Eventi collaterali ufficiali alla Biennale di Venezia

 

In queste giornate della Biennale sono tantissime le occasioni espositive parallele, in particolare ci sono gli eventi collaterali ufficiali alla Biennale di Venezia che quest'anno sono 

A Journey to the Infinite: Yoo Youngkuk

Yoo Youngkuk Art Foundation

Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa 5252

20 aprile – 24 novembre 2024

 

A World of Many Worlds

Asia Forum & Asymmetry Art Foundation

Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa 5252

20 aprile

 

Above Zobeide, Exhibition from Macao, China

Macao Museum of Art

Istituto Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3701

20 aprile – 24 novembre 2024

 

All African Peoples' Consulate

The Africa Center and Open Society Foundations

Castello Gallery, Castello 1636/A

20 aprile – 29 settembre 2024

 

Andrzej Wróblewski (1927-1957). In the First Person

Starak Family Foundation

Procuratie Vecchie, San Marco 139 - 153/A

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Berlinde De Bruyckere: City of Refuge III

Abbazia di San Giorgio Maggiore - Benedicti Claustra Onlus

Isola di San Giorgio Maggiore

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Catalonia in Venice | Bestiari | Carlos Casas

Institut Ramon Llull

Docks Cantieri Cucchini, Castello 40/A

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Cosmic Garden

Chanakya Foundation

Salone Verde - Art & Social Club, Calle Regina 2258

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Daring to Dream in a World of Constant Fear

Victor Pinchuk Foundation

Palazzo Contarini Polignac, Dorsoduro 874

20 aprile - 1 agosto 2024

 

Desde San Juan Bautista…

Consolato REM Brega

Bruchium Fermentum, Calle del forno, Castello 2092

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Elias Sime: Dichotomy ፊት አና jerba

Kunstpalast Düsseldorf

Tanarte, Ramo de la Tana, Castello 2125

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Ernest Pignon-Ernest: Je Est Un Autre

Fondation Louis Vuitton

Espace Louis Vuitton, Calle del Ridotto 1351

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Ewa Juszkiewicz: Locks With Leaves And Swelling Buds

Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso

Palazzo Cavanis, Fondamenta Zattere ai Gesuati, 920

20 aprile – 1 settembre 2024

 

Jim Dine - Dog on the Forge

Kunsthaus Goettingen

Palazzo Rocca Contarini Corfù, Dorsoduro 1057/D

20 aprile – 21 luglio 2024

 

Josèfa Ntjam: swell of spæc(i)es

LAS Art Foundation

Accademia di Belle Arti di Venezia, Fondamenta Zattere allo Spirito Santo, 423

Palazzina Canonica – CNR ISMAR (Istituto delle Scienze Marine), Riva dei Sette Martiri, 1364/A

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Lee Bae — La Maison de La Lune Brûlée

Fondation d'Entreprise Wilmotte and Foundation Hansol of Culture

Fondation d'Entreprise Wilmotte, Corte Nuova, Fondamenta dell'Abbazia, Cannaregio 3560

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Madang: Where We Become Us

Gwangju Biennale Foundation

Il Giardino Bianco Art Space, Castello 1814

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Passengers In Transit

CCA Lagos, (Centre For Contemporary Art)

Ex Farmacia Solveni, Dorsoduro 993-994

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Per non perdere il filo. Karine N’guyen Van Tham – Parul Thacker

Fondazione dell’Albero d’Oro

Palazzo Vendramin Grimani, San Polo 2033

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Peter Hujar: Portraits in Life and Death

Peter Hujar Foundation

Istituto Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3703

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Rebecca Ackroyd: Mirror Stage

Kestner Gesellschaft

Fondaco Marcello, Calle del Traghetto o Ca' Garzoni, San Marco 3415

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Robert Indiana: The Sweet Mystery

Yorkshire Sculpture Park

Procuratie Vecchie, Corte Maruzzi 105, Piazza San Marco, San Marco 1218/b

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Seundja Rhee: Towards the Antipodes

KoRICA (Korean Research Institute of Contemporary Art)

ArteNova, Castello 5063

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Shahzia Sikander: Collective Behavior

The Cincinnati Art Museum and The Cleveland Museum of Art

Palazzo Soranzo Van Axel, Fondamenta Van Axel o de le Erbe

20 aprile – 20 ottobre 2024

 

South West Bank

Landworks, Collective action and Sound

Artists + Allies x Hebron

Magazzino Gallery, Palazzo Polignac, Dorsoduro 878

20 aprile – 24 novembre 2024

 

The Endless Spiral: Betsabeé Romero

Museum of Latin American Art (MOLAA)

Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Galleria di Piazza San Marco 71/C

20 aprile – 1 settembre 2024

 

The Spirits of Maritime Crossing

Bangkok Art Biennale Foundation

Palazzo Smith Mangilli Valmarana, Cannaregio 4392

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Trevor Yeung: Courtyard of Attachments, Hong Kong in Venice

M+, West Kowloon Cultural District Authority and Hong Kong Arts Development Council

Ramo de la Tana, Castello 2126

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Ydessa Hendeles: Grand Hotel

Art Museum at the University of Toronto

Spazio Berlendis, Cannaregio 6301

20 aprile – 24 novembre 2024

 

Yuan Goang-Ming: Everyday War

Taipei Fine Arts Museum of Taiwan

Palazzo delle Prigioni, Castello 4209

20 aprile – 24 novembre 2024

News dal Padiglione Ucraina

 

Net Making, a group exhibition curated by Viktoria Bavykina and Max Gorbatskyi which draws from the practice of weaving of camouflage nets collectively as a metaphor for joint horizontal actions, will present Ukraine at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. The exhibition will feature works by Katya Buchatska (in collaboration with 15 neurodivergent artists), Andrii Dostliev and Lia Dostlieva, Daniil Revkovskyi and Andrii Rachynskyi, and Oleksandr Burlaka. "Weaving nets is a key metaphor reflecting today's Ukraine. Amid the Russian invasion, Ukrainians are uniting: volunteer to fight, rebuild destroyed houses of their neighbors, fundraise, and gather to weave camouflage nets. It is a recognition of a bottom-up joint action that benefits each other and the country," the curators comment. The theme of the Biennale Arte 2024, Stranieri Ovunque — Foreigners Everywhere, touches upon the universal issues of otherness and the coexistence of diversity. In line with the Biennale's theme, the Ukrainian Pavilion project will address the topic of otherness through personal experiences of war, emigration, assimilation in new societies, and the transformation of language under the pressure of violence.

IN THE PAVILION The Ukrainian pavilion is framed by Oleksandr Burlaka's architectural installation work, composed of woven linen fabrics from the 1950s which were found at Ukrainian flea markets and online marketplaces. The installation creates a circular space for three other art projects: the film Civilians. Invasion by Daniil Revkovskyi and Andrii Rachynskyi, the installation Best Wishes by Katya Buchatska, and the video Comfort Work by Andrii Dostliev and Lia Dostlieva. Daniil Revkovskyi  and Andrii Rachynskyi will present the film Civilians. Invasion, which tells the story of the first days of the full-scale Russian invasion of Ukraine through the eyes of survivors. The artists assembled the film from the videos they found using open sources and private YouTube channels. “This film is a horror encyclopedia, capturing the harrowing experiences people endure during a full-scale invasion,” the artists note. Precarious and authentic footage made by witnesses risks being lost in the flux of video content, but collected together, these films attempt to both communicate people's experiences while serving as preserved evidence of crime. Katya Buchatska will present Best Wishes, a work she created in collaboration with neurodivergent artists. During the first week of the full-scale invasion, Buchatska resumed online classes at an inclusive art workshop in Kyiv, where artists met daily to paint and talk. “Life went on, days passed, birthdays came. We wished each other happy birthday on every occasion, and gradually, the language clichés became increasingly obtrusive and incongruous, alienated from us,” says the artist. Best Wishes is an attempt to rethink the conventions of greetings and wishes — clichés that often operate under rules of language rather than the actual needs of human communication. In her work, Buchatska explores language transformations amid life-threatening conditions, emphasising the imperative to resist violence. Continuing the theme of clichés and otherness, Comfort Work by Andrii Dostliev and Lia Dostlieva ironically investigates the stereotypes and expectations laid upon refugees in Europe, playfully creating a safe space for Ukrainians with the experience of displacement to reclaim their agency and throw those stereotypes back in the faces of those who created them. The project involves Ukrainian communities across Europe who shaped the stereotypical representations of themselves with the help of local professional actors.

ABOUT THE CURATORS  Viktoria Bavykina and Max Gorbatskyi have been working together since 2019. In 2022, they founded Ukrainian.Photographies, a platform that collects visual and textual research on Ukrainian photography. In 2023, they curated the HOME programme at Open Eye Gallery, and culture institutions across Liverpool City Region as part of the EuroFestival, a parallel programme of Eurovision 2023 in Liverpool, UK. They were co-curators of several exhibitions dedicated to the Ukrainian Photographic Alternative, an informal group that united over 100 photographers from all over Ukraine.   The Net Making project is implemented with the support of the Ministry of Culture and Information Policy of Ukraine, the Ukrainian Institute, Goethe-Institut, British Council, The University of Liverpool, PEN America’s Artists at Risk Connection (ARC), Grynyov Art Collection, Open Eye Gallery, Documenting Ukraine, Institute for Human Sciences, European Union under the House of Europe programme, Galeria Labirynt, LAW NET, Scott&Co, and atelienormalno.

Papa Francesco alla Biennale

 

Per la prima volta un Papa sarà presente alla Biennale, infatti il prossimo  28 aprile Papa Francesco sarà in visita a Venezia, per aprire il Padiglione della Santa Sede, presso il carcere femminile della Giudecca, che partecipa alla 60ma Esposizione Internazionale d’Arte, la Biennale di Venezia.

News dal Padiglione Olanda

 

White Cube sculpture by CATPC. ©Koos Breukel_2023

The Virginia Museum of Fine Arts (VMFA) approves temporary loan request by artist collective CATPC

Historic step forwards for artist collective Cercle d'Art des Travailleurs de Plantation Congolaise (CATPC) and Lusanga (DRC), as Virginia Museum of Fine Arts confirms the loan of the sculpture ‘Balot’, a carved wood ancestral power-figure made in 1931. CATPC requested the temporary loan of Balot in anticipation of the exhibition in the 2024 Dutch National participation at the International Art Exhibition of La Biennale di Venezia in collaboration with Dutch artist Renzo Martens and curator Hicham Khalidi. The sculpture is expected to be on display in Lusanga to the public from April 20 to November 24, 2024, parallel to the Biennale di Venezia.

The sculpture has been part of the VMFA collection since 2015. The statue was created after the Pende Revolt of 1931 by a Kwilu Pende artist and was initially intended as a power object to harness Belgian Colonial Officer Maximilian Balot’s angry spirit. It was used as a force for protection against the plantation regime. For CATPC, given the current conditions on the former Unilever plantations and the strategies of resistance of the communities today, the return of this sculpture, even on a temporary basis, is of great significance.

 

It has long been CATPC’s wish and that of their community that the ancestral sculpture will travel back to Lusanga to be ritually reunited with the region’s notables, traditional chiefs, current and former plantation workers, children, women, men and other Earth-beings. CATPC believes in restoring balance and correcting past injustices once the sculpture held sacred to their community is displayed at the White Cube museum in Lusanga. It will allow their community to physically and historically reconnect with their history and their resistance, to recover the sculpture’s meaning and purpose and to express “a shared heritage for all humanity that traverses the world” (Ced’art Tamasala, CATPC).  

 

Ced’art Tamasala on behalf of CATPC: “We at CATPC are part of a new generation of plantation workers that is seeking, proposing and trying to find sustainable answers to the long-standing questions that are the key to the liberation of plantations. The return of Balot focusses our energy and strengthens our cause. Ultimately, by restoring the balance and correcting past injustices, the return of Balot will allow us to continue to buy back the land that was taken from us by colonial forces, it will enable us to abolish forced and destructive monoculture and to plant, regenerate and nourish back into existence our sacred forests.”

 

“The Virginia Museum of Fine Arts is delighted to partner with CATPC for this important exhibition,” says VMFA’s Director and CEO Alex Nyerges. “The sculpture’s appearance in Lusanga will be profoundly meaningful to the people in that region. The loan of a wooden sculpture from an American museum’s collection to a museum in the Democratic Republic of the Congo is also of historic significance, and we hope it will inspire a new era of collaboration and partnerships between museums on both continents.”

Eelco van der Lingen, director of the Mondriaan Fund and commissioner: "It’s great that the Virginia Museum of Fine Arts is committed to really engage with the meaning of the sculpture and with the value it represents for the people from where it originates. I am delighted the loan is agreed on for CATPC and I trust that this narrative will be given a proper podium at La Biennale di Venezia in the presentation by CATPC, Renzo Martens and Hicham Khalidi.”

 

Hicham Khalidi, curator: “This is truly a historic moment. One that culminates with the showing of the other sculptures at the Rietveld Pavilion in Venice in an attempt to mend back into a whole the fragmented collective’s history.” 

 

Renzo Martens, Dutch artist: “I am so glad that we have been able to create, even if on a small, and still symbolic scale, a level playing field, between the museums and communities on the plantations that have financed the construction of museums. Now that VMFA has decided to enter in a constructive dialogue with CATPC, this sculpture, and art in general, can fulfill its full role in life. I could not be more pleased."

 

La Biennale di Venezia

For the 60th edition of the International Art Exhibitions of La Biennale di Venezia CATPC will present new works in the Dutch National participation in collaboration with artist Renzo Martens and curator Hicham Khalidi. The forthcoming exhibition is but one component of their ongoing commitment for the plantation of Lusanga to be freed, regenerated and transformed back into sacred forests, as well as their commitment to a greater project of spiritual, ethical and economic reckoning. The exhibition will be on display from 20 April 2024 until 24 November 2024 at the Rietveld Pavilion in Venice and simultaneously in the White Cube in Lusanga (DRC).

https://www.mondriaanfonds.nl/en/activities/venice-biennale/

Padiglione Santa Sede

 

Dopo alcune partecipazioni (2013 e 2015) e alcune assenze, in questi giorni è stato annunciato che il Dicastero per la Cultura e l’Educazione sarà l' Ente Promotore del Padiglione della Santa Sede alla prossima Biennale di Venezia. 

Il progetto si chiamerà "Con i miei occhi", curatori del Padiglione della Santa Sede saranno Chiara Parisi e Bruno Racine, lo spazio sarà il Carcere Femminile della Giudecca.

Gli artisti partecipanti: Maurizio Cattelan, Bintou Dembélé, Simone Fattal, Claire Fontaine, Sonia Gomes, Corita Kent, Marco Perego & Zoe Saldana, Claire Tabouret  e ci sarà un intervento del curatore Hans Ulrich Obrist.

News dal Padiglione UAE

The National Pavilion UAE Announces 2024 Exhibition Abdullah Al Saadi: Sites of Memory, Sites of Amnesia Curated by Tarek Abou El Fetouh

Wanderer and chronicler, Abdullah Al Saadi is considered a key figure of the founding contemporary art scene in the UAE. His solo exhibition for the National Pavilion UAE features eight artworks inspired by his journeys into the wilderness and proposes to look at his creative process in relation to the practices of Arab poets centuries ago. During his journeys, Al Saadi starts to draw, paint, or write once he feels immersed in nature. Similarly, classical Arab poets described this immersion as the process leading up to the composition of their poems. He travels alone, accompanied only by a specific book, music, animal friend, or means of transportation, which significantly impacts his artworks as they keep him company while exploring the land and humankind’s place in it. The exhibition is an invitation to enter Abdullah Al Saadi’s singular world and to wander among its unique and rich features. For more information about the National Pavilion UAE’s eighth participation at the Biennale Arte please visit here. The National Pavilion UAE will be inaugurated on 17 April 2024 at 11 a.m. during the Preview Days 17-19 April 2024.  The 60th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia will open to the public in Venice, Italy between 20 April - 24 November 2024.

San Marino

Lo Stato di San Marino presenta un artista americano Eddie Martinez Martinez, conosciuto soprattutto come pittore, esporrà dipinti, disegni e sculture. La sua mostra, “Nomader”, sarà curata da Alison M. Gingeras, organizzata dall'Istituto d'Arte Contemporanea FR, e commissionata dall'ex capitano reggente della San Martino Paolo Rondelli, titolo della mostra sarà “Nomader” .

News dal Padiglione Svizzera

 

Image: “Roma Talismano” still image, photo by Guerreiro do Divino Amor & Diego Paulino, with performers Ventura Profana, Adriana Carvalho and Amanda Seraphico, 2023 

The Swiss Pavilion at the 60th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, commissioned by the Swiss Arts Council Pro Helvetia, presents the exhibition “Super Superior Civilizations” by Swiss-Brazilian artist Guerreiro do Divino Amor, curated by Andrea Bellini.

The Swiss Pavilion exhibition presents the sixth and seventh chapters of Guerreiro do Divino Amor's monumental "Superfictional World Atlas" saga: The Miracle of Helvetia and Roma Talismano. The "Superfictional World Atlas" is a worldwide cartographic project, allegorical in nature and potentially infinite in scope, which the artist has been dedicated to for nearly two decades. Through his studies and research in experimental architecture, Guerreiro do Divino Amor's artistic practice questions the relationship between urban space and collective imagination, between architecture and ideology, and between political propaganda and national identity. 

In the Swiss Pavilion, Guerreiro aims at creating the most complex and ambitious installation of his career so far: a total, immersive work of art, littered with classical architectural elements — artificial symbols of an assumed Western racial superiority. Columns, fountains, and capitals, along with large surfaces of fake marble textures, suggest an imagery of power and supremacy and serve as the backdrop for the Pavilion's two main installations. 

The Miracle of Helvetia, a video that stages a grand allegory of Switzerland, represented as a miraculous and "super-fictional" paradise on earth, in which nature and technology, capitalism and democracy, rusticity and sophistication are in perfect and surreal balance. A long corridor connects The Miracle of Helvetia with the installation Roma Talismano, an allegorical entity and phantasmagorical twin of Roman civilization, as well as a symbol — through the centuries — of a supposed moral, political and cultural superiority. Brazilian artist and singer Ventura Profana embodies the Capitoline wolf, a symbolic and phantasmagorical animal, that sings a song narrating the exploits of three allegorical animals: the she-wolf, the ewe lamb and the eagle. By being mythical figures in the constitution of white identity and its imagined superiority, the wolf is the universal mother from whom the superior people descend; the eagle is the symbol of Roman war supremacy; and the lamb embodies, in Christian Rome, the very idea of purity and innocence.

"The Swiss Pavilion, as envisioned by the artist, plays with the national logic of celebratory self-representation through culture, which is at the very origin of the National Pavilions at the Giardini over a century ago," says Andrea Bellini. “A curious documentarist with a baroque imagination and an extraordinary worlds builder, Guerreiro do Divino Amor invites us to laugh in a benevolent spirit at our chauvinism and at those clichés with which we represent the world and ourselves. The latter attitude seems to us of fundamental importance in a period of increasing polarisation of politics and radical oppositions such as the one we are currently experiencing."

Project team 

For the Swiss Pavilion project, “Super Superior Civilizations”, artist Guerreiro do Divino Amor and curator Andrea Bellini worked together with executive producer Larisa Oancea, director assistant Diego Paulino, musical director Beà Ayoolà, scenography producer Giovanna Bellini, technical director Pedro Zaz, sculptress Lyz Parayzo and costume designer Andy Roba, among many others. The cast includes Ventura Profana (the she-wolf), Adriana Carvalho (the eagle) and Amanda Seraphico (the ewe lamb). 

The exhibition “Super Superior Civilizations” will be accompanied by a newspaper-format publication including a conversation between Guerreiro do Divino Amor and Andrea Bellini.  

Padiglione Germania

 

Biennale Arte 2024, il Padiglione della Germania  raddoppia la sua proposta con l’artista Yael Bartana e il regista Ersan Mondtag presso il Padiglione ai Giardini e una sezione staccata presso  l’isola della Certosa, con gli artisti Michael Akstaller, Nicole L’Huillier, Robert Lippok e Jan St. Werner per un progetto declinato al sonoro.

Padiglione del Cile

 

Il Padiglione del Cile sarà presente, non come precedentemente all'Arsenale ma in una posizione esterna, essendo in restauro lo spazio. Parteciperà con l'intervento dell'artista Valeria Montti, di origini cilene ma residente in Svezia, curatore sarà Andrea Pacheco col supporto produttivo di Carola Chacón

Variazioni al Padiglione del Marocco

 

Da un annuncio sul profilo istagram di uno degli artisti (Safaa Erruas) che era stato selezionato per il Padiglione del Marocco, alla sua prima partecipazioni, pare che ci siano delle variazioni, attendiamo informazioni ufficiali. 

Wael Shawky per l'Egitto

 

L'artista Wael Shawky rappresenterà l'Egitto alla Biennale di Venezia di quest'anno.

Narratore naturale, Shawky prende riferimenti storiografici e letterari come punto di partenza per le sue narrazioni concentrate, in cui intreccia favola, realtà e finzione. Affrontando nozioni di identità nazionale, religiosa e artistica attraverso film, performance, pittura e scultura, sulla base di lunghi periodi di ricerca e indagine, Shawky inquadra la cultura contemporanea attraverso la lente della tradizione storica e viceversa.

Oltre al padiglione la galleria Lisson organizza una mostra personale di Shawky  dal titolo 'I Am Hymns of The New Temples' al Museo Palazzo Grimani di Venezia, che inaugura il 17 aprile 2024. Co-curata da Massimo Osanna, Andrea Viliani e Gabriel Zuchtriegel, la mostra è organizzata in collaborazione con il Parco Archeologico di Pompei, nell'ambito del programma 'Pompeii Commitment. Questioni archeologiche'.

La prima del Benin

 

La Repubblica del Benin svela il titolo e il concept del suo padiglione nazionale in vista della sua prima partecipazione alla 60. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia.   La Repubblica del Benin è lieta di annunciare il titolo e il concept del suo padiglione nazionale in vista della sua prima partecipazione alla 60. Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia, in programma da sabato 20 aprile a domenica 24 novembre 2024.   Intitolata Everything Precious Is Fragile, la mostra ripercorrerà la ricca storia del Benin approfondendo tematiche quali la tratta degli schiavi, la figura dell’Amazzone, la spiritualità e la religione Voodoo. Si addentrerà inoltre nella realtà contemporanea raccontando il pensiero Gèlèdé, incentrato sul concetto di rematriation: un’interpretazione femminista dell’idea di “restituzione”, non solo legata agli oggetti, ma anche riferita al ritorno alla filosofia e agli ideali di questa terra antecedenti all’epoca coloniale. Il curatore Azu Nwagbogu e il suo team – la curatrice Yassine Lassissi e lo scenografo Franck Houndégla – hanno selezionato quattro grandi artisti che rappresenteranno il Benin alla Biennale Arte 2024: Chloé Quenum, Moufouli Bello, Ishola Akpo e Romuald Hazoumè.   Sotto la guida di Azu Nwagbogu, gli artisti racconteranno il femminismo africano ponendo l’accento sulla sua declinazione in Benin. Come afferma José Pliya, committente del padiglione, “il Benin parteciperà così al grande ‘appuntamento del dare e del ricevere’, per citare Léopold Sédar Senghor”.   Con la sua presenza all’evento, il Benin dimostra il suo impegno nel promuovere attivamente il proprio scenario artistico e culturale. La scelta di prendere parte alla Biennale Arte 2024, inoltre, è in qualche modo connessa alla recente restituzione, avvenuta nel 2021, di 26 tesori sottratti alla famiglia reale all’epoca della colonizzazione francese del regno di Danxomè. Sulla scia di questo avvenimento, la mostra Art du Bénin d’hier et d’aujourd’hui, de la restitution à la révélation (Arte del Benin di ieri e di oggi, dalla restituzione alla rivelazione), allestita a Cotonou e attualmente riproposta in diversi Paesi, ha preparato il terreno per la partecipazione del Benin alla 60. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia.   Il Padiglione del Benin alla Biennale Arte 2024 è gestito dall’Agence de développement des arts et de la culture (ADAC, l’agenzia beninese per lo sviluppo dell’arte e della cultura) per conto del Ministero beninese del Turismo, della Cultura e delle Arti. Concept curatoriale: Il curatore Azu Nwagbogu e il suo team, composto da Yassine Lassissi e Franck Houndégla, hanno individuato quattro tematiche legate alla storia e alla cultura del Benin: la schiavitù, la figura dell’Amazzone, la filosofia Gèlèdé e la religione Voodoo. A unire questi temi, il fil rouge del femminismo africano e, nello specifico, quello beninese.   La spiritualità Gèlèdé, rappresentata mediante l’uso di maschere, simboleggia il potere spirituale delle madri nella società beninese, mentre il soggetto iconico dell’Amazzone riporta alla memoria il potere politico e militare di cui godevano le donne ai tempi del regno di Danxomè.   Analizzando la storia della tratta degli schiavi emerge il ruolo fondamentale delle donne nella lotta contro la schiavitù: si sono infatti opposte con coraggio difendendo la loro stessa libertà. Infine, lo studio della religione Voodoo mette in luce il contributo determinante delle donne sia in veste di sacerdotesse sia come fedeli.

Moufouli Bello. Avvocata convertita all’arte, Moufouli Bello ha scelto il linguaggio artistico come mezzo di esplorazione delle identità e dei costrutti sociali. Giovane esponente delle arti visive e digitali, si è formata a Le Fresnoy - Studio National des arts contemporains ed è attualmente impegnata in un dottorato di ricerca nel campo delle arti visive. È nota principalmente per i suoi dipinti figurativi: ritratti di grandi dimensioni raffiguranti figure femminili di tonalità brillanti su sfondi di colore blu acceso.

Chloé Quenum (nata a Parigi nel 1983) Dopo il diploma all’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, conseguito nel 2011, Chloé Quenum ha studiato Antropologia della scrittura all’École des hautes études en sciences sociales (EHESS). Il suo lavoro affronta in maniera sottile e poetica questioni politiche, sociali e legate all’ecologia.

Ishola Akpo (nato nel 1983, attualmente vive a Cotonou, nel Benin) Ishola Akpo è un artista visivo che sperimenta con diversi mezzi unendo tradizione e modernità, per dare vita a una varietà di metafore. Il confine tra realtà e finzione, tra identità fisse e plurime, rimane il punto focale del suo lavoro.

Romuald Hazoumè (nato nel 1962, attualmente vive a Cotonou, nel Benin) Apprezzato in tutto il mondo per le sue maschere, realizzate con taniche di benzina in plastica usate, Romuald Hazoumè è un artista impegnato socialmente; le sue opere sono saldamente radicate nel contesto socio-politico e culturale del Benin e del mondo globalizzato. Le maschere di Hazoumè veicolano un messaggio forte, che rappresenta le taniche come veri e propri oggetti iconici di Porto Novo, mentre le sue installazioni sono sempre dense di significato e rivelano profonde intuizioni sul mondo.

Il team del padiglione: José Pliya (Commissario): Letterato, drammaturgo e regista teatrale, José Pliya è responsabile del turismo, dell’arte e della cultura per conto del Presidente della Repubblica del Benin. Azu Nwabogu (Curatore): Fondatore e direttore della African Artists’ Foundation (Fondazione degli artisti africani - Lagos, Nigeria) e fondatore del LagosPhoto Festival. Yassine Lassissi (Team curatoriale): Direttrice del dipartimento di Arti Visive presso l’Agence de développement des arts et de la culture (ADAC) e storica dell’arte. Franck Houndégla (Team curatoriale): Scenografo e designer con un dottorato in architettura, è specializzato nella realizzazione di mostre e nell’allestimento di musei, luoghi dedicati alle performance e spazi abitativi.   Nota La prima partecipazione del Benin all’Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia è in linea con il tema della 60a edizione, curata da Adriano Pedrosa, Stranieri Ovunque - Foreigners Everywhere, una tematica che invita all’accettazione della pluralità identitaria e che celebra la capacità di oltrepassare i confini. L’esplorazione del femminismo africano da parte del Benin rende omaggio alla poliedricità delle donne e si propone di immaginare un mondo in cui la diversità sia considerata fonte di ricchezza e forza.

Artefici del nostro tempo

 

Al via la quinta edizione del concorso artistico "Artefici del nostro tempo" Brugnaro: "Venezia, alla Biennale e non solo, mette a disposizione luoghi prestigiosi per dare spazio al talento dei giovani"

Ritorna l’11 gennaio, con la pubblicazione del bando, l’appuntamento con "Artefici del nostro tempo", il concorso per giovani artisti under 35 giunto quest'anno alla quinta edizione, iniziativa che riconferma il ruolo di Venezia come capitale della cultura artistica giovanile, vero e proprio laboratorio e punto di riferimento per la sperimentazione e per lo sviluppo delle arti visive. I vincitori per ciascuna delle sette discipline in concorso, Fotografia, Fumetto e Illustrazione, Opere in Vetro, Pittura, Poesia Visiva, Street Art e Video Arte, esporranno le loro opere all'interno del Padiglione Venezia ai Giardini della Biennale, vetrina tra le più influenti ed esclusive del panorama espositivo internazionale. “Stranieri ovunque – Foreigners Everywhere” sarà il tema della prossima Biennale Arte – tema declinato poi nell’allestimento e nei contenuti all’interno del Padiglione Venezia - e questo sarà l’assunto che i giovani artisti saranno chiamati a sviluppare in maniera originale, persuasiva e aderente all’argomento.   La partecipazione al concorso è gratuita e la domanda di partecipazione dovrà essere presentata entro le ore 12 di lunedì 26 febbraio 2024 tramite la compilazione di un apposito modulo accessibile all’indirizzo web www.comune.venezia.it dove potrà essere scaricato anche il bando in italiano e in inglese.   Molte sono le novità di questa edizione di “Artefici del nostro tempo”, a cominciare dal fatto che l’opera vincitrice per ciascuna categoria in concorso sarà esposta direttamente all’interno dell’emiciclo del Padiglione Venezia, in stretto dialogo e relazione tematica con le opere degli artisti chiamati dai curatori del Padiglione a rappresentare la città di Venezia alla Biennale Arte. Non è però la sola novità di quest’anno. E’ aumentato infatti, rispetto alle scorse edizioni, il montepremi per i primi tre classificati di ogni categoria artistica, che si fa più cospicuo e rende più attrattiva la partecipazione al concorso.   Inoltre, per gettare nuovi sguardi verso la creatività ed espressività contemporanea, al fine di intendere la tecnologia digitale come una risorsa e non come una alternativa, vi sarà la possibilità di realizzare l’opera in concorso anche, ma non completamente, con l’ausilio dell’Intelligenza Artificiale, purché l’autore lo dichiari esplicitamente in fase di iscrizione, pena l'esclusione.   Vi è infine una iniziativa che conferisce un grande valore aggiunto a questa edizione di “Artefici del nostro tempo” e crea nuove opportunità per gli artisti; sono infatti previsti due premi speciali, due residenze d’artista nella sede di Palazzo Poerio a Mestre da destinare a due artisti (o collettivi) ritenuti meritevoli, ad insindacabile giudizio del Comitato organizzatore del concorso, di aver saputo al meglio rappresentare il tema della Biennale e del Padiglione Venezia.   A tale proposito il Sindaco Luigi Brugnaro afferma: “Artefici del nostro tempo”, un concorso che ho fortemente voluto e fatto nascere con la nostra Amministrazione, fin dal primo anno ha registrato la partecipazione di numerosi giovani artisti. Giunto ora alla quinta edizione, con una piena maturità di ruolo e organizzativa, ha assunto nel corso del tempo una posizione di primo piano nel panorama internazionale rivolto all'offerta artistica giovanile. Basti pensare che i curatori del Padiglione Italia nell'ambito dell'ultima Biennale Architettura, sono stati giovani artisti che parteciparono alla prima edizione del concorso e oggi hanno raggiunto un traguardo di assoluto prestigio. E’ proprio per dare spazio al talento e alla creatività di ragazze e ragazze che Venezia, offre loro ampi e prestigiosi spazi per esprimere le esigenze estetiche e creative. Poter mostrare al mondo il proprio talento all'interno del Padiglione Venezia ai Giardini della Biennale, in quello che è considerato uno dei teatri mondiali del panorama espositivo internazionale, non ha eguali e sono certo che questo, insieme alle molte novità di quest’anno, saprà attrarre altrettanti numerosi giovani artisti. Venezia - conclude il Sindaco Brugnaro - è dunque pronta ad accoglierli con entusiasmo, rispetto e grande considerazione, offrendo loro un'opportunità unica.   Oltre al Padiglione Venezia alla Biennale sono infatti molti gli spazi messi a disposizione dal Comune: al Padiglione 29 di Forte Marghera a Mestre, oramai riconosciuto come uno dei luoghi deputati alla creatività, all’arte e alla musica giovanile, da fine giugno a fine dicembre esporranno anche tutti gli artisti selezionati dalla seconda posizione in poi. Al primo classificato per la disciplina di Street Art sarà poi riservata un’apposita e ampia superficie murale, individuata nell’ambito del territorio comunale, dove in autunno sarà realizzata l’opera on site. Un'apposita e autorevole giuria di esperti, la cui nomina sarà a breve resa pubblica sul sito del Comune di Venezia, sarà chiamata a selezionare le prime dieci opere per ogni disciplina. Ampio spazio sarà infine riservato alla pubblicizzazione del bando attraverso i canali tradizionali e social che quest’anno vedranno anche la collaborazione di Alia Simoncini, film maker professionista vincitrice del contest dello scorso anno “Verso Artefici del nostro tempo”. Il contest prevedeva che ogni mese, da giugno a novembre, tra tutti i visitatori delle mostre al Padiglione Venezia e al Padiglione 29 di Forte Marghera che avessero inviato un breve video, fosse selezionato quello più rappresentativo e originale e che tra i vincitori di ogni singolo mese fosse individuato il vincitore assoluto. Così Alia Simoncini, oltre ad un premio in denaro, avrà anche la possibilità di collaborare col Comune di Venezia alla realizzazione della comunicazione social della quinta edizione di "Artefici del nostro tempo”.   Il concorso "Artefici del nostro tempo" è una iniziativa del Comune di Venezia realizzata in collaborazione con Fondazione Musei Civici di Venezia, Fondazione Forte Marghera, Vela Spa e Venis Spa. Ogni informazione aggiuntiva rispetto a quanto riportato nel bando potrà essere richiesta tramite Call Center allo 041-041, dal lunedì al venerdì dalle ore 9 alle 13 o tramite la piattaforma DIME all’indirizzo: dime.comune.venezia.it

Nebula

La Fondazione In Between Art Film annunciare Nebula, una nuova mostra collettiva che aprirà al pubblico il 17 aprile 2024 al Complesso dell’Ospedaletto a Venezia in occasione della 60. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia.
 
Curata da Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi – rispettivamente Direttore Artistico e Curatore della Fondazione – Nebula presenterà otto nuove video installazioni site-specific commissionate a Giorgio Andreotta Calò (1979, Italia), Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme (1983, Cipro/1983, USA), Saodat Ismailova (1981, Uzbekistan), Cinthia Marcelle e Tiago Mata Machado (1974, Brasile/1973, Brasile), Diego Marcon (1985, Italia), Basir Mahmood (1985, Pakistan/Paesi Bassi), Ari Benjamin Meyers (1972, USA) e Christian Nyampeta. Tutte le otto opere sono commissionate e prodotte da Fondazione In Between Art Film, l’iniziativa concepita e presieduta da Beatrice Bulgari per promuovere la cultura delle immagini in movimento e sostenere gli artisti, le istituzioni e i teorici internazionali che esplorano il dialogo tra discipline e time-based media.
 
Nebula, che in latino significa “nuvola” o “nebbia”, è il secondo capitolo di una serie di mostre organizzate dalla Fondazione a Venezia e continua quell’esplorazione degli stati della visione e della percezione extra-visiva già iniziata nel 2022 con Penumbra. La Fondazione torna al Complesso dell’Ospedaletto e ne trasforma nuovamente gli spazi: il risultato è un’architettura sensoriale che ingloba la Chiesa di Santa Maria dei Derelitti, la sala affrescata della musica e l’antica farmacia, e che svela un’ala mai aperta al pubblico della casa di riposo moderna.
 
Nebula amplifica il dialogo narrativo e spaziale tra il medium della video installazione e l’architettura che la ospita. Le opere sono state appositamente commissionate per la mostra e concepite dagli artisti in stretta relazione strutturale, visiva e sonora con gli spazi del Complesso dell’Ospedaletto. Sviluppata nell’arco di due anni, Nebula conferma la metodologia della Fondazione che, attraverso progetti espositivi ambiziosi imperniati sulla commissione e produzione di opere di immagini in movimento, offre agli artisti supporto curatoriale e produttivo di lunga durata.
 
Beatrice Bulgari, Presidente della Fondazione In Between Art Film, dichiara: “È per noi un privilegio tornare a Venezia e, in particolare, al Complesso dell’Ospedaletto dopo il successo di Penumbra. È anche un’occasione per ampliare la nostra riflessione sul ruolo delle immagini in movimento nella nostra società come medium di espressione creativa. Se Penumbra guardava all’oscurità come soglia tra la luce e il buio, Nebula va oltre questa dicotomia utilizzando una metafora ampia come quella della nebbia, che rende tutto meno definito. Questo stato di nebulosità e di sospensione ci parla della possibilità dell’arte di scoprire nuove coordinate poetiche all’interno di tempi come i nostri, disorientati e disorientanti. Sono entusiasta di condividere con il pubblico internazionale della Biennale le opere degli artisti che ci hanno accompagnato in questo viaggio nell’ignoto”.
 
L’idea della mostra si ispira al fenomeno della nebbia come condizione materiale e metaforica in cui la possibilità di orientarsi tramite la vista si riduce, rendendo necessario attivare strumenti sensoriali diversi per conoscere la propria posizione e comprendere ciò che ci circonda. In questo contesto, le opere di Nebula affrontano forme di frammentazione psicologica, socio-politica, tecnologica e storica, e suggeriscono modalità per navigare il nostro tempo presente, spesso attraversato da forze che, come la nebbia, appaiono immateriali e insormontabili. Gli artisti in mostra rivolgono così l’attenzione a quegli spazi interiori e individuali che si rendono necessari di fronte a eventi che condizionano i movimenti delle esistenze. Infine, ponendo al centro del progetto allestitivo la diffusione di immagini e suoni nello spazio, Nebula propone anche una riflessione sulla produzione continua e sulla distribuzione pervasiva di sollecitazioni visive, informazioni, speranze e paure.
 
Alessandro Rabottini, Direttore Artistico, e Leonardo Bigazzi, Curatore, della Fondazione In Between Art Film, affermano:“Ancora una volta è stata l’atmosfera unica di Venezia a ispirare l’idea su cui costruire la mostra e commissionare le otto video installazioni ad altrettanti artisti internazionali. A Venezia la nebbia diventa lo spazio liminale in cui acqua e cielo si fondono, dove la luce si fa presenza diffusa e misteriosa. È un fenomeno meteorologico che dimostra quanto possa essere fallace il nostro senso della prospettiva e la nostra comprensione di ciò che è al di fuori di noi. Grazie ai punti di vista degli artisti partecipanti, Nebula espande l’immagine del disorientamento dato dalla nebbia in una miriade di significati metaforici più ampi: dalla dimensione globale della migrazione alla percezione individuale della mortalità, dalle strutture opprimenti dell’economia alle conseguenze imponderabili della tecnologia”.
 
Ippolito Pestellini Laparelli e il suo studio milanese 2050+ sono stati nuovamente invitati a interpretare e spazializzare il progetto curatoriale attraverso la scenografia della mostra. I loro interventi di cesura e collegamento sinestetico tra le opere metteranno in scena situazioni visive, acustiche, tattili e mentali nebulose che a volte enfatizzano, altre volte celano, l’architettura originale.
 
Nebula sarà accompagnata da un simposio interdisciplinare curato da Bianca Stoppani, Editor della Fondazione In Between Art Film, che coinvolgerà gli artisti presenti in mostra ed espanderà il dibattito riguardo alle loro pratiche attraverso momenti discorsivi con curatori e intellettuali internazionali.
 
Il Complesso dell’Ospedaletto è uno spazio culturale che fa parte di Ospedaletto Contemporaneo, un’iniziativa promossa da Venews Arts.

Novità dal Padiglione Polonia

 Il Padiglione polacco cambia l'artista selezionato,  il progetto di Ignacy Czwartos sarà sostituito da quello del collettivo Open Group, formato da Yuriy Biley, Pavlo Kovach e Anton Varga intitolato Repeat after me. 

Walton Ford all'Ateneo Veneto

 È annunciata per la primavera 2024 la prima mostra personale di Walton Ford in Italia. Artista americano tra i più talentuosi della sua generazione (1960), Ford sta preparando una grande mostra site-specific, per Venezia, incentrata su un nuovo corpus di opere concepite in stretta relazione alla collezione di una delle istituzioni più antiche e accreditate della città: l'Ateneo Veneto di Scienze, Lettere ed Arti.

Lion of God presenterà una serie di dipinti di grandi dimensioni realizzati ad acquerello che esplorano la dimensione storica, biologica e ambientale dei soggetti rappresentati nella collezione della biblioteca dell’Ateneo, in particolare la figura del leone nell’ Apparizione della Vergine a San Girolamo di Tintoretto (c. 1580). Il percorso espositivo si svilupperà su due sale dell’Ateneo Veneto, l’Aula Magna al piano terra e la Sala Tommaseo, dove l’opera di Tintoretto sarà esposta al pubblico per tutta la durata della mostra.

Lion of God è curata da Udo Kittelmann – che ha collaborato con Ford in occasione della sua retrospettiva itinerante in Europa intitolata Bestiarium (2010-11) ­– e inaugurerà durante la settimana di vernice della Biennale Arte di Venezia, rimanendo aperta sino al 22 settembre 2024.

L'artista ha descritto l'Apparizione della Vergine a San Girolamo di Tintoretto come "un intenso spunto di discussione sulla nostra relazione con il mondo naturale". Raffigurando San Girolamo in estasi, nel bel mezzo di una visione in cui la Vergine Maria discende dal cielo, il dipinto storico presenta il leone che la leggenda descrive come amico di San Girolamo dopo che quest’ultimo gli ha tolto una spina dalla zampa. L'improbabile legame tra i due personaggi è descritto in dettaglio ne  La leggenda aurea, un testo ampiamente diffuso in Europa nel tardo Medioevo e che è servito da riferimento anche per l’artista americano. Tintoretto dispiega grande maestria nella narrazione, condivisa anche da Ford, e dipinge il suo leone posizionandolo in ombra, nella parte inferiore dell’opera. Uno dei nuovi dipinti di Ford, di quasi tre metri, ribalterà l’inquadratura del pittore veneziano per mettere in primo piano l'esperienza dell'animale.

L'indagine filosofica continua di Ford sui modi in cui interagiamo e allontaniamo dalle specie animali richiama una delle questioni più urgenti del nostro tempo: la terribile crisi ecologica che stiamo vivendo. Udo Kittelmann spiega così il progetto: “nella ricerca di analogie tra passato e presente, i dipinti di Walton Ford sovrappongono rappresentazioni intricate di storia naturale con una lettura critica contemporanea, includendo citazioni da fonti letterarie dei secoli passati, il tutto reso nello stile della pittura dei grandi maestri. Nei suoi lavori, che possono essere visti come una satira dell’oppressione politica e lo sfruttamento ambientale, egli mette in discussione il concetto di “sempre nuovo” e “sempre migliore”. Allo stesso tempo, Ford ha sempre posto interrogativi sulle molteplici aspettative e regole consolidate dell'estetica contemporanea. Per essere precisi, i suoi dipinti sono un racconto sull'arroganza della natura umana. Ieri, oggi e domani."

L’opera di Ford sovverte le convenzioni legate ai tentativi dell'uomo di categorizzare e interpretare il mondo naturale, attingendo a schizzi, diorami naturalistici, documenti zoologici, mitologia, favole e storia dell'arte. Pur alludendo agli studi nel campo delle scienze naturali del XIX secolo, la poetica di Ford è ampia nei suoi riferimenti, sollecitando lo spettatore a individuare questi indizi frammentari come chiavi di lettura per svelare l'evento storico o immaginario rappresentato nell'opera. Le opere dell’artista risultano anatomicamente precise per via dell’osservazione ravvicinata di esemplari tassidermizzati presenti in collezioni museali, e proiettano in modo vivido le vite, le esperienze, le osservazioni e le storie nascoste dei loro soggetti umani e animali.

In contemporanea alla mostra veneziana, la Morgan Library & Museum di New York City ospiterà (dal 12 aprile al 6 ottobre 2024) Walton Ford: Birds and Beasts of the Studio, una mostra di disegni dell'artista, organizzata da Isabelle Dervaux, curatrice e responsabile del dipartimento di disegni moderni e contemporanei di Acquavella.

 

Lion of God è organizzata dalla galleria Kasmin di New York e verrà allestita all’Ateneo Veneto di Venezia. Dal 1997, Kasmin ha presentato 11 mostre personali di Ford, tra cui Barbary nel 2018, un corpus di opere che esplora il destino del leone berbero del Nord Africa.

 

Sede:

Ateneo Veneto

San Marco, Campo San Fantin (vicino al Teatro La Fenice)

Fermata vaporetto linea N. 1: Santa Maria del Giglio o San Marco

www.ateneoveneto.org

OGR Torino e TBA21–Academy alla Biennale 2024

 Le OGR Torino collaboreranno con TBA21–Academy per la mostra Re-Stor(y)ing Oceania, a cura dell’artista Taloi Havini, che verrà inaugurata negli spazi di Ocean Space a Venezia nella primavera del 2024, in concomitanza con la 60. Esposizione Internazionale d'Arte – La Biennale di Venezia.

Il progetto espositivo – commissionato da TBA21–Academy e Artspace, Sydney e prodotto in collaborazione con le OGR Torino – comprende due nuove installazioni site-specific commissionate alle artiste indigene del Pacifico Latai Taumoepeau ed Elisapeta Hinemoa Heta e sarà visibile dal 23 marzo al 13 ottobre 2024.

Hub per la cultura e l’innovazione le OGR Torino hanno nel proprio DNA il dialogo e vedono nella collaborazione con altre istituzioni artistiche la possibilità di costruire ponti, sviluppare idee inedite e creare un ecosistema capace di potenziare e far crescere il capitale culturale, sociale ed economico.

Con questa vocazione, dopo CAROUSEL di Pablo Bronstein nel 2019 e ALLUVIUM di Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh e Hesam Rahmanian nel 2022, le OGR Torino scelgono di tornare a Venezia e di partecipare alla produzione di una nuova mostra con TBA21–Academy e Artspace, Sydney, segnando così una nuova tappa nella loro storia di relazioni e collaborazioni, continuando a sostenere la ricerca degli artisti e confermandosi come luogo di sperimentazione e rinnovamento, radicato nel suo territorio torinese ma altrettanto aperto al mondo.

Curato dall'artista Taloi Havini il progetto espositivo di Re-Stor(y)ing Oceania accosta performance, scultura, poesia e movimento attraverso una visione curatoriale guidata da un metodo ancestrale di chiamata e risposta che l’artista impiega come mezzo per ricercare solidarietà e affinità in tempi di incertezza, in cui vere e proprie minacce alla vita ci impongono di rallentare i ritmi, opporsi all’estrazione e avere riverenza per la vita degli Oceani.

Cosmic Garden

The exhibition emerges from an ongoing fertile exchange between acclaimed Indian artists Madhvi and Manu Parekh, and Karishma Swali, artistic director of the Mumbai-based Chanakya School of Craft — a non-profit institute committed to the emancipation of women through craft.

Marking the Foundation’s inaugural showcase in Venice, Cosmic Garden pays homage to the pluralistic beauty of India’s artisanal legacies and indigenous art traditions, and it features an array of paintings and sculptures by Madvhi and Manu Parekh, as well as their metamorphosis into a third interdisciplinary medium — hand-embroidery — an art form refined over millennia.

Karishma Swali and 320 highly-skilled artisans from Chanakya conceptualised and interpreted the textile re-imaginings through meticulous needlework embroidery and handcrafting techniques, utilising organic materials like raw linen, jute, silk, and cotton. The result becomes a true artistic statement: a practice based on a dialogue that reinvents the role of the artist and the artisan, blurring the boundaries between art and craft.

Held at Salone Verde - Art & Social Club, and curated by Maria Alicata and Paola Ugolini, Cosmic Garden shines light on the vital role of local communities in showcasing their material culture and preserving the rich, diverse essence of Indian traditions.

The Chanakya Foundation and Karishma Swali Present
Madhvi and Manu Parekh, curated by Maria Alicata and Paola Ugolini