Padiglione Irlanda

Lismore Castle Arts is pleased to announce that Ireland will be represented by Corban Walker at the 54th International Art Exhibition/La Biennale di Venezia, 4 June–27 November 2011. The Commissioner of the Irish Pavilion is Emily-Jane Kirwan, a Director of The Pace Gallery, New York, and the Curator is Eamonn Maxwell, Director of Lismore Castle Arts, Ireland.

Corban Walker will install three new, site-specific works at the Irish Pavilion, which is located at the Istituto Santa Maria della Pietà.

Walker is known for his sculptures and installations relating to architectural scale and spatial perception and utilising industrial materials like steel, aluminium and glass. At the height of four-feet tall, the artist's personal relationship between self and the built environment is fundamental to the way he defines and develops his work. Many of Walker's works explore minimalism from the artist's unique point of view, responding to rule-based, mathematical principles that derive from his own height and perspective.

The works at the Pavilion will interact with the historic architecture of the Pietà and are all, in some way, transparent. Two of the works, Modular and Transparent Wall, consist of vinyl drawings mapped onto the front and back windows of the space according to mathematic modulars. Though the patterns may appear random, there is an overlying order. At the centre of the Pavilion will be a sculpture titled Please Adjust comprising 160 interlocking stainless-steel cubes, dominating the interior architecture. The open-framed cubes interlock to create a fragile structure that supports itself, though one alteration could destroy the existing configuration and create a new one—each manifestation of the work is unique.

"The work exercises the viewers in considering their relationships with themselves and in how they participate and communicate with their own surroundings," explains Walker. It intrigued him that the Pavilion is open at both ends, with each offering a different destination—a canal or a garden. There is no front and back, and no beginning or end. In the past, Walker has used translucent materials like glass and Plexiglas to create his work; this time, the installation itself will be transparent—the only opaque element will be the viewer.

The Irish Pavilion at Venice is located at the Istituto Santa Maria della Pietà, 3703 Calle della Pietà, Castello. Calle della Pietà is mid-way between Piazza San Marco and the Arsenale, off Via Riva degli Schiavoni.

For more information, visit www.irelandvenice.ie, download the free app Corban Walker: Ireland at Venice 2011 for iPhone, iPad and Android, or visit www.corbanwalker.com

Ireland's participation at the Venice Biennale is an initiative of Culture Ireland in partnership with the Arts Council/An Chomhairle Ealaíon. Culture Ireland is the state agency for the promotion of Irish arts worldwide, working under the aegis of the Minister for Arts, Heritage and the Gaeltacht. Culture Ireland supports opportunities for Irish artists to present their work at strategic international festivals, venues, showcases and arts markets. The Arts Council/An Chomhairle Ealaíon is the national agency for funding, developing and promoting the arts in Ireland.

Previous Irish artists who have represented Ireland at the Venice Biennale include Sarah Browne and Gareth Kennedy (2009, Commissioner Caoimhín Corrigan); Gerard Byrne (2007, Commissioner Mike Fitzpatrick); Stephen Brandes, Mark Garry, Ronan McCrea, Sarah Pierce, Isabel Nolan and Walker and Walker (2005, Commissioner Sarah Glennie)

Lismore Castle Arts, a not-for-profit initiative, was founded in 2005 with the aim of presenting and promoting internationally significant contemporary art to audiences in Ireland and beyond. For more information visit www.lismorecastlearts.ie

Pavilion of Iceland

The official Icelandic representation at the 54th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia is the Spanish-Icelandic duo Libia Castro & Ólafur Ólafsson. Castro and Ólafsson's exhibition for Venice, Under Deconstruction, presents four new works. Among their concerns is an interest in socio-economic and political issues in Iceland and elsewhere. The title of the project refers to Castro and Ólafsson's central artistic strategy to subvert traditional power relations and to deconstruct established patterns of perception in an attempt to re-construct, appropriate and reinvent reality anew.

Your Country Doesn't Exist is an ongoing campaign, begun at Platform Garanti CAC in Istanbul in 2003, and has since developed to include different forms and formats. The piece traveled the world spreading the message, "Your country doesn't exist" in different languages and through various visual modes, including billboards, TV advertisements, postage stamps and wall-drawings. In this new iteration in Venice, the statement is used in a neon sign, Il Tuo Paese Non Esiste (2011), on the façade of the Pavilion. It was also incorporated into a musical arrangement for mezzo soprano, guitar and trumpet commissioned from the Icelandic composer Karólína Eiríksdóttir, and performed on a gondola in the canals of Venice. The video displayed in the pavilion documents the performance in dialogue with different aspects of the city and its omnipresent touristic reality, while the audio recording of the song is broadcast in public space. A live performance will take place on June 2. The fourth part of the series is a "Do-it-Yourself" painting done by the Icelandic ambassador Gunnar Snorri Gunnarsson in February 2011, in collaboration with the artists.

For the video installation Constitution of the Republic of Iceland (2011) the artists again commissioned Eiríksdóttir to score the words of the Icelandic constitution in a musical arrangement for soprano, baritone, chamber choir, piano, and double bass. The composition was first publicly performed in March 2008 in Iceland, six months before the collapse of the country's banking system. The video was produced in cooperation with The Icelandic National Broadcasting Service Television, and with Hafnarborg, The Hafnarfjordur Centre of Culture and Fine Art where it was exhibited in February 2011. The work was broadcast on the day the Icelandic Constitutional Assembly was meant to meet to revisit and propose amendments for a new national constitution.

Exorcising Ancient Ghosts (2010), installed on the roof of the Pavilion, is a bilingual sound work composed from ancient Greek juridical, literary, political, and philosophical text fragments that focus on gender and migrants' depictions, and rights and regulation in the ancient polis. For this work, the artists staged two performances of the text-collage read by two couples while having sex: one features a Neapolitan woman and a Balinese man reading the text in Italian, and the other features a couple from New Zealand reading the text in English. Through the combination of these contradictory but related elements, what is expected to be a pleasurable, sensual moment becomes fraught with estrangement and confrontation. The surprising juxtaposition raises attention to the absurdity of the thought of a patriarchal society. The constant negotiation between flesh, voices, and languages pulls the audience into the intimacy of the situation.

ABOUT THE ARTISTS

Libia Castro (b. Madrid, Spain) and Ólafur Ólafsson (b. Reykjavik, Iceland), aptly referred to as "citizens of the world," met in the Netherlands in 1997 and have been collaborating since. Exploring the relationships between art, everyday life, sociopolitical and cross-cultural issues, Castro and Ólafsson have built up a body of work using a variety of media, which includes documentary video, sound and multimedia installation, public performance, sculpture, and photography. They have developed a conceptual approach to art making that is characterized by a sense of play, transgression, and inventiveness.

Both artists received their M.A. in visual arts from The Frank Mohr Institute in the Netherlands, where their partnership was formed. From the onset, their work has garnered critical attention in the Netherlands, Germany, Iceland, and abroad. They have shown internationally in museums, biennials, contemporary art centers and galleries, and, in 2009, they were awarded third place in the Dutch art prize, Prix de Rome, for their video Lobbyists. Their work is included in such collections as CAAC in Sevilla, Spain, The National Gallery of Iceland, and The Kverneland Folgerø Sammlung in Berlin, Germany. The artists currently live, and work, in Berlin and Rotterdam.

FUNDING AND PRODUCTION

The Icelandic Art Center realized Under Deconstruction on behalf of, and with the support of, the Ministry of Education, Science and Culture. Under Deconstruction was also made possible by the generous support of VIB, Landsvirkjun, CCP, The National Gallery of Iceland, Vilhjálmur Thorsteinsson, Collezione Leggeri, Galleria Riccardo Crespi, Milan, Galerie Opdahl, Fonds BKVB - The Netherlands Foundation for Visual Arts, Design and Architecture, CBK Rotterdam - Centrum Beeldende Kunst/Centre for the Visual Arts Rotterdam, The Ministry for Foreign Affairs, Promote Iceland, Reykjavik Pure Energy, Viljandi Innfjár, Restaurant Jómfrúin, Alcoa, as well as anonymous supporters.

Ca’ Lodola,

Marco Lodola sarà anche per questa edizione uno dei protagonisti della Biennale Internazionale d’arte di Venezia con il progetto site specific dal titolo Ca’ Lodola, una mostra a cura di Vittorio Sgarbi ( 4 giugno – 27 novembre 2011). Per la 54° edizione l’artista ha progettato di “rivestire” la Cà d’Oro di luce, riallacciandosi al progetto originario che la voleva interamente rivestita di una rifinitura in oro, parte di una complessa policromia oggi scomparsa.

Dalle grandi finestre del palazzo, proprietà del barone Giorgio Franchetti, si potranno vedere un gruppo di sculture luminose dell’artista: coppie danzanti, abbracciate, felici, spensierate, belle, giovani. Silhouette ritagliate da un immaginario pop e fumettistico, creature di un mondo festoso fatto di luci e colori care al repertorio dell’artista “ elettricista”, come Lodola ama definirsi.

Come scrive Luca Beatrice che firma il testo in catalogo: “Lo spirito di Lodola è paragonabile a quello del Maestro Longhi, un acuto osservatore della realtà, che parafrasa con dolcezza dimostrandosi perfettamente a suo agio nei saloni affrescati della Venezia che conta […] Alla Biennale si viene solo per due ragioni: criticare e festeggiare. Proprio come a settembre per la Mostra del Cinema: si vedono i film più con lo spirito del recensore addetto alla stroncatura che non con lo sguardo appassionato del cinephile senza vendette. Per l’arte è lo stesso: troppa roba/poca roba, brutto allestimento, progetto incomprensibile, ansia da prestazione […] Dopo due anni Lodola e io torniamo in Laguna con un solo scopo: la festa”.

Con il progetto veneziano Marco Lodola aggiunge un ulteriore tassello al suo vasto excursus creativo cominciato negli anni ’80 con la partecipazione al movimento del Nuovo Futurismo, di cui è tra i fondatori. Di ispirazione futurista la giocosa spettacolarità che da sempre contraddistingue le sue opere d’arte. Lodola si rivolge allo stesso pubblico del cinema, della televisione, della pubblicità e della musica, ricercando la contaminazione con le diverse discipline artistiche. Ne trae ogni volta nuovi impulsi e stimoli creativi, cercando di adeguare tempi e modi dell’arte a quelli della vita contemporanea.

Artista: Marco Lodola
Titolo: Ca’ Lodola
Mostra a cura di: Vittorio Sgarbi
Testi di: Luca Beatrice e Vittorio Sgarbi
Sede: Ca’ d’Oro, Cannaregio 3932 - Venezia
www.lodoland.com

Working for Change

Progetto per un Padiglione del Marocco durante la 54 Biennale di Venezia a cura di Abdellah Karroum

“Working for Change” è un progetto che si focalizza sulla ricerca, l’azione e la creazione di una documentazione condivisa che considerano la produzione artistica e il suo ruolo nel cambiamento della società.

Il progetto ha inizio a Venezia, come luogo d’incontro, offerta e connessione tra la produzione artistica e i contesti sociali, e proseguirà in altri spazi del Marocco. “Significativo è l’esempio del Marocco - dice Abdellah Karroum - , sia per il livello artistico che politico, implicito in ciascuna delle opere proposte. Questi lavori, che comprendono numerose collaborazioni in Marocco con le femministe e gli attivisti umanitari, danno vita all’approccio “pratico-attivo” di questo progetto curatoriale che unisce la pratica dell'arte come ricerca al suo aspetto di produzione attiva.

Gli artisti: Batoul S'himi, Ismail Bahri, Gabriella Ciancimino, Ninar Esber, Rafi Karim, Tomas Colaço e Rahmoun Younes (elenco provvisorio).
A Venezia, lo Spazio Punch diventa anche “project room”, fungendo da piattaforma sia per la produzione che per la visibilità stessa del progetto. Lo spazio espositivo qui viene concepito come luogo di incontro fra artisti e pubblico, con tavoli che diventano aree di lavoro per gli artisti e i partecipanti per esporre e discutere i loro contributi.

Il tavolo diventa quindi “spazio di progetto” per lo sviluppo di conversazioni, collaborazioni e presentazione di nuovi progetti nel corso della Biennale.

Il progetto sarà documentato per tutta la sua durata su R22 radio:

http://www.radioapartment22.com/

Curatore: Abdellah Karroum, nato nel 1970 in Marocco, è ricercatore e curatore indipendente. Nel 2002 ha fondato L'appartement 22 a Rabat e ha avviato numerosi progetti tra cui le Edizioni Hors'champs e “Le Bout du Monde spedizioni”. Ha lavorato come curatore per la Biennale di Dakar nel 2006, per Gwangju nel 2008, e nel 2009 per la Biennale di Marrakech. Ha avviato la "Delegazione Curatoriale"e il laboratorio di ricerca "Arte, Tecnologia ed Ecologia" in collaborazione con L'appartement 22 e l’ ESAV-Marrakech.

dal 2 al 30 giugno 2011, Venezia Spazio Punch - Ex Birrerie e dal 7 giugno al 27 novembre 2011 in diversi luoghi del Marocco e su R22 radio

Gelatin Pavilion

Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, committed to commissioning and producing unconventional contemporary art projects, is contributing a new compelling project by Gelitin on the occasion of the 54th Venice Biennale, ILLUMInations, curated by Bice Curiger.

Gelitin: Gelatin Pavilion - Some Like It Hot

Co-commissioned by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary

During the opening days of the Biennale di Venezia Austrian artists collective Gelitin will maintain a traditional wood-fired glass-melting furnace. They will melt broken glass, which will constantly flow out of the furnace and drop to the floor to form a growing glass puddle sculpture.

„The illuminated nation of Gelatin presents their hottest sculpture ever. Performers from all over the world join Gelatin to chop wood, flirt, play guitar, feed the furnace 24/7 and keep the fire burning. A wood fired furnace at the Giardino delle Vergini in the Arsenale melts shards into a puddle of hot liquid glass. A very big lava puddle of hot liquid glass. Logs, fumes, smoke, cracks, heat, energy“. (Gelitin)

Gelitin and their guests– Ben Washington, Christoph Harringer, Christoph Meier, Daniel Kelly, Fridrik Svanur Sigurdarson, Gabriel Loebell-Herberstein, Gudmundur Hallgrímsson, Michael Bäckström, Salvatore Viviano, Schuyler Maehl, Tom Van Camp, Japanther, Philipp Quenberger and Elin – will perform:
May 31 - June 5 from 10am - 7pm at the Gelatin Pavillon, Arsenale
Visitors may help, perform, and "be beautiful themselves".

Special guests, the NY-based Punk-band Japanther, recently commissioned by T-B A21 to produce a new piece on the occasion of the exhibition Figura cuncta videntis (the all-seeying eye) / Homage to Christoph Schlingensief will contribute more than just sounds and music. They will be jamming with Philipp Quehenberger and Elin and other friends!

Matteo Rubbi - Premio Furla 2011

Matteo Rubbi presenta alla Fondazione Querini Stampalia di Venezia, in concomitanza con la 54. Biennale di Arti Visive, Viaggio in Italia, dal titolo del progetto con cui lo scorso gennaio ha vinto l’8. Premio Furla 2011.

Il Premio Furla, ideato da Chiara Bertola, è organizzato e promosso da Fondazione Furla, Fondazione Carisbo, Fondazione Querini Stampalia, MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, con il supporto di Carisbo S.p.A e con la collaborazione di Viafarini e Arte Fiera.

Il progetto Viaggio in Italia è un viaggio che l’artista compie nella provincia italiana - e non solo – utilizzando mezzi di trasporto locali e munito dello stretto necessario, senza un percorso e una meta stabiliti, prendendo forma a seconda delle situazioni e delle circostanze incontrate.

Lo scopo non è la costruzione di una mappa dei luoghi visitati, ma un tentativo di presa di coscienza delle realtà fuori dai grandi centri abitati, esplorando u n territorio decentrato e il più delle volte marginale.

Matteo Rubbi si fa narratore e cronista e coinvolge alcuni quotidiani locali – uno dei principali “luoghi” in cui la provincia racconta e legge se stessa – che diventano parte di quest’opera d’arte itinerante: ad essi chiede la possibilità di pubblicare brevi testi riguardanti i luoghi toccati dal suo itinerario, scritti in collaborazione con il giornale stesso.

Viaggio in Italia alla Fondazione Querini Stampalia nasce dalle prime tappe del progetto e ne dà testimonianza.

Il viaggio è cominciato in Sardegna, a Perdaxius, piccolo comune dell'ex area mineraria del Sulcis Iglesiente, e si è poi spostato inaspettatamente a Dakar. Rubbi ha deciso infatti di seguire fino in Senegal lo sviluppo di unprogetto di cooperazione internazionale nato nel Sulcis, promosso da Cherimus, associazione sarda, e Ker Thiossane, associazione senegalese. Il progetto si chiama Chadal, dal nome di un uccello migratore che vive in entrambe le regioni, e ha lo scopo di far incontrare musicisti sardi e senegalesi, creando un dialogo tra culturemusicali distanti e ricche di storia.

A conclusione di questa prima tappa l’artista ha prodotto un 33 giri in vinile con le musiche e i brani originali nati da questa collaborazione. Il disco sarà installato e ascoltato in un piccolo spazio di Palazzo Querini Stampalia ricavato tra una sala e il portone d'accesso al canale, un luogo dove è possibile sostare e trovare tracce e notizie del viaggio in corso.

“Uno spazio a misura di persona - così lo interpreta Matteo Rubbi - spalancato sull'esterno, una soglia esposta agli umori della meteorologia.”

Dopo la Sardegna, il Senegal e Venezia, Matteo Rubbi proseguirà nella provincia bergamasca, dove è nato e cresciuto.

Viaggio in Italia segna la fase conclusiva dell’8. Premio Furla, il premio italiano di eccellenza a sostegno dei giovani artisti contemporanei.


La realizzazione del progetto è stata finanziata dalla Fondazione Furla e sarà destinata alla fruizione pubblica attraverso la concessione in comodato al MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna. L’artista avrà l’opportunità di realizzare una residenza itinerante negli Stati Uniti, con base all’Arizona State University Art Museum (Tempe, USA).

Fondazione Carisbo inoltre acquisirà per la sua collezione l’opera Domenica (Ingresso) realizzata da Matteo Rubbi per la mostra Pleure qui peut, rit qui veut, in cui hanno esposto i cinque artisti finalisti del Premio Furla 2011 (Bologna, Palazzo Pepoli Vecchio, 29 gennaio-6 febbraio 2011).

Matteo Rubbi, selezionato dai curatori Lorenzo Bruni e Carson Chan, è stato proclamato vincitore del 8. Premio Furla 2011 lo scorso 28 gennaio da una giuria internazionale composta da Christian Boltanski (artista padrino del Premio), Stefano Chiodi (storico e critico d’arte), Vít Havránek (direttore Tranzit Display Gallery di Praga) Jörg Heiser (critico e associate editor di Frieze) Miguel Von Hafe Pérez (direttore del CGAC Centro Galego de Arte Contemporáneo di Santiago de Compostela, Spagna).

Queste le motivazioni della scelta: “Per la sua capacità di interagire con lo spettatore e creare inedite relazioni tra lo spazio espositivo e lo spazio pubblico in uno spirito di generosa apertura. Il suo lavoro coinvolge differenti ambiti culturali in termini sia concettuali che materiali e rivela un acuto senso sperimentale: dall’invito rivolto ai passanti a sintonizzarsi sulla ritrasmissione dell’opera Intolleranza 1960 di Luigi Nono su Rai Radio Tre, al suo progetto di esplorazione dell’Italia minore tramite la stampa locale, nello spirito dei “viaggi in Italia” di Pasolini e di Ghirri e Celati.”

L'universo di Dalì

“THE DALÍ UNIVERSE” è una mostra interamente dedicata a Salvador Dalí con più di 100 opere del Maestro del Surrealismo. Il visitatore avrà il piacere di ammirare collezioni ad oggi ancora poco conosciute, inerenti a diversi aspetti della produzione artistica dell’artista come le sculture in bronzo, le illustrazioni sui grandi temi della letteratura, gli oggetti in vetro e la serie in oro.

Gli spazi del museo ospiteranno sculture di grande formato, in cui il gioco surrealista delle connessioni e delle trasformazioni si ripropone in tutta la sua magia, e le ossessioni visive dell’artista prendono forma nello spazio attraverso la manipolazione fisica degli oggetti.

Beniamino Levi, uno dei maggiori esperti di Salvador Dalí, ha conosciuto personalmente l’artista e il suo entourage fin dagli anni Sessanta, incontrando personalmente l’artista nelle sue residenze di Parigi, New York e nella sua terra natale, la Spagna. Levi rimase affascinato da alcune delle prime opere scultoree di Dalí, e per spronare il Maestro del Surrealismo ad esprimere nuovamente la sua arte in forma scultorea gli commissionò una serie di bronzi basati sulle immagini surrealiste più famose della sua incredibile carriera.

Beniamino Levi ha ad oggi organizzato oltre 80 mostre di enorme successo che hanno avuto ottimi riscontri sia della critica che del pubblico, come dimostrano gli oltre 10 milioni di visitatori.

La mostra è visitabile dal 22 Maggio, tutti i giorni dalle 10.00 alle 19.00, chiusa il Mercoledì.

Ingresso: intero 10 euro, ridotto 8 euro.

L’evento è patrocinato dal Comune e dalla Provincia di Venezia.


A cura del Presidente della Fondazione Ambrosiana Beniamino Levi

Museo di Santa Apollonia - Fondamenta della Canonica 4312, Castello 30122 – Venezia

Padiglione Norvegia

La Norvegia verrà rappresentata alla 54a Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia, dal 4 giugno al 27 novembre, con: "The State of Things", una serie di conferenze tenute da intellettuali internazionalmente riconosciuti.

Dall'esposizione dell'artista Ida Ekblad e al di fuori della Biennale l'esibizione dell'artista Pia Myrvold con "Flow - A work in Motion" e nell'ambito della mostra "Personal Structures" la partecipazione di Thomas Pihl.

Il Comitato dei Paesi Nordici ha adottato un nuovo formato per le future collaborazioni riguardanti la gestione del Padiglione dei Paesi Nordici all'Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia, che iniziando dalla Biennale del 2011, avrà la durata di tre edizioni consecutive. Al fine di rivitalizzare le condizioni espositive all'interno di una manifestazione culturale di tale portata, per le prossime tre edizioni della Biennale uno dei tre Paesi Nordici (Finlandia, Svezia e Norvegia) sarà responsabile dell'organizzazione della mostra ospitata all'interno del Padiglione.

La rotazione inizia con la Svezia nel 2011 e prosegue con la Finlandia nel 2013, e infine con la Norvegia nel 2015. I due Paesi che nelle rispettive due edizioni non saranno direttamente responsabili del Padiglione, svilupperanno dei progetti alternativi nella città di Venezia durante il periodo della Biennale. Il Comitato dei Paesi Nordici è composto da FRAME –Finnish Fund for Art Exchange, Helsinki, dal Moderna Museet, Stoccolma, e dall'Office for Contemporary Art Norway, Oslo. Tra i partecipanti una giovane artista norvegese dal nome Ida Ekblad.

www.ida-ekblad.com

www.labiennale.org/en/art/exhibition/artists/

www.pia-myrvolD.com/FLOW

www.personalstructures.org

Partendo da una riflessione sui principi del Passaporto Nansen oggi, l'Office for Contemporary Art Norway (OCA), in funzione di commissario per la partecipazione della Norvegia alla 54. Esposizione Internazionale d'Arte, la Biennale di Venezia, organizza "The State of Things", una serie di conferenze aperte al pubblico, in programma per l'intera durata della Biennale.

Le conferenze rifletteranno su temi quali l'Europa, la diversità, l'ambiente, i rapporti di pace, i diritti umani, il capitale, la sostenibilità, la migrazione, l'asilo politico, l'estetica e la guerra. Le conferenze affronteranno lo "stato delle cose" oggi, attingendo dal campo di attività e di ricerca dei relatori, e da quello che loro considerano una priorità intellettuale e politica assoluta del giorno.

Norway at Biennal

Norway's representation at the 54th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, will consist of two programmes, running consecutively throughout 2011: 'The State of Things', a series of lectures by internationally renowned intellectuals in various cultural and academic institutions in Venice, and 'Beyond Death: Viral Discontents and Contemporary Notions about AIDS', a teaching programme by artist Bjarne Melgaard at Università Iuav di Venezia.


ABOUT 'THE STATE OF THINGS'
At the end of World War I, a series of citizenship laws across Europe resulted in masses of refugees on the continent. In response to this crisis, Norwegian diplomat, scientist and explorer Fridtjof Nansen designed the Nansen Passport — an identity card issued by the League of Nations in 1922 that enabled refugees to move across borders. By 1942 the passport was recognised by 52 governments, enabling leading intellectuals and artists, among others, to travel in search of political and intellectual shelter. In 1938, the Nansen International Office for Refugees was awarded the Nobel Peace Prize for its efforts to establish the passport. Nansen himself received the Nobel Peace Prize in 1922 for his work with refugees and those suffering famine in Russia.

Reflecting upon the principles of the Nansen Passport today, and upon the possibility that the image of a nation may in fact be defined by its internationalism, the Office for Contemporary Art Norway (OCA) is organising 'The State of Things', a series of public lectures that is part of Norway's representation for the 54th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, in 2011. The programme will commence in the opening days of the Biennale in June 2011, and continue until its closure six months later, in late November. It is organised by OCA and hosted by Venetian cultural and academic institutions, such as the Faculty of Design and Arts at the Università Iuav di Venezia and the Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti.

The public lectures, given by internationally respected intellectuals, will reflect upon themes such as diversity, Europe, the environment, peace-making, human rights, capital, sustainability, migration, asylum, aesthetics and war. Each of the papers will tackle the 'state of things' today, drawing from the speakers' fields of activity and research, and from what they consider the intellectual and political priorities of today. Confirmed speakers include gender theorist Judith Butler, environmental activist and author Vandana Shiva, media theorist and activist Franco Berardi, art historian T.J. Clark, philosopher Jacques Rancière and architectural theorist Eyal Weizman.

A book will be published upon completion of the lecture programme, compiling the papers produced by the participants, and possible additional materials. Through these diverse documents, the book will offer a nuanced overview of the intellectual and political challenges affecting the world today from the standpoint of a contemporary version of Nansen's rights-based internationalism.


ABOUT 'BEYOND DEATH: VIRAL DISCONTENTS AND CONTEMPORARY NOTIONS ABOUT AIDS'
Also as part of Norway's representation at the 54th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, Norwegian artist Bjarne Melgaard will serve as Guest Professor for the Graduate Programme of Visual Arts at the Faculty of Design and Arts, Università Iuav di Venezia. In an attempt to tackle one of the key issues in the world today, Melgaard will conduct a Masters programme titled 'Beyond Death: Viral Discontents and Contemporary Notions about AIDS'. The programme will be structured around a series of lectures and workshops by the artist taking place from mid-February to mid-May 2011, and will conclude with a public project and a publication reflecting the materials researched during the course. 'Beyond Death' will look at the history and present of the AIDS crisis, and its reflection within contemporary art and discourse.


ABOUT NORWAY AT LA BIENNALE DI VENEZIA
The International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, has been since its foundation in 1895 one of the key art events worldwide. For the 2011 edition, Norway will for the first time be represented in Venice independently from Finland and Sweden. This is the result of a temporary agreement that assigns sole responsibility for the Nordic Pavilion in the Giardini to a single country, on a rotational basis for the next three editions. For the 2011 edition, the Office for Contemporary Art Norway, as commissioner for Norway's representation in Venice, will focus on art's ability to function as a platform for discussing the world and its urgencies, and will develop a collaboration with established Venetian institutions in order to reach both art and wider audiences.


ABOUT THE OFFICE FOR CONTEMPORARY ART NORWAY
Norway's representation in Venice for the 54th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, in 2011 is commissioned by the Office for Contemporary Art Norway and organised by its director, Marta Kuzma and OCA's associate curator, Pablo Lafuente, together with Peter Osborne, director of the Centre for Research in Modern European Philosophy at Kingston University in London. The teaching programme was developed at the invitation of and in cooperation with Angela Vettese, Director of the Graduate Programme of Visual Arts, Università Iuav di Venezia.

The Office for Contemporary Art Norway is a non-profit foundation created by the Norwegian Ministry of Culture and Church Affairs (KKD, now KUD) and the Norwegian Ministry of Foreign Affairs (UD) in autumn 2001 with the aim of strengthening the position of contemporary visual arts and production from Norway, and stimulating and facilitating exchange between Norwegian and international art institutions and professionals. Since its foundation in 2001, OCA has been responsible for a programme of exhibitions, conferences, lectures and seminars both in Norway and abroad, involving artists, curators, philosophers and art and cultural theorists. Also since 2001, OCA has been responsible for Norway's representation in the Venice Biennale of contemporary art. For the 53rd edition in 2009, OCA, as the commissioner of the Nordic Pavilion, set up an unprecedented collaboration between the Nordic and Danish Pavilions, through an exhibition titled 'The Collectors', curated by artists' duo Elmgreen & Dragset.

"THE STATE OF THINGS"

L'Office for Contemporary Art Norway (OCA), in funzione di commissario per la partecipazione della Norvegia alla 54. Esposizione Internazionale d'Arte, la Biennale di Venezia, è lieto di annunciare "The State of Things", una serie di conferenze aperte al pubblico, in programma per l'intera durata della Biennale, che riflettono su tematiche quali l'ambiente, i rapporti di pace, i diritti umani, il capitale, la migrazione, l'asilo politico, l'Europa, l'estetica e la rivoluzione. Ogni conferenza affronterà lo "stato delle cose" oggi, attingendo dal campo di attività e di ricerca di ogni relatore, e da quello che loro considerano una priorità intellettuale e politica assoluta del giorno.

Il programma prende a riferimento il Passaporto Nansen, concepito dall'esploratore, scienziato e diplomatico norvegese Fridtjof Nansen alla fine della Prima Guerra Mondiale, che sarebbe stato in grado di legittimare i rifugiati che si fossero spostati oltre frontiera in cerca di asilo politico e intellettuale.


Mercoledì 1 giugno, ore 17.00
Jacques Rancière, In che tempo viviamo? (In What Time Do We Live?)
Jacques Rancière è un filosofo i cui scritti si rivolgono ad una politica emancipatoria e alle sue relazioni con l'estetica.
All'Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Palazzo Franchetti, Campo Santo Stefano, San Marco 2842, Venezia


Giovedì 2 giugno, ore 11.00
Leo Bersani, Illeggittimità (Illegitimacy)
Leo Bersani è un teorico spacializzato in letteratura, psicoanalisi e nelle arti visive.
All'Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Palazzo Franchetti, Campo Santo Stefano, San Marco 2842, Venezia


Venerdì 3 giugno, ore 10.00
Vandana Shiva, La guerra contro la terra (The War Against the Earth)
Vandana Shiva è una scrittrice, attivista ambientale e eco-femminista.
All'Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Palazzo Franchetti, Campo Santo Stefano, San Marco 2842, Venezia


Venerdì 3 giugno, ore 11.00
Jan Egeland, Dieci lezioni da dieci processi di pace (Ten Lessons from Ten Peace Processes)
Jan Egeland è stato mediatore, diplomatico e attivista in numerosi processi di pace in seguito a crisi umanitarie nel mondo.
All'Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Palazzo Franchetti, Campo Santo Stefano, San Marco 2842, Venezia


Sabato 4 giugno, ore 11.00
Fawaz A. Gerges, Una tempesta perfetta: sta avvenendo una rivoluzione araba?
(A Perfect Storm: An Arab Revolution in the Making?)
Fawaz A. Gerges si occupa di teoria politica ed è specializzato nella situazione in Medio Oriente.
All'Aula Magna, Università Iuav di Venezia, Tolentini, Santa Croce 191, Venezia


Giovedì 30 giugno, ore 17.30
Eyal Weizman, Estetica Forense (Forensic Aesthetics)
Eyal Weizman è un architetto e teorico che ha lavorato e scritto sullo spazio e le politiche in zone di conflitto mondiali.
All'Aula Tafuri, Palazzo Badoer, Università Iuav di Venezia, Calle della Lacca, San Polo 2468, Venezia


Mercoledì 7 settembre, ore 18.00
Judith Butler, Le politiche della strada e le nuove forme di alleanza
(The Politics of the Street and New Forms of Alliance)
Judith Butler è una filosofa che ha contribuito al campo del femminismo, della teoria queer, della filosofia politica e etica.
Alla Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252, Venezia


Giovedì 8 settembre, ore 18.00
Franco Berardi, Il movimento studentesco e Pier Paolo Pasolini: un malinteso
(The 'Movimento Studentesco' and Pier Paolo Pasolini: A Misunderstanding)
Franco Berardi è un teorico dei media e un attivista con un particolare interesse per l'educazione.
Al Laboratorio Occupato Morion, Salizada San Francesco della Vigna, Castello 2951, Venezia


Giovedì 20 ottobre, ore 17.30
Saskia Sassen, Quando le sfide fondanti della nostra epoca si materializzano in città
(When the Acute Challenges of Our Epoch Materialise in Cities)
Saskia Sassen è una sociologa che lavora sulla migrazione e la transnazionalità.
All'Aula Tafuri, Palazzo Badoer, Università Iuav di Venezia, Calle della Lacca, San Polo 2468,Venezia


Giovedì 17 novembre, ore 18.00
T.J. Clark, L'esperienza della sconfitta (The Experience of Defeat)
T.J. Clark è uno storico dell'arte che nei suoi scritti si è occupato del modernismo e delle sue politiche.
All'Auditorium Santa Margherita, Università Ca' Foscari Venezia, Campo Santa Margherita, Dorsoduro 3689, Venezia


La partecipazione della Norvegia a Venezia per il 2011 viene commissionata dall'Office for Contemporary Art Norway (OCA) e organizzata dal suo direttore Marta Kuzma, dal curatore associato all'OCA Pablo Lafuente e da Peter Osborne, direttore del Centro di Ricerca in filosofia europea moderna alla Kingston University di Londra. La partecipazione della Norvegia alla 54. Esposizione Internazionale d'Arte, la Biennale di Venezia, include inoltre il programma d'insegnamento 'Beyond Death: Viral Discontents and Contemporary Notions about AIDS', sviluppato da Bjarne Melgaard nell'ambito del Corso di Laurea Magistrale in Progettazione e Produzione delle Arti Visive, Facoltà di Design e Arti dell'Università Iuav di Venezia.

MUSEO DI STORIA NATURALE

MUSEO DI STORIA NATURALE

Apertura delle nuove sale espositive della sezione Le strategie della vita 28 maggio 2011

Con l’apertura di sei nuove sale espositive al secondo piano del museo - che vanno a completare la sezione dedicata alle “STRATEGIE DELLA VITA” - terminano i lavori di riallestimento e restauro al Museo di Storia Naturale di Venezia, restituendolo alla città nella sua interezza.

Caratterizzata da un allestimento suggestivo e coinvolgente, la sezione si sviluppa lungo sette sale, al secondo piano del Fondaco dei Turchi, offrendo una nuova chiave di lettura della complessità della natura e delle forme viventi, attraverso le strategie di sopravvivenza elaborate dalle diverse specie animali e vegetali nel corso dell’evoluzione.

La particolarità dei temi scelti, ma ancor più la modalità della loro trattazione, richiede al visitatore un ruolo attivo anche attraverso l’interazione con l’apparato allestitivo.

Il pubblico viene guidato attraverso un percorso davvero inusuale ed accattivante, introdotto dalla sala “Forme e Funzioni” che evoca, con un efficace apparato multimediale, la ricchezza della biodiversità e la complessità delle strategie della vita sulla terra.

Il percorso prosegue con la trattazione di due argomenti fondamentali, tra i molti possibili: il movimento: forme e strategie per nutrirsi e riprodursi, muovendosi nell’aria, nell’acqua, su una superficie ma anche stando fermi; la nutrizione: il ciclo dell’energia, gli adattamenti e le specializzazioni per procurarsi il cibo.

Progetto scientifico: Mauro Bon, Luca Mizzan, Margherita Fusco, Nicola Novarini, Enrico Ratti

Progetto museografico: Lorenzo Greppi (allestimento e Direzione Lavori), Daniela Andreozzi (R.U.P.)

Grafica e comunicazione: Tapiro Camplani+Pescolderung, Gea D’Este, Giorgia Revelli, Valeria Fedrigo

Realizzazione: Permasteelisa Interiors srl

Allestimenti e comunicazione scientifica: Mauro Bon, Barbara Favaretto, Margherita Fusco, Luca Mizzan, Nicola Novarini, Paolo Reggiani, Raffaella Trabucco, Marco Uliana, Cecilia Vianello, Silvia Zampieri

Hanno collaborato: Lucia Burato, Valentina Carrer, Giacomo Masato, Tamara Stibilj, Silvia Toffano


LE STRATEGIE DELLA VITA
Specie attuali ed estinte, abitanti dell’acqua, della terra e dell’aria di dimensioni gigantesche o microscopiche. Un viaggio nella complessità delle forme viventi, caratterizzate da profonde differenze ma anche da sorprendenti analogie.

1. FORME E FUNZIONI
i molteplici aspetti della biodiversità

2. IL MOVIMENTO
vivere lo spazio in un mondo dinamico
temi: Non muoversi (adattamenti per nutrirsi e riprodursi rimanendo immobili); Camminare, correre, saltare…(e altri modi per muoversi su una superficie); Muoversi nell’acqua (forme e strategie per nuotare e galleggiare); Muoversi nell’aria (la conquista del volo)

3. LA NUTRIZIONE
il ciclo dell’energia e le strategie per procurarsi il cibo
temi: Nutrirsi di luce (la fotosintesi alla base della vita); Alimentazione vegetariana (specializzazioni e strategie); Mangiare altri animali (adattamenti alla predazione); Tutto si ricicla (nutrirsi di resti organici); Il ciclo della vita.

Una festa per la città… sabato 28 maggio 2011

L’apertura delle nuove sale rappresenta una straordinaria occasione di festa per la città e il suo Museo finalmente completo che, lungo tutta la giornata di sabato 28 maggio, si “aprirà” al pubblico con una molteplicità di iniziative:
- entrata gratuita al museo, dalle 10 alle 17;
- spazio bambini, dalle 15 alle 17 giochi e laboratori a cura di Coop. Limosa, distribuzione di materiali, gadget e merenda al museo;
- Ballet Blanc performance di danza verticale ispirata al movimento degli animali, alle ore 18.30, a cura della Compagnia Il Posto + Marco Castelli Small Ensemble– ideazione e coreografia di Wanda Moretti (ingresso esclusivamente su invito)
- presentazione del nuovo allestimento e inaugurazione, alle ore 19 e, a seguire, visita alle nuove sale (esclusivamente su invito)


INFORMAZIONI GENERALI

Sede Museo di Storia Naturale di Venezia, Santa Croce 1730, Venezia

Inaugurazione
sabato 28 maggio 2011

Apertura al pubblico:

Orario:

dal 1 giugno al 31 ottobre
10.00 - 18.00 (biglietteria 10 – 17)

dal 1° novembre al 31 maggio
dal martedì al venerdì 9.00 - 17.00 (biglietteria 9- 16)
sabato e domenica 10.00 - 18.00 (biglietteria 10 – 17)

Chiuso lunedì, 25 dicembre, 1 gennaio e 1 maggio

Biglietti

Biglietto singolo
intero 8,00 euro
ridotto 5,50 euro
ragazzi da 6 a 14 anni; studenti* dai 15 ai 25 anni; accompagnatori (max. 2) di gruppi di ragazzi o studenti; cittadini ultrasessantacinquenni; personale* del Ministero per i Beni e le Attività Culturali; titolari di Carta Rolling Venice; soci FAI
Gratuito
residenti e nati nel Comune di Venezia; bambini 0/5 anni; portatori di handicap con accompagnatore; guide autorizzate; interpreti turistici* che accompagnino gruppi; 1 gratuità ogni 15 biglietti previa prenotazione;membri I.C.O.M.
Offerta Scuola
4,00 euro a persona
(Valida nel periodo 1 settembre - 15 marzo)
Per classi di studenti di ogni ordine e grado accompagnate dai loro insegnanti con elenco dei nominativi compilato dall'Istituto di appartenenza

*è richiesto un documento
INFORMAZIONI
www.museiciviciveneziani.it
www.msn.ve.it
info@fmcvenezia.it
call center 848082000

PRENOTAZIONI
www.museiciviciveneziani.it
call center 848082000

Miniartextil e Ruth Adler Schnee

Promossa ed organizzata dall’Associazione culturale Arte&Arte di Como, torna nel portego al primo piano di Palazzo Mocenigo per il sesto anno consecutivo, la Fiber art,forma espressiva contemporanea, in cui si utilizzano - in tutte le possibili accezioni e materiali - il filo, la fibra, il tessuto, con un’autonomia del tutto nuova, oggi attualizzata da strutture e iconografie in continua evoluzione.

In mostra 54 minitessili, selezionati tra i 413 progetti finalisti del concorso 2010, che havisto gli artisti confrontarsi sul tema “Un giorno di felicità”, liberamente tratto dai raccontidel Premio Nobel Isaac Bashevic Singer. I minitessili sono opere che non superano i 20cm di lato e sono stati individuati da una giuria internazionale composta da: Luciano Caramel, critico d’arte e docente; Anic Zanzi conservatrice della Fondation Toms-Pauli di Losanna (CH) e da Keiko Kawashima, presidente del KICTAC Kyoto International Contemporary Textile Art Center.

Accanto ai minitessili trovano spazio sette installazioni di grandi dimensioni: Tappeti dipreghiera, di Gabriella Crisci; Celestial Knights Virgo della lituana Jurate Kazakeviciute, e Pianure Notturn” del duo argentino Toba Toba. Suggestive le installazioni degli italiani Raffaele Penna, Il volo, e di Resi Girardello Danae’s Oracle. Gli artisti Dario Zeruto e Hèlene Genvrin hanno invece creato il libro-scultura Cascada, costituito da 550 pagine di carta di cotone. Anna Paola Cibin ha realizzato un arazzo di grandi dimensioni dal titolo Il Viaggio, ispirato alle ambientazioni descritte nel “Milione” da Marco Polo.

L’edizione veneziana della mostra – che sarà aperta al pubblico dal 4 giugno al 28 agosto 2011 con l’orario e il biglietto del museo (vedi informazioni generali a pag. 3) - conclude il percorso itinerante di “Miniartextil 2010”, che, dopo essere stata inaugurata a Como lo scorso autunno, è stata poi allestita a Parigi all’”Hotel de Ville de Montrouge”, in febbraio, e il mese successivo a Milano, alla “Myowngallery” presso “Super Studio Più”, in occasione di “Milano Moda Donna”.

Catalogo italiano/inglese/francese vanillaedizioni, Genova, con intervento critico di Luciano Caramel.


“Ruth Adler Schnee. A passion for color”, a cura di Ronit Eisenbach e Caterina Frisone, e’ una mostra di tessile moderno disegnato da Ruth Adler Schnee, artista tedesco-americana approdata a Detroit dopo la fuga dalla Germania nazista, che ha dedicato la sua intera carriera alla ricerca e alla creazione di tessuti dalle molteplici forme, trame, e combinazioni di colori.

Formatasi originariamente come architetto presso la Rhode Island School of Design e la Cranbrook Academy of Art, diretta da Eliel Saarinen, Ruth Adler Schnee applica disegniarchitettonici all’industria del tessile. A Detroit la sua cerchia di amici, colleghi e clienti includeva tra gli altri Ray e Charles Eames, Eero Saarinen, Frank Lloyd Wright, Buckminster Fuller e Minoru Yamasaki.

Dal 1995 Adler Schnee - che ora ha 88 anni - lavora con Anzea Textiles per creare sianuovi disegni per tessuti da tappezzeria, che per reinterpretare, tradurre e produrreindustrialmente il suo progetto per tessuti dai colori brillanti stampati a mano negli anni '40 e '50.

La mostra, allestita nell’androne al piano terra di Palazzo Mocenigo, presenta stoffe originali stampate a mano e nuove stoffe tessute accompagnate da schizzi e citazioni dell'artista; include anche il film documentario, "The radiant sun: Ruth Adler Schnee" (diretto dalla regista Terri Sarris e co-prodotto da Sarris e Eisenbach, che sarà proiettato al Museo Ebraico di Venezia il 5 giugno, alle ore 18) oltre a una struttura di piastre di vetro per mosaico, creata dall’artista con la collaborazione della fornace veneziana di Angelo Orsoni, famosa per la sua biblioteca del colore, passione che accomuna gli Orsoni all’artista americana.

La mostra si realizza in collaborazione con la Galleria Kibel dell'Università del Maryland, School of Architecture, Planning e Preservation, dove è stata originariamente sviluppata, ed è resa possibile dal generoso sostegno di molte persone e istituzioni, tra cui: la Rhode Island School of Design; l’Università del Maryland School of Architecture, Planning ePreservation e la CADRE Foundation; ll Centro di ricerca e di apprendimento e l’Istituto di Ricerca sulle Donne e Genere dell'Università del Michigan; la Beverly Willis Architecture Foundation, la Broad Art Foundation e la Maxine e Stuart Frankel Foundation.

Catalogo Fondazione Musei Civici di Venezia.

La mostra è a ingresso libero, con l’orario del museo

Julian Schnabel. Permanently Becoming and the Architecture of seeing

Dal 4 giugno al 27 novembre 2011 il Museo Correr di Venezia dedica un’importante rassegna a Julian Schnabel, celebre artista newyorkese dal poliedrico spirito creativo.

La mostra “Julian Schnabel. Permanently Becoming and the Architecture of seeing” è prodotta e organizzata da Arthemisia Group in collaborazione con la Fondazione Musei Civici di Venezia e realizzata grazie al fondamentale contributo di Maybach, main sponsor dell’evento, e di BNL Gruppo BNL Paribas.

Il percorso espositivo, a cura di Norman Rosenthal, presenta oltre quaranta opere che ripercorrono la carriera artistica di Julian Schnabel dagli Anni ‘70 ad oggi offrendo l’opportunità di ammirare dipinti e sculture di un grande creativo considerato un fenomeno americano a tutto tondo. La retrospettiva illustra la sua poetica fortemente ispirata a Jackson Pollock e Cy Twombly, ma basata anche sulla tradizione europea e mediterranea che ricorda lo stile dei vecchi maestri spagnoli e italiani - come El Greco e Tintoretto - e che interpreta rimandi letterari e culturali, antichi e moderni da Omero a Eschilo, all’arte dei grandi maestri, da Giotto a Goya, da Antoni Gaudí a Pablo Picasso.

Pittore, scultore e regista di fama internazionale, Julian Schnabel si contraddistingue per la sua stupefacente capacità metamorfica e la travolgente forza espressiva che comunica attraverso le sue opere. Un talento nato dalla pittura che lo porta a sondare più campi artistici e a cimentarsi nel mondo del cinema dove riesce come ottimo regista con i film Basquiat del 1996, Prima che sia notte del 2000 (vincitore del premio Grand Jury al Festival del Cinema di Venezia), Lo Scafandro e la Farfalla del 2007 (vincitore del premio per il miglior regista al Festival di Cannes). La produzione cinematografica di Schnabel è strettamente correlata alla sua produzione artistica al punto che i suoi film possono essere considerati un naturale proseguimento della sua vena pittorica.

Solitamente noto come il pittore dei plate paintings, Schnabel in realtà ha utilizzato una serie infinita di supporti e materiali variegati per la realizzazione delle sue opere passando dal velluto alla tela cerata, da pezzi di legno provenienti da tutto il mondo a vele, fotografie, tappeti, teloni e in generale a qualunque superficie piatta che ispiri i suoi processi creativi.

Verso la fine degli Anni ‘80 Schnabel cominicia a prediligere formati di grandi dimensioni per le sue opere. Tale maestosità, benché a volte letta dalla critica come un mero tentativo di impressionare lo spettatore, nasce in realtà dalla volontà dell’artista di creare un collegamento con gli imponenti dipinti del passato commissionati dallo Stato o dalla Chiesa e con i “big paintings” dell’America del Dopo Guerra.

TABAIMO: teleco-soup

The Japan Foundation is proud to announce the artist Tabaimo's representation of Japan at the 54th Venice Biennale. Recognized as one of the country's leading young artists, Tabaimo first received critical acclaim for her multimedia installation Japanese Kitchen (1999), which combined surreal, hand-drawn animations with architectural elements in an unblinking examination of contemporary Japanese society. In Venice, "TABAIMO: teleco-soup" will continue that trajectory through an immersive multimedia environment that incorporates the unique characteristics of the Japan Pavilion.

In Japanese the exhibition title, "teleco-soup," connotes the idea of an "inverted" soup, or the inversion of relations between water and sky, fluid and container, self and world. Coined by the artist, this phrase builds upon an intellectual tradition in Japan that grapples with the country's identity as an island state, or what in recent years has come to be known as the "Galapagos Syndrome," originally used to describe the incompatibility between Japanese technology and international markets but now applicable to multiple facets of Japanese society in the age of globalization.

The structure of the exhibition further references a proverb attributed to the Chinese philosopher Zhuangzi, "A frog in a well cannot conceive of the ocean," and an addendum to the Japanese version of the same, "But it knows the height of the sky." Through the use of a multi-channel animation projection and mirror panels, Tabaimo will transform the interior of the Japan Pavilion into a well and the open space beneath the Pavilion, which is raised on pilotis, into the sky.

The succession of images will lead to a recognition of the unimaginable breadth of the well—or contemporary Japan—and through the installation's anti-gravitational orientation will connect to an infinite depth/height in the eternal world of the sky below, visible through an aperture in the floor at the Pavilion center. In this way extending beyond the confines of the Pavilion, the installation will destabilize relations between up and down, interior and exterior, broad and narrow perspectives, and immerse visitors into a bodily experience that asks them to question, Is the world of a frog living in a well really so small? And, How can we negotiate the points of contact between the individual and the communal—how do we negotiate our own Galapagos Syndromes?

Artist's Bio:
Born in 1975, Tabaimo graduated from Kyoto University of Art and Design in 1999. She received the Grand Prize in the 1999 Kirin Contemporary Awards for her video installation Japanese Kitchen, completed as her graduation work. She has had solo shows at numerous institutions including Tokyo Opera City Art Gallery in 2003; the Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, and Cartier Foundation for Contemporary Art, Paris, in 2006; the Yokohama Museum of Art and the National Museum of Art, Osaka, in 2009/10; and Parasol Unit Foundation for Contemporary Art, London, in 2010. She has previously exhibited at Venice in the artistic director's exhibition curated by Robert Storr in 2007, "Think with the Senses – Feel with the Mind: Art in the Present Tense."

Japan Pavilion official HP www.jpf.go.jp

Ultime dal Padiglione Spagna

The work L'Inadeguato, Lo Inadecuado, The Inadequate by the artist Dora García will be presented in the Spanish Pavilion, curated by Katya García-Antón, in the forthcoming edition of the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia, which will run from the 4th June to 27th November 2011.

The artist proposes a single piece, an extended performance for the Pavilion, which is organized by the Secretary of State for International Cooperation of the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation, through the Directorate of Cultural and Scientific Relations of the AECID and with the support of Spanish Cultural Action (AC/E).

Dora García proposes a single piece titled L'Inadeguato, Lo Inadecuado, The Inadequate, an ensemble performance that will evolve constantly throughout the six months of the Biennale and involve nearly seventy participants. The performance will be accompanied by a publication and a guide to the performance and make use of a series of objects and documents that will be presented to the public in archive format.

In the artist's own words, "The Inadequate aims to replace the idea of exhibition with that of occupation, the idea of an artist's show with that of a theatre of exhibitions, the idea of a national pavilion with a pavilion known to a specific country and its history."

The concept of inadequacy to which the title refers is perfectly explained by the following words by Erving Goffman in Encounters (1961): "to be awkward or unkempt, to talk or move wrongly is to be a dangerous giant, a destroyer of worlds. As every psychotic and comic ought to know, an accurately improper move can poke through the thin sleeve of immediate reality."

In the curator's words: "In the Spanish pavilion, García proposes the project L'Inadeguato, Lo Inadecuado, The Inadequate, which literally refers to the feeling of inadequacy that the artist felt with regards to her role in the complex environment of the Biennale and the Spanish Pavilion in which she had been invited to participate. In this light, García draws on the sociologist Erving Goffman's thesis on inadequacy. The project consists in a single work: 'an extended performance' that will take place throughout the duration of the Venice Biennale and that, as she explains, underlines the 'violent fragility of everything we consider adequate. It is a form of dissidence, of escaping from the centre. The Inadequate responds to the need not to meet expectations, of not being what is expected of one'.

For the artist, the concept of inadequacy extends beyond the realm of art and enters into that of social taboo. The Inadequate pursues a comprehension of marginality as a conceptual approach to creativity, with political and economic as well as social ramifications. Here marginality is considered a political position within art practice, and inadequacy a need to distance oneself from the prevailing cultural discourse."

The Inadequate is an artwork of joint authorship, which from the outset has involved a group of artists, art critics and writers, with Dora García playing the part of initiator and host.

Organized by the Secretary of State for International Cooperation of the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation, through the Directorate of Cultural and Scientific Relations of the AECID with the support of Spanish Cultural Action (AC/E), L'Inadeguato, Lo Inadecuado, The Inadequate will have a website which will track the development of the project: www.theinadequate.net


You can follow The Inadequate at:
Facebook: Dora García at the Spanish Pavilion. Biennale di Venezia
Twitter: Spanish Pavilion

Acqua Ferita / Wounded Water Six Iraqi artists interpret the theme of water

These are extraordinary times for Iraq. The project to create an official country Pavilion for the 54th Biennale di Venezia is a multiple and participatory work in progress since 2004. It is historically coming at a period of great renewal after more than 30 years of war and conflict in that country.

The Pavilion of Iraq will feature six internationally-known contemporary Iraqi artists who are emblematic in their individual experimental artistic research, a result of both living inside and outside their country. These artists, studying Fine Arts in Baghdad, completed their studies in Europe and USA. They represent two generations: one, born in the early 1950’s, has experienced both the political instability and the cultural richness of that period in Iraq. Ali Assaf, Azad Nanakeli and Walid Siti came of age in the 1970’s during the period of the creation of political socialism that marked their background. The second generation, to include Adel Abidin, Ahmed Alsoudani and Halim Al Karim, grew up during the drama of the Iran-Iraq war (1980-1988), the invasion of Kuwait, overwhelming UN economic sanctions and subsequent artistic isolation. This generation of artists exited the country before the 2003 invasion, finding refuge in Europe and USA by sheer fortune coupled with the artistic virtue of their work. All six artists thus have identities indubitably forged with contemporary artistic practice that unites the global situation with the Iraqi experience and they represent a sophisticated and experimental approach that is completely international in scope.

The six artists will execute works on site that are inspired by both the Gervasuti Foundation space and the thematic choice of water. This is a timely interpretation since the lack of water is a primary source of emergency in Iraq, more than civil war and terrorism. A documentary by Oday Rasheed curated by Rijin Sahakian will feature artists living and working in Iraq today. A panel discussion "A Fluid Resilience" will be hosted at the Fondazione Quirini-Stampalia on June 4, 2011 at 11 am.

The Pavilion of Iraq has been produced thanks to Shwan Ibrahim Taha and Reem Shather-Kubba/Patrons Committee, corporate and individual contributors including Rabee Securities, North Bank, Total, Atconz Group, Nisreen & Ali Al Husry, Hussain Ali Al-Hariri, and Nemir & Nada Kirdar; Embassy of the Republic of Iraq, the Iraqi Representation to the UN Agencies in Rome, and a generous grant from the Arab Fund for Arts and Culture.

Honorary Patron is the architect Zaha Hadid

LIINA SIIB - A Woman Takes Little Space

LIINA SIIB's project A Woman Takes Little Space will represent Estonia at the 54th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia. The exhibition at the Estonian Pavilion is commissioned by the Center for Contemporary Arts, Estonia.

The exhibition A Woman Takes Little Space consists of six conceptually connected room installations in an apartment-like, (un)homely environment. In her photo, video and site-specific room installations, the artist explores various topics, ranging from femininity and social space to different representations of women in contemporary society, as well as 'feminine' jobs and prostitution.

The title work of the exhibition, the photography series A Woman Takes Little Space (2007–2011), captures women of different ages and social status at their places of work. The series is inspired by a claim made in an opinion column on gender equality that appeared in the Estonian media a few years ago stating that women need less space for their everyday work (and less pay) than men. One of the questions that runs through the exhibition touches on the mechanisms that allow such ideas (though in the interests of political correctness they are quashed in public debate) to continue relatively unhindered as a result of an unsaid agreement between all parties.

In the installation A Room of One's Own (2011) a video presents the housework and home life of housewives living in a new suburb close to Tallinn. These images are shown alongside Russian women dancing among themselves at an open-air concert in a wintery landscape. In the work Apartness (2008) there are photographs of middle-aged women who, having dressed themselves according to their idea of what men fantasize about, create a certain heightened trophy image of women. The video installation Averse Body (2007), filmed through a car window against views of Tallinn at night, involves interviews with prostitutes, in which the artist asks what they think of their bodes, what their clients think, what they would like to change about themselves, how much time they spend on their appearance and so forth.

Along with work that focuses on the private sphere and the body, there is also the video Unsocial Hours (2011), which explores the model of the cycle of women's work and social life through food; to be more specific, cheap pastries produced in a bakery that works through the night and which are sold in the kiosks at Tallinn Railway Station, and eaten in cafes in Lasnamäe or during breaks by doctors and nurses working at Pelgulinn Hospital. Along with a focus on space, there is also a strong emphasis on time—the circling of time, and a certain element of ritual repetition and 'not getting anywhere'.

Men are only seen briefly in this exhibition, but their voice also has a place—as singing, or rather sounds, coming from the bathroom (His Song, 2011), as the announcer in the video Unsocial Hours, and in a slightly removed way in the work Averse Body, which is based on Jerzy Grotowski's claim that prostitutes have a particular loathing for and lack of trust in their bodies.

Press release compiled by Anu Allas

Liina Siib was born in 1963 in Tallinn, Estonia, where she currently lives and works. She studied graphic art and photography at the Estonian Academy of Arts, where she also earned an MA in photography. Her recent works examine different aspects of femininity, dealing with social space and subjectivity. She has had thirty solo exhibitions in Estonia, Germany, Belgium, France, Finland and Latvia. Her works have been presented at a number of exhibitions in Estonia, Europe, Asia and the USA. Her works are in the collections of the Art Museum of Estonia, the Tartu Art Museum, the Moderna Museet in Stockholm, the Neues Museum für Kunst und Design in Nuernberg etc.

LUCID DREAMS,

Dal 4 giugno al 31 ottobre 2011 Cristiano Pintaldi è protagonista di LUCID DREAMS, mostra personale a cura di Achille Bonito Oliva organizzata dall’associazione non profit romana Opera Rebis. Allestita all’interno dei suggestivi spazi di archeologia industriale dell’Ex Cantiere Navale di Castello, per la prima volta utilizzati per una mostra d’arte contemporanea, LUCID DREAMS è inserita nel programma ufficiale degli eventi collaterali della 54. Esposizione Internazionale d’Arte, la Biennale di Venezia.

Attraverso una selezione di lavori pittorici di grande formato, per lo più inediti, Cristiano Pintaldi presenta un’articolata riflessione sulla nostra capacità di definire e percepire la realtà. Il titolo stesso della mostra, LUCID DREAMS - sogni lucidi -, esplicita il pensiero dell’artista secondo il quale la realtà di cui facciamo parte sia un sogno in cui ciascun individuo è simultaneamente regista e attore del proprio film, creatore responsabile della propria visione. In questo senso l’aspetto tangibile dell’universo in cui viviamo è il risultato di circa sei miliardi di realtà, tanti quanti sono i punti di vista delle persone nel mondo.
Ma esiste una mediazione, la realtà condivisa: tutti, infatti, riconosciamo come reale il punto di vista univoco creato dai media, che restituiscono la visione di una realtà filtrata da un’inquadratura e riproposta attraverso un monitor. In questo modo ognuno di noi diventa consapevole dell’esistenza di un doppio livello di percezione, quello di una realtà individuale, generata dal proprio punto di vista e quello della realtà condivisa, uguale per tutti, di cui l’immagine mediatica è la prova. Questo doppio livello di lettura è il punto focale della ricerca di Pintaldi: da un lato la scelta dei soggetti dei suoi quadri, immagini significative nella formazione dell’immaginario collettivo forgiato dai nuovi media globali dagli anni ’50 a oggi, e dall’altro una pittura fatta di pixel, che traduce le immagini nel codice percettivo proprio delle trasmissioni video.

La scomposizione pittorica dei soggetti in punti uniformi, rossi-verdi-blu, permette di percepire contemporaneamente sia la forma dell’immagine-realtà con i suoi colori corretti, sia la struttura di cui è composta, ossia i pixel RGB in equilibrio tra loro. La doppia natura della visione è così rappresentata dall’opera attraverso il colore come un’esperienza anomala del reale, suscitando nello spettatore una percezione che oscilla continuamente fra i diversi piani di realtà che essa stessa ha creato.


LUCID DREAMS è la prima grande personale di Cristiano Pintaldi a Venezia, allestita al crocevia tra l’Arsenale e i Giardini della Biennale, in uno storico e suggestivo spazio di archeologia industriale utilizzato per la prima volta per una mostra d’arte contemporanea.
La mostra è organizzata dall’associazione culturale Opera Rebis, organizzazione non-profit romana che sostiene e promuove progetti artistici contemporanei in spazi non convenzionali privilegiando un approccio etico all’arte, ed è realizzata grazie al sostegno di BONATO Milano 1960.

GRAN SUR - Fernando Prats

Venezia, 20 Maggio 2011 – Sarà l’artista Fernando Prats a rappresentare l’anima più profonda e vissuta della geografia e della storia cilena alla prossima 54. Esposizione Internazionale D’ Arte - La Biennale di Venezia: il progetto “Gran Sur”, che inaugura con una preview per la stampa il 1 giugno alle ore 17,00 presso l’Arsenale storico della città lagunare, si potrà visitare dal 4 giugno al 27 novembre 2011.

L’esposizione è costituita da tre opere: un intervento sull’impatto dell’eruzione vulcanica a Chaiten (2008); varie parti che si riferiscono al terremoto che ha colpito le zone del centro sud del Cile (2010); e un’installazione con lettere al neon che riproduce l’annuncio che l’esploratore irlandese Ernest Shackleton avrebbe pubblicato, intorno al 1911, per reclutare uomini per la sua spedizione nell’Antartico. Prats produce immagini iniziando dal fumo, mediante il quale riesce a sedimentare fenomeni naturali quali l’acqua espulsa da un geyser o la superficie di un immenso ghiacciaio.
La sua tecnica è stata notata da personaggi del calibro del teorico francese Paul Ardenne che da poco ha incluso l’opera di Fernando Prats nell’attuale esposizione presso lo Spazio Louis Vuitton di Parigi, elogiandolo per aver dato inizio a “una forma inedita di pittura”.

Il Padiglione cileno alla Biennale di Venezia costituisce un elemento determinante nell’ambito delle politiche di internazionalizzazione delle arti visive del Cile. Negli ultimi anni si è andata definendo una presenza graduale. L’edizione precedente, nel 2009, è diventata un evento storico con la presentazione dell’opera dell’artista Ivan Navarro al primo padiglione esclusivo del Cile nello spazio dell’Arsenale. Considerando l’importanza di questa vetrina, si sono uniti gli sforzi del Consiglio Nazionale della Cultura e le Arti (CNCA), del Ministero degli Esteri, mediante la Direzione Affari Culturali (DIRAC), della Fondazione Immagine del Cile, di Pro Chile e della Marina del Cile. Da Barcellona ha dato il suo contributo la Galleria Joan Prats e la Casa Editrice Poligrafa e dall’Italia l’Ambasciata del Cile a Roma.

L’opera di Fernando Prats ha convinto i giurati a rappresentare il Cile a questa Biennale per la qualità e la serietà del suo lavoro e per il fatto di essere in continua ascesa nel panorama mondiale delle arti visive. Fernando Prats lavorerà con il teorico spagnolo Fernando Castro Flórez, curatore, e con il teorico e poeta cileno Antonio Arévalo, commissario. Con questa proposta estetica ispirata al Cile, alla sua geografia e alle sue condizioni telluriche, Fernando Prats cerca di esaltare il soggetto capace di elevarsi ad eroe. Il progetto “Gran Sur” invita ad una riflessione sul ruolo della geografia nell’identità di questo Paese.

Colonna portante della sua presentazione a Venezia sarà la spedizione che lo stesso Prats ha realizzato a marzo nel territorio antartico a bordo del Rompighiaccio della Marina, Ammiraglio Viel. Commemorando il centenario del mitico annuncio che sarebbe stato pubblicato sul Times dall’esploratore irlandese Ernest Shackleton, Prats ha piazzato sull’Isola Elefante lo stesso testo: “Si cercano uomini per viaggio rischioso, bassa ricompensa, freddo estremo, lunghi mesi di oscurità totale, pericolo costante, dubbio ritorno sani e salvi, onore e merito in caso di successo”.

Il testo, che anticipa l’eroismo tanto quanto il naufragio, sarà collocato sulla facciata del Padiglione del Cile alla Biennale.

Hats Protect Ideas

Prende il via, in occasione della 54° edizione della Biennale d’arti visive di Venezia, la collaborazione tra l’artista albanese Anila Rubiku, la Fondazione Borsalino e Borsalino S.p.A., la storica azienda di cappelli di Alessandria.

Anila Rubiku (Durazzo, 1970), artista conosciuta a livello internazionale per le sue opere dedicate a temi contemporanei in cui la manualità diventa espressione dell’impegno e della partecipazione alle grandi questioni sociali, è nella rosa dei cinque artisti invitati a rappresentare il Padiglione albanese alla Biennale 2011, a cura di Riccardo Cadura, con una propria sala. L’artista presenterà due diversi lavori, ponendo l’accento sulle diversità e il complicato processo di integrazione culturale, per affrontare un tema di grande attualità.

“Hats Protect Ideas” è una installazione che indaga il tema dell’identità, in riferimento alle problematiche connesse a emigrazione e immigrazione. L’opera, realizzata in collaborazione con l’azienda Borsalino e l’omonima Fondazione, è composta da 60 cappelli in feltro da uomo, ognuno dei quali ricamato a mano da donne straniere di diverse nazioni, immigrate in Italia e che qui vivono da tempo. I sessanta ricami – frasi emblematiche oppure disegni - propongono altrettanti diversi racconti sul difficile percorso che uno straniero si trova ad affrontare verso l’ottenimento di una nuova cittadinanza. Ogni cappello dell’installazione Hats protect ideas racconta parallelamente l’esperienza di ogni migrante e quella dell’artista, paradigmatica della corsa a ostacoli di tutti coloro che abbandonando il proprio paese sono alla ricerca di una nuova e combattuta cittadinanza. Storie individuali che insieme diventano voci di un racconto corale in tema di identità. Ai cappelli Borsalino il compito di “proteggere le idee”.


“Come tanti albanesi costretti a lasciare la loro terra d'origine e le loro case per cercare lavoro e possibilità - ha ricordato Anila Rubiku - ogni emigrato sperimenta il destarsi di altre aspettative rispetto a quelle che lo accompagnano al momento della partenza. Immediatamente aspira a una vita migliore e a una nuova definizione come cittadino. Intende riconoscersi come membro della nuova società, assimilare ogni suo aspetto culturale e riuscire a integrarsi con essa”. “Il mio progetto – ha proseguito - racconta le diverse capacità e forme di adattamento di coloro che si trovano ad affrontare questa trasformazione, non senza grandi difficoltà e conflitti interiori. Durante il processo emergono disagio e un’indefinibile sensazione di sospensione, in attesa di una svolta, un giudizio, l’arrivo di un permesso, la consacrazione di una cittadinanza”.

Hats Protect Ideas, titolo dell’installazione veneziana, è anche il titolo del progetto speciale che dall’autunno di quest’anno l’artista intraprenderà su invito della Fondazione Borsalino, in collaborazione con l’azienda.

“Crediamo molto nella capacità dell’arte di raccontare storie che hanno un valore universale, partendo da esperienze autobiografiche - afferma Roberto Gallo, Presidente della Fondazione Borsalino. “Abbiamo accolto la collaborazione con Anila Rubiku con l’idea di dar vita a un percorso articolato, di scambi e di crescita reciproca, e con l’entusiasmo di un impegno dai molteplici risvolti: culturale, artistico, creativo e anche sociale. Sostenendo questa giovane artista emergente, con il suo intelligente e poetico lavoro fortemente legato all’attualità, ci piace contribuire a permettere di dare voce a chi spesso non ha diritto di parola.”

Afternoon Tea

Non c'è nulla di più esaltante del brusio e dell'atmosfera, durante la settimana di apertura della Biennale di Venezia.

Essendo la più lunga, prestigiosa biennale d'arte internazionale nel mondo, la Biennale di Arti Visive di Venezia è il maggiore evento nel calendario artistico.

Con grande entusiasmo la WW Gallery presenta 'Afternoon Tea' (Il tè pomeridiano), dal 30 maggio al 12 giugno al Padiglione degli Ingollatori, evento collaterale al programma 'UK alla Biennale di Venezia', Il Padiglione degli Ingollatori si antepone al Padiglione Britannico, progettato in origine nel 1887 come sala da tè. 'Afternoon Tea' è un toccasana alle enormi fatiche della Biennale, un'occasione per 'buttare i piedi all'aria' e avere l'arte al tuo servizio.

Come Veneziani che si destano dalla loro pausa, durante la chiusura dei ristoranti e dei caffè per il cambio del turno serale, la WW Gallery invita i visitatori a rilassarsi e a condividere la grande tradizione Britannica del tè pomeridiano. Ogni giorno dalle 15 alle 18, verranno offerti tè e pasticcini con una vasta selezione di lavori artistici su carta.
Il concetto 'lavoro su carta', come anche 'tè del pomeriggio', evocano un curioso, leggero alone di nostalgia 'vecchia scuola'. Ma anche in quest'era di nuovi media, lavorare sulla carta è importante e continua a sostenere la pratica di molti artisti contemporanei.

L'immediatezza degli schizzi su carta racchiude in sé il guizzo sincero scaturito dai sogni, dai ricordi, dalle fantasie e dagli umori, offrendo uno scambio intimo tra artista e visitatore.

I lavori in questa mostra non hanno un tema comune e riflettono invece semplicemente un flusso corrente di lavori su carta di piccole dimensioni, dove le immagini e i testi sono espressi nella forma più vivida e vitale.


Nota delle direttrici

‘Afternoon tea’ è una mostra e sala da tè temporanea. L'ingresso è gratuito ma solo su appuntamento, tutti i giorni dalle 15 alle 18, dal 30 maggio al 12 giugno 2011. La prenotazione è obbligatoria, siete pregati di riservare il vostro posto via email o ai numeri seguenti: wwgallery@gmail.com; +393317404189 (Italia); +447531342128 (UK).

‘Afternoon Tea’ è a cura di Debra Wilson e Chiara Williams. La Wilson e la Williams, conosciute come WW, hanno una carriera affermata per individuare

Mabel Palacin: 180°

Mabel Palacín: 180º è il nome del progetto promosso dall’Institut Ramon Llull di cui è commissario David G. Torres e che rappresenterà la Catalogna e le Isole Baleari alla loro prima partecipazione congiunta alla Biennale d’Arte di Venezia, la mostra d'arte contemporanea più importante del mondo. Si tratta di un'installazione di video-art sulla stessa linea di altre opere precedenti di Mabel Palacín, che le sono già valse l’unanime plauso della critica internazionale. Nella sua proposta Palacín riflette sulla crisi dello status dell'immagine e sul cambiamento del rapporto dell'immagine con la realtà.
Il progetto è stato presentato all'Istituto Italiano di Cultura di Barcellona durante un incontro a cui hanno partecipato Ferran Mascarell, titolare del Ministero della Cultura del governo catalano, e Vicenç Villaltoro, direttore dell’Institut Ramon Llull. Nei loro interventi hanno entrambi sottolineato l'importanza della presenza della Catalogna e delle Isole Baleari alla Biennale di Venezia. Dal canto loro, David G. Torres e Mabel Palacín hanno spiegato in cosa consisterà Mabel Palacín: 180º.

Il punto di partenza di Mabel Palacín: 180º è l'immagine di un luogo indefinito di Venezia, fotografato con straordinaria precisione e cura dei particolari. La stessa vista viene successivamente filmata, di modo che l'immagine è frazionata in numerosi punti di vista e diverse micronarrazioni. Si crea così una serie di contrasti tra l'immagine fissa e l'immagine in movimento. Nelle parole del commissario David G. Torres, “le due proposte, immagine fissa filmata e video che sono punti di fuga, riflettono sulla città come cornice della collettività e come scenario su cui sviluppare diverse visioni o sguardi”.

Il nome del progetto di Palacín parte da ciò che nel cinema si conosce come regola dei 180 gradi, che stabilisce la posizione dei personaggi rispetto alla macchina da presa per evitare di creare confusione nello spettatore. Mabel Palacín: 180º risponde alla perdita del legame che univa la fotografia alla realtà e si focalizza in un cambiamento di posizione dello spettatore rispetto alle immagini e alle loro implicazioni. L'opera di Mabel Palacín non è solo una riflessione sull'immagine nella contemporaneità, ma vuole offrire anche delle basi di lavoro su cui l'arte possa ricostruire un uso delle immagini.

Il progetto delle comunità della Catalogna e delle Isole Baleari si potrà vedere al Magazzino del Sale numero 2 dal 4 giugno al 30 ottobre di quest'anno.

Parallelamente, all'interno della stessa area in cui si presenterà Mabel Palacín: 180º, avrà luogo un ciclo di conferenze organizzate dall’Institut Ramon Llull e dal collettivo veneziano Sale, all'interno del quale si svolgeranno diversi colloqui su temi di attualità con relatori di prima fila.

Processo di selezione
Il processo di selezione del commissario e dell’artista che rappresenteranno la Catalogna e le Isole Baleari a Venezia si è svolto in modo aperto e trasparente. La scelta è stata effettuata da una giuria, proposta dalla direzione dell’Institut Ramon Llull, formata da sette professionisti di riconosciuto prestigio internazionale. Presiedeva il comitato di esperti Vicent Todolí, direttore fino a giugno scorso della Tate Modern di Londra; ne facevano parte inoltre Bartomeu Marí, direttore del MACBA, Laurence Rassel, direttrice della Fondazione Antoni Tàpies, Joan Fontcuberta, artista, Cristina Ros, direttrice del Museo Es Baluard, Joan Cortés Servera, artista, e Bestué-Vives, artisti invitati all'esposizione internazionale della Biennale d’Arte del 2009.

Sono stati presentati 28 progetti, di cui un terzo di provenienza internazionale. Tra tutti, la giuria ha selezionato cinque finalisti, che ha incontrato per un colloquio. A settembre 2010 è stato infine selezionato il progetto di David G. Torres e Mabel Palacín.

L’Institut Ramon Llull ha partecipato alla Biennale per la prima volta nel 2009 con il progetto La comunità inconfessabile, di cui era commissario Valentín Roma, una mostra che ha ricevuto oltre 45.000 visitatori.

Titolo della Mostra: Mabel Palacin: 180°
a cura di David G. Torres per Institut Ramon Llull
dove: Magazzino Del Sale 2
Dorsoduro 265 Venezia
Date: Dal 4 giugno al 30 ottobre 2011
54ma Biennale Arte di Venezia - Padiglione della Catalogna e delle Isole Baleari

Per raggiungere il Magazzino del Sale da Piazzale Roma o Ferrovia:
vaporetto 61, direzione Lido, fermata Santo Spirito; vaporetto linea 2, direzione Lido, fermata Accademia; vaporetto linea 1, direzione Lido, fermata Accademia o Salute.
Per raggiungere il Magazzino del Sale da Piazza San Marco: vaporetto 62, direzione P. Roma, fermata Santo Spirito; vaporetto linea 2, direzione P. Roma, fermata Accademia; vaporetto linea 1, direzione P. Roma, fermata Salute o Accademia.

info : pr/undercover

Franz Beer a Venezia

Opere recenti

Il risultato particolare della tecnica di Franz Beer è di creare delle superfici che appaiono pittoriche e tuttavia sono virtuali perché esistono solo tramite gli occhi che le osservano. Le superfici reali sono crepate, spigolose, crostose e rupestri, e la loro esperienza tattile è l’esatto opposto di quella ottica.

Col mutare della luce (del giorno) questi “materiali”, che in realtà sono oggetti da parete, sviluppano un gioco di colori camaleontico, che non è riproducibile. La luce cangiante ha un ruolo essenziale nell’esperienza sensoriale di questi lavori.

Pertanto è solo al primo sguardo che l’opera di Franz Beer sembra eludere il pittorico e mettere in primo piano la plasticità del materiale, la sua vera materialità. Nei collage la testura grafica più volte interrotta crea un effetto pittorico. Un filato sottilmente tracciato sembra diventare un dipinto. Dove vengono introdotti elementi simbolici, dove in questo astratto linguaggio artistico appaiono tracce rappresentative dell’essere umano, anche a queste viene data forma plastica – fessure si aprono, dalle quali sgorga qualcosa; in buchi che possono allargarsi come nicchie, si intuiscono, si possono tastare più che vedere concretamente delle forme falliche o vegetali (interpretabili forse al femminile?). Sfumature cromatiche rendono possibili la mutazione ottica della spazialità dei “quadri”.

Il mondo visivo-tattile che Franz Beer misura con la sua opera, deve essere sembrato lontano a lui stesso negli anni di gioventù. “Ciclo di un mondo lontano” ha intitolato la sua seconda esposizione veneziana nel 1958. Nel corso dei decenni, questo mondo si è avvicinato sempre di più all’artista stesso, ai suoi molti amatori, collezionisti e conoscitori. E di nuovo dispiega davanti ai nostri occhi, cose mai prese prima come vere, in molte lingue, con innumerevoli sfaccettature: 2011, un mondo lontano, so close, maintenant.



Peter Zawrel