioni e dettagli sul progetto di Fiona Pardington saranno resi noti più avanti nel 2025.

venerdì 6 dicembre 2024

Ásta Fanney Sigurðardóttir per l'Islanda

Icelandic Art Center is pleased to announce that Reykjavik-based artist Ásta Fanney Sigurðardóttir will represent Iceland at the 61st International Art Exhibition - La Biennale di Venezia in 2026.

Celebrated as one of Iceland’s most innovative contemporary artists, Sigurðardóttir is a poet, composer, filmmaker and visual artist, renowned for her interdisciplinary and forward-thinking practice.

Her work fuses text, moving images and visual art media, including drawing, screen printing and sculpture, converging in ephemeral performances and live actions. She resists conclusion and explanation, focusing on atmosphere as much as appearance. At the borders of experimental, mystical and conceptual, her work explores the boundaries between the conscious and the subconscious, always avoiding definitive interpretation.

Audience engagement is a key aspect of his practice, with live performances often incorporating spontaneous rewrites, improvisation, humor, and interactive

elements that bring his work to life. Sigurðardóttir treats the transference of words as an almost spiritual act, creating dreamlike vocal structures that reveal hidden, sometimes chaotic, layers of meaning.

His pieces delve into the spiritual and esoteric dimensions of human experience, reflecting on how intuition can reconnect us to ourselves and each other in an age of increasing technological detachment.

mercoledì 4 dicembre 2024

La Biennale di Venezia Koyo Kouoh Nominata Curatrice della Biennale Arte 2026

Il Cda della Biennale di Venezia si è riunito martedì 3 novembre e, su proposta del Presidente Pietrangelo Buttafuoco, ha deliberato di nominare Koyo Kouoh Direttrice del Settore Arti Visive, con lo specifico incarico di curare la 61. Esposizione Internazionale d’Arte nel 2026.

Koyo Kouoh (Camerun / Svizzera) è dal 2019 Direttrice Esecutiva e Chief Curator dello Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA) a Città del Capo, in Sudafrica. È stata Direttrice Artistica fondatrice di RAW Material Company, un centro per l'arte, la conoscenza e la società a Dakar, Senegal. Ha fatto parte del team curatoriale di documenta 12 (2007) e documenta 13 (2012). Nel 2020 ha ricevuto il Grand Prix Meret Oppenheim, prestigioso premio svizzero che riconosce successi nei campi dell'arte, dell'architettura, della critica e delle esposizioni. Vive e lavora tra Città del Capo, Sudafrica; Dakar, Senegal; Basilea, Svizzera.

Il presidente della Biennale Pietrangelo Buttafuoco ha dichiarato:
"La nomina di Koyo Kouoh alla direzione artistica del Settore Arti Visive è la cognizione di un orizzonte ampio di visione nel sorgere di un giorno prodigo di parole e occhi nuovi. Il suo sguardo di curatrice, studiosa e protagonista nella scena pubblica incontra, infatti, le intelligenze più raffinate, giovani e dirompenti. Con lei qui a Venezia, La Biennale conferma quel che da oltre un secolo offre al mondo: essere la casa del futuro."

Koyo Kouoh ha commentato il nuovo incarico con queste parole:
"L'Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia è da oltre un secolo il centro di gravità dell'arte. Artisti, professionisti dell'arte e dei musei, collezionisti, galleristi, filantropi e un pubblico in continua crescita si riuniscono in questo luogo mitico ogni due anni per cogliere il battito dello Zeitgeist. È un onore e un privilegio unici seguire le orme degli illustri predecessori nel ruolo di Direttore Artistico e creare una mostra che spero possa avere un significato per il mondo in cui viviamo attualmente e, cosa più importante, per il mondo che vogliamo costruire. Gli artisti sono i visionari e gli scienziati sociali che ci permettono di riflettere e proiettare in modi che solo questa professione consente. Sono profondamente grata al Consiglio di amministrazione della Biennale e in particolare al suo Presidente, Pietrangelo Buttafuoco, per avermi affidato questa missione così importante e non vedo l'ora di lavorare con l'intero team."
Koyo Kouoh ha organizzato mostre significative come Body Talk: Feminism, Sexuality and the Body in the Works of Six African Women Artists, presentata per la prima volta a Wiels a Bruxelles, in Belgio, nel 2015. Ha curato Still (the) Barbarians, la 37a edizione di EVA International, la Biennale d'Irlanda a Limerick nel 2016 e ha partecipato alla 57a Carnegie International a Pittsburgh, Pennsylvania, Stati Uniti, con il progetto espositivo ampiamente documentato Dig Where You Stand (2018), una mostra nella mostra, tratto dalle collezioni dei Carnegie Museums of Art and Natural History. Ha curato il Programma Educativo e Artistico di 1-54 Contemporary African Art Fair a Londra e New York dal 2013 al 2017.

È stata l'iniziatrice del progetto di ricerca Saving Bruce Lee: African and Arab Cinema in the Era of Soviet Cultural Diplomacy, co-curato con Rasha Salti presso il Garage Museum of Contemporary Art a Mosca, Russia, e la Haus der Kulturen der Welt a Berlino, Germania (2015-2018).

Attiva nel campo critico della comunità artistica in una prospettiva panafricana e internazionale, Kouoh vanta una lunga lista di pubblicazioni, tra cui When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting (2022), uscito in occasione della mostra omonima aperta al Zeitz MOCAA nel novembre 2022; Shooting Down Babylon (2022), la prima monografia sull'opera dell'artista sudafricana Tracey Rose; Breathing Out of School: RAW Académie (2021); Condition Report on Art History in Africa (2020); Word!Word?Word! Issa Samb and The Undecipherable Form (2013); e Condition Report on Building Art Institutions in Africa (2012), per citarne alcune. Dal 2013 al 2017 ha ricoperto il ruolo di Curatrice del Programma Educativo e Artistico della 1-54 Contemporary African Art Fair a Londra e a New York, la prima e unica fiera internazionale d’arte dedicata all’arte contemporanea africana e alla sua diaspora.

Durante il mandato allo Zeitz MOCAA, il suo lavoro curatoriale si è concentrato su mostre personali approfondite di artisti africani e di discendenza africana. In questo contesto, ha organizzato mostre con Otobong Nkanga, Johannes Phokela, Senzeni Marasela, Abdoulaye Konaté, Tracey Rose e Mary Evans.

martedì 19 novembre 2024

Yto Barrada per la Francia

foto di © Benoît Peverelli

Oggi l' Institut Francais ha comunicato che l'artista che rappresenterà la Francia alla prossima Biennale d'Arte sara Yto Barrada.

A seguito di una commissione di selezione organizzata dall'Istituto Francese, la Sig.ra Yto BARRADA è stata designata a rappresentare la Francia alla 61. Esposizione Internazionale d'Arte – La Biennale di Venezia nel 2026. La scelta di questa commissione, presieduta dalla Sig.ra Claire LE RESTIF, direttrice dell'Istituto Centro d'Arte Contemporanea di Ivry – le Crédac, è stato selezionato dal Sig. Jean-Noël BARROT, Ministro dell'Europa e degli Affari Esteri e Sig.ra Rachida DATI, Ministro della Cultura.

La giuria ha scelto Yto BARRADA “per la sua pratica multidisciplinare che riunisce diverse comunità artistiche e sociali alla ricerca di una nuova utopia. Ricercatore iconoclasta, artista totale e senza confini, Yto BARRADA reinventa la “scultura sociale” alla luce di pedagogie alternative e trasforma i canoni del modernismo in un giardino plurale. Da Parigi a Tangeri, passando per New York, disegna una mappa unica che raccoglie nuove voci – invisibili, fragili, storiche o dimenticate – per trasmettere le loro storie. Tanti motivi che hanno portato la giuria a invitare Yto BARRADA a dispiegare i suoi mondi nello spazio del Padiglione Francese e a condividerli con il pubblico della Biennale di Venezia. »

Nato nel 1971 a Parigi, Yto BARRADA è un artista franco-marocchino che vive e lavora tra New York e Tangeri. Ha studiato storia e scienze politiche alla Sorbona, poi fotografia a New York. Per 25 anni, ha sviluppato una pratica multidisciplinare - installazione, film, fotografia, scultura, tessile ed editoria - attraverso progetti a lungo termine che affrontano questioni diverse come il luogo del gioco nelle pedagogie alternative, la strumentalizzazione della botanica nelle politiche urbane, il traffico internazionale di fossili di dinosauro, l’antropologia coloniale, il panafricanismo o le politiche culturali durante la Guerra Fredda.

Esplorando contemporaneamente fatti culturali, processi naturali e storie storiche, il lavoro di Yto BARRADA presta particolare attenzione alla trasmissione del know-how locale, alla circolazione di forme estetiche e alle strategie di disobbedienza sociale. Evidenziando l'idea di comunità, parentela artistica e collaborazione con amici e familiari, spesso includono una rilettura delle avanguardie artistiche moderniste.

Yto BARRADA ha co-fondato la Cineteca di Tangeri nel 2006. Ha anche creato The Mothership , un centro di ricerca e residenza attorno a un giardino di piante tintorie che coltiva da dieci anni. The Mothership è un luogo di ritrovo per artisti, giardinieri e pensatori che vanta un approccio femminista, ecologico e giocoso alla creazione e trasmissione della conoscenza.

Il lavoro di Yto BARRADA è stato oggetto di mostre monografiche al Jeu de Paume, Parigi (2006); alla Renaissance Society, Chicago (2011); alla Tate Modern, Londra (2011); al Walker Art Center, Minneapolis, (2013); al Carré d'Art, Nîmes (2015); al Barbican Centre, Londra (2018); al MASS MoCA North Adams, Massachusetts (2021); al Museum of Modern Art, New York (2021); allo Stedelijk Museum, Amsterdam (2022); alla Kunsthalle Bielefeld, Germania (2023); a Césure – Urban Plateau nell'ambito del Festival d'Autunno (2023); al MoMA PS1, New York (2024), tra gli altri. Ha partecipato inoltre a numerose biennali, tra cui quelle di Venezia (2007, 2011), Sharjah (2011), Istanbul (2013), Marrakech (2016), Gwangju (2018) e Whitney (2022).

Le opere di Yto BARRADA fanno parte di collezioni pubbliche di tutto il mondo, in particolare quelle del Centre Pompidou (Parigi), del MoMA (New York), della Tate Modern (Londra), della Kunsthalle Basel, del Metropolitan Museum of Art (New York), Reina Sofia (Madrid), Mathaf (Doha) e Mumok (Vienna), tra gli altri.

Tra i suoi riconoscimenti, l'artista è stata nominata Artista dell'anno dal Deutsche Guggenheim nel 2011. Ha inoltre beneficiato della borsa di ricerca del Peabody Museum (Università di Harvard) nel 2013-2014, della Soros Arts Fellowship nel 2023 e ha ricevuto numerosi premi, tra cui l'Abraaj Group Art Prize nel 2015, il Roy R. Neuberger Prize nel 2019, il Mario Merz Prize e il Queen Premio Sonja Print nel 2022.

È rappresentata dalla Polaris Gallery (Parigi), dalla Sfeir-Semler Gallery (Beirut, Amburgo) e dalla Pace Gallery (New York, Londra, Seul, Hong Kong, Ginevra, Los Angeles, Tokyo).

Il Padiglione Francese

Il Padiglione Francese all’Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia è realizzato dall’Istituto Francese, sotto l’egida del Ministero dell’Europa e degli Affari Esteri e del Ministero della Cultura. Per la sua 61a edizione, il Padiglione accoglierà il progetto di Yto BARRADA e il pubblico in uno spazio completamente rinnovato dopo un anno di lavori e un'edizione fuori sede della Biennale di Architettura 2025. Questo progetto di restauro, finanziato dalla Francia, è gestito dagli Edifici e la Direzione della Logistica (DIL) del Ministero dell'Europa e degli Affari Esteri attraverso il suo dipartimento dei lavori e degli edifici francesi in Italia (STBI) in coordinamento con l'Ambasciata di Francia in Italia. I lavori, che inizieranno a gennaio 2025 e dureranno 15 mesi, mirano a migliorare le prestazioni energetiche dell’edificio, offrire una migliore accoglienza ai visitatori e ammodernare le strutture esistenti. Da dicembre 2021 gli studi per questo progetto sono affidati all'architetto veneziano Donata Cherido.

mercoledì 6 novembre 2024

Merike Estna per l'Estonia

The Estonian Centre for Contemporary Art is proud to announce artist Merike Estna has been selected to represent Estonia at the 61st Venice Biennale. The 61st International Art Exhibition La Biennale di Venezia takes place in 2026.

Merike Estna is a painter based in Tallinn and Mexico City. Her work focuses on the processes of painting as well as integrating works of art and life. Estna often uses craft practices, combining these with an expanded approach to painting to highlight traditions that have not been traditionally recognised in the medium of painting.

The open call for the 2026 Estonian pavilion received 25 submissions. The selection process was conducted in two stages by an international jury. First, the jury reviewed all submissions – a portfolio, a letter of motivation, and an idea-in-progress for the Estonian pavilion – and selected six artists for the second round. During the second round, the members of the jury conducted studio visits in Tallinn. The six artists included Merike Estna, Karel Koplimets, Paul Kuimet, Urmas Lüüs, Ene-Liis Semper and Kristina Õllek.

The jury consisted of Chus Martínez, Head of the Institute Art Gender Nature, Basel Academy of Art and Design FHNW in Switzerland; Hendrik Folkerts, Curator of International Contemporary Art and Head of Exhibitions at Moderna Museet in Stockholm; Lolita Jablonskienė, Chief Curator of the National Gallery of Art (NGA) in Vilnius; Anu Allas, Vice Rector for Research at the Estonian Academy of Arts; Maria-Kristiina Soomre, Art Adviser to the Estonian Ministry of Culture; and Maria Arusoo, Director of the Estonian Centre for Contemporary Art and Commissioner of the Estonian pavilion at the Venice Biennale.

Commenting on the process and selection criteria, the jury embraced the opportunity for engagement, reflecting on the artists’ methodologies and their approaches to uniquely contemporary questions. “One needs to see a jury like this not only as an instrument of decision-making but more broadly as providing an exchange between local artists and the international community. The jury recognised in the work of all twenty-five artists a valuable attempt to contribute to urgent questions about art and society, using a personal and unique language. The jury particularly acknowledges the very positive reception of the dialogues that took place during studio visits and the artists’ willingness to open up the work, to receive feedback, and to share concerns. This made the process a very valuable format in itself that may result in future collaborations. We would like to thank all artists for taking the time to respond to the call – it shows true commitment to art and culture,” the jury noted in a joint statement.
Regarding Merike Estna’s work, the jury was impressed by her ability to use the medium of painting as a space for politically and socially relevant questions, as well as the grounds for activating questions of artist labour. The jury recognised Estna’s work for its maturity and impact, appreciated the artist’s insistence on situating painting at the intersection of performance and the social. Her approach shows how traditional media can be re-invented as tools to regenerate a collective trust in art.

As the next stage, Estna will start developing the exhibition for the 2026 Estonian pavilion together with a team of the pavilion and consultants. The search for the location of the next Estonian pavilion starts in spring 2025.

Merike Estna (1980) lives and works in Tallinn, Estonia and in Mexico City, Mexico. She graduated from the painting department at the Estonian Academy of Arts (BA, 2005) and from Goldsmiths, University of London (MFA, 2009). She has received several Estonian art awards, among them the Hansapank stipend (2004), the Eduard Wiiralt Grant (2005) and Konrad Mägi Prize (2014). From 2017–2023, she was an associate professor at the Department of Painting at the Estonian Academy of Arts. Estna was among the recipients of the national artists’ salary between 2020 and 2022. More information about Estna’s work is available at the Estonian Centre for Contemporary Art’s artist database here.

Participating since 1997, this will be the fifteenth time Estonia will be exhibiting at the International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. The Estonian Centre for Contemporary Art is the official representative of the Estonian exposition and it is financed by the Estonian Ministry of Culture.

Abbas Akhavan per il Canada

Foto di Alex de Brabant

L'artista Abbas Akhavan rappresenterà il Canada

The National Gallery of Canada (NGC) announced that Abbas Akhavan will represent Canada at the 61st International Art Exhibition—La Biennale di Venezia from April to November 2026. Working across site-specific ephemeral installations, drawing, video, sculpture, and performance, Akhavan critically engages with formal, material, and social legacies that shape the boundaries between public and private spaces.

Jean-François Bélisle, Director & CEO of the National Gallery of Canada, commissioner of the Canada Pavilion in Venice, said: “The Biennale Arte is a vital forum where the world comes together and talks through art. The National Gallery of Canada is uniquely positioned to bring together artists, art institutions, and cultural organizations from across the country to celebrate Canadian talent on the global stage and facilitate connections in the art world. We are thrilled to announce that Abbas Akhavan has been nominated to represent Canada at the 61st International Art Exhibition—La Biennale di Venezia. Abbas’ work is shaped by the unique characteristics of the sites he works on, including the architectures, surrounding economies, and individuals who frequent them. We look forward to supporting him in bringing this vision to life at the Canada Pavilion.”

The artist was selected by a committee of experts in contemporary Canadian art comprised of Julie Crooks, Curator, Arts of Global Africa and the Diaspora, Art Gallery of Ontario; Léuli Eshrāghi, Curator of Indigenous Practices, Montreal Museum of Fine Art; Crystal Mowry, Director of Programs, MacKenzie Art Gallery; Daina Warren, Executive Director, Indigenous Initiatives at Emily Carr University; Pan Wendt, Curator, Confederation Centre of the Arts; and committee chairperson Jean-François Bélisle, Director & CEO, National Gallery of Canada.

Born in Tehran and based between Montreal and Berlin, Abbas Akhavan’s multidisciplinary practice reflects on the relationships between place and history, attending to the geopolitical forces which define spaces. Recent solo exhibitions include Copenhagen Contemporary and Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen (2023); Contemporary Art Gallery, Vancouver (2022); Chisenhale Gallery, London (2021); and The Power Plant, Toronto (2018). He was the recipient of the Sobey Art Award in 2015. In November 2026, the Walker Art Center in Minneapolis will present a mid-career survey of Akhavan’s work.

The artist selection committee said: “The committee was drawn to the interdisciplinary practice of Abbas Akhavan, a meticulous artist and thinker for whom the site of an exhibition becomes both a proposal and provocation involving the staging of relations between materials, memory, and place. Whether invoking the ruins of ancient statues destroyed during geopolitical conflicts or exploring the stated idealism of gardens and other domesticated spaces, Akhavan’s sculptural environments set the natural world in uneasy balance with the valorization, exploitations, or indeed indifferences of contexts, systems, and projections all too human in origin. We look forward to seeing Akhavan turn his attention to the space and architecture of the Canada Pavilion within the historic Giardini della Biennale in Venice.”

The International Venice Biennale is the largest and most prestigious contemporary art exhibition in the world with more than 80 participating countries. The Canada Pavilion is commissioned by the National Gallery of Canada and supported by the Canada Council for the Arts. It is presented in partnership with the National Gallery of Canada Foundation.

Visitors to the Venice Biennale 2024 can still view Kapwani Kiwanga: Trinket at the Canada Pavilion until November 24, 2024.

For more than 60 years, the Canada Pavilion, situated in the Giardini in Venice, has featured the work of the most celebrated Canadian artists. Canada’s representation in Venice has played a part in shaping the role and place of Canadian contemporary art within international circles, helping to launch or elevate the international careers of artists including Jean Paul Riopelle, Michael Snow, Geneviève Cadieux, Janet Cardiff & George Bures Miller, Rebecca Belmore, David Altmejd, Shary Boyle, BGL, Geoffrey Farmer, Isuma, Stan Douglas, and in 2024, Kapwani Kiwanga

Isabel Nolan per l'Irlanda

Dal sito https://visualartists.ie/ apprendiamo che Isabel Nolan rappresenterà l'Irlanda ala prossima Biennale nel 2026

Isabel Nolan announced to represent Ireland at 61st Venice Art Biennale in 2026
From the Department of Tourism, Culture, Arts, Gaeltacht, Sport and Media.

6th November 2024.

The Minister for Tourism, Culture, Arts, Gaeltacht, Sports and Media, Catherine Martin T.D. has announced the selection of artist, Isabel Nolan, with Georgina Jackson and The Douglas Hyde Gallery of Contemporary Art as the curator, to represent Ireland at the 61st Venice Art Biennale in 2026.

The Venice Biennale is one of the most important international platforms for visual arts, attracting over half a million visitors, including global curators, gallerists, art critics, and artists. The selection of the team to represent Ireland was made following an open, competitive process, with international jury members.

Minister Martin, said:
“I would like to congratulate Isabel Nolan, Georgina Jackson and The Douglas Hyde Gallery on being selected to represent Ireland at the 2026 Venice Art Biennale. Isabel Nolan is recognised to be at the forefront of Irish visual arts practice. Participation at the Venice Art Biennale increases awareness of Ireland’s strong visual arts sector; it is also an important moment in an artist’s career. My Department, through Culture Ireland, commissions Ireland at Venice in partnership with the Arts Council.”

Artist Isabel Nolan’s exhibitions are rooted in big subjects: cosmology and deep history; religion and mythology; mortality and love. Working across sculpture, textiles, paintings, drawings, photography and writing, Nolan responds to the fundamental question of how humans bring the world into meaning. Her work has a remarkable capacity to speak to audiences, looking for ways to like, or even love, the complex world we’ve made. In 2027, this work will return to Ireland on a national tour, supported by the Arts Council, in a variety of venues across the island.

The selected artist, Isabel Nolan said:
“To represent Ireland in any sphere of cultural activity is a great privilege. To have my work in congregation with so many other artists is a rare opportunity; as is the occasion to reach such large audiences there, and at home with the national tour.
Venice is an extraordinary city and to have the great fortune to realise this ambitious project with curator Georgina Jackson of The Douglas Hyde and producer Cian O’Brien is very exciting. Art has a strange and special capacity to make and test powerful kinds of community with shared knowledge and beauty, however temporary. The Venice Biennial is a stage like no other.”

Curator Georgina Jackson said:
“Artist Isabel Nolan is a leading light of contemporary Irish visual art. The Venice Biennale is an incredible platform to spotlight both her work and the vibrancy of Irish contemporary visual art, and connect to far reaching audiences. Showing Isabel’s work in Venice is a powerful proposition; motifs that recur in her work include arches, fallen chandeliers, surging waves and dying suns– imagery which will resonate dramatically in the Arsenale. I am honoured and excited to work with Isabel, producer Cian O’Brien, the team at The Douglas Hyde, Culture Ireland and The Arts Council to deliver Ireland at Venice 2026, and build on the legacy of successful previous pavilions.”

lunedì 6 maggio 2024

Mark Bradford a Venezia

Fra i tanti progetti presentati in questi giorni a Venezia questo sicuramente è fra i più sensati, si tratta di una iniziativa di lungo respiro realizzata da Mark Bradford con la Cooperativa Sociale Rio Terà dei Pensieri, che supera di gran lunga una serie di proposte pompose ma con contenuti molto limitati.

La collaborazione fra l'artista statunitense e la cooperativa veneziana inizia nel 2016, mentre l’artista era a Venezia per preparare la sua partecipazione alla 57° Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, come rappresentante degli Stati Uniti d’America.

Bradford voleva un rapporto con la città che andasse oltre il circuito dell’arte e cercando nel tessuto sociale ha incontrato il progetto di Rio Terà dei Pensieri. Incuriosito e stimolato dai racconti sulle attività della cooperativa, ha voluto visitare personalmente i laboratori in carcere, incontrare i detenuti e le detenute e condividere alcune fasi del loro lavoro, fino alla decisione di partecipare in prima persona a questo progetto.

L’artista ha sfruttato il palcoscenico mondiale della Biennale per mettere in luce e sostenere un modello di cooperazione sociale che interviene nel contesto penitenziario attraverso la creazione di opportunità lavorative per i detenuti e per chi torna in libertà.

Da questo incontro è nato Process Collettivo, un progetto che si basa sul principio di ascolto e sul principio di offerta: a partire dall’ascolto dei bisogni della comunità reclusa – bisogno di lavoro, certo, ma anche bisogno di “essere visti” e di aumentare l’interesse verso di sé – incrementare l’ offerta di una più vasta gamma di esperienze ed opportunità per questa stessa comunità.

Per mettere in pratica questi principi servono iniziative pratiche, ed è su questo terreno che è iniziata la collaborazione, aprendo un punto vendita dei prodotti fatti in carcere, in centro a Venezia. Un luogo dove i detenuti oltre che produttori, sono diventati essi stessi promotori, trovando spazi e momenti di condivisione con l’esterno.

Oggi il lavoro in carcere è diventato una realtà diffusa su quasi tutto il territorio nazionale e l’idea che anche in carcere si possano realizzare esperienze lavorative di qualità, che offrono la possibilità alle persone recluse di avere spazi di libertà, confronto e soddisfazione, è entrata a far parte della normalità: si tratta di un cambiamento culturale che la cooperativa Rio Terà dei Pensieri contribuisce a diffondere.

lunedì 29 aprile 2024

Color, terra e umanità, impressioni sulla Biennale

Arsenale - Courtesy La Biennale di Venezia foto Andrea Avezzù

Questa Biennale sicuramente si ricorderà per la forte presenza cromatica delle opere che propongono un'idea di mondo ancora pieno di energie e passioni.

Nel complesso emergono alcuni padiglioni che nonostate il fragile tema etnografico esprimono una forma estetica inaspettata, che può sicuramente essere definita arte.

Il progetto pare una evoluzione della scorsa Documenta più concentrata sulla relazioni sociali e sul ruolo di arte come comunità, mentre la Biennale pare più rappresentativa di identità.

Domina la pittura, soprattutto espressiva, ma sono anche presenti tanti filati e video, rare le installazioni o le sculture.

Padiglione Centrale - Courtesy La Biennale di Venezia foto Matteo de Mayda

Il progetto centrale del curatore ha sicuramente due focus che hanno riscosso molto interesse, la sezione dedicata agli artisti di origine italiana, migrati per il mondo, e la presenza del progetto Disobedience Archive di Marco Scotini che da diversi anni sta realizzando.

opera Untitled (Constellation) di Kang Seung Lee foto di Mark Blower

Fra i padiglioni nazionali quelli più stimolanti sicuramente quello degli USA che colpisce per l’intensità cromatica, poi sicuramente quello della Svizzera con l’esilarante lavoro di Divin Amore, per proseguire con quello dell’Australia dal forte impegno culturale e storico.

Daniel Otero Torres Courtesy La Biennale di Venezia foto Marco Zorzanello

Nel complesso si conferma il ritorno della pittura, anche se spesso pare più una forma di memoria emotiva che una ricerca pittorica significativa.

Il progetto del curatore mette in risalto una sezione del mondo che pulsa di espressione ma poco di creatività, anzi molto spesso è uno stile che si esprime in forme che sono oramai statiche, che anche se avvicinate alle culture europee non hanno prodotto particolari sviluppi.

Questa cifra etnografica evidenzia un limite espressivo che manifesta la debolezza delle forme culturali quando non si trasformano con l’evoluzione culturale ma diventano realtà “musealizzate”, in cui la tradizione diventa un limite e in fondo una forma di divisione, distanza e separazione.

Il Padiglione Italia, con l'intervento di Massimo Bartolini, si discosta da queste riflessione e riesce a creare una espressione fuori dal coro che nel suo minimalismo pare anche più intensa per forma e riflessioni.