ALBERTO BURRI “The Unbreakable Presence of Painting”

VENICE -- The Fondazione Giorgio Cini is presenting a landmark survey show dedicated to Alberto Burri (1915-1995). This exhibition presents the final chapter of a series of international exhibitions and events staged to celebrate the Italian artist over the course of the past year. Taking place at the Fondazione Giorgio Cini, on the island of San Giorgio Maggiore, between the 10th of May and 28th of July, the exhibition is organised with the Fondazione Burri and in collaboration with Tornabuoni Art and Paola Sapone MCIA, with sponsorship from Intesa Sanpaolo.

Curated by Bruno Corà, President of the Fondazione Burri, the exhibition will chronologically cover the many important facets of Burri’s artistic output, and will include a number of masterpieces belonging to each phase of the artist’s career. From the incredibly rare Catrami series, starting in 1948, to the final Cellotex works from 1994, the show will present around 50 masterpieces on loan from important museums in Italy and abroad, from the Fondazione Alberto Burri, prestigious private collections, and two works from the collection of Intesa Sanpaolo. Significantly, for the first time the Fondazione Burri, based in the artist’s hometown of Città di Castello, Umbria, is lending a number of major works from its collection, creating a fuller picture of the artist than has been seen in previous exhibitions. Together, these works span the entire length of Burri’s career, emphasizing is role as one of the most important figures in Post-War art of the 20th century. The show is also somewhat of a homecoming for the artist, whose work was last shown in Venice in 1983, when the former Cantieri Navali on the island of Giudecca exhibited 18 examples from Burri’s cycle of works entitled Sestante, or ‘Sextants’. 

Viewers will have the privilege of seeing a unique grouping of Burri’s most important works, many of which have never been publicly exhibited before –from the rare first series of works titled Catrami (‘Tars’, from 1948) and Muffe (‘Moulds’, from 1948), presented in conversation with his iconic Sacchi (‘Sacks’, from 1949-50) and Gobbi (‘Hunchbacks’, from 1950), all the way through to the fascinating Combustioni (‘Combustions’, from the 1960s), the Legni (‘Woods’, from 1955), the Ferri (‘Irons’ from 1958), the contorted Plastiche (‘Plastics’, from the 1960s) and the extraordinary evolution of the Cretti (‘Cracks’, from the 1970s), which, with the Sacchi and Plastiche, are perhaps among his most recognisable series of works, and ending with the large-scale and colourful Cellotex, which he made up until the mid-1990s. This show proposes a holistic and meaningful analysis of the way in which this pioneer of contemporary art of the second half of the 20th century tackled the central theme that underlies his entire oeuvre: the transformative use of materials, or ‘matter’, into art. Bruno Corà, curator of the show and President of the Fondazione Burri, comments:

“Just over a quarter of a century following his death in 1995, this show will shine a light on the radical transformation that Burri brought to the art of the 20th century. The revolution Burri brought to art by engaging with a systematic presentation of material as the subject matter itself, rather than using it as a tool for representation, is arguably as important as when Giotto abandoned the stylised gold skies of Mediaeval art and began to paint it blue, just as it appeared in nature. What brings these two innovators together is the introduction of something ‘real’ in lieu of imitation. The absolute shock of Burri’s work in the years that followed WWII can be measured in terms of the quantity of art and artists that he clearly influenced, from the New Dada of Rauschenberg, Johns and Dine, to the Nouveau Réalisme of Klein and Rotella, the Arte Povera of Pistoletto, Kounellis, Pascali and Calzolari, as well as process-based art and monochromatic neo-minimalism.”

Highlights of the show at the Fondazione Cini will include some large Sacchi from 1952, each one around 2.5 metres wide. Rauschenberg is known to have seen them in Burri’s studio in 1953, while he was preparing for his own show, at the Galleria dell’Obelisco in Rome, titled ‘Boxes and Fetishes’. Rauschenberg’s visit to Burri’s studio had such a profound effect on him that it changed the way he made art, and in 1954 he began his famous Combine Paintings, which show obvious influences from Burri’s own work. The show will also include a cycle of very important Plastiche as well as a monumental Cellotex from 1979, measuring almost 3 x 4 metres. 

The work of Alberto Burri has been receiving increasing international attention in the past years, consecrating him as one of the most influential artists of the 20th century. In 2015, the Solomon R. Guggenheim Museum in New York presented a survey show which then travelled to the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K21 Ständehaus in Düsseldorf, while the Fondazione Burri itself hosted a major exhibition in Città di Castello (in the province of Perugia).

This exhibition will be complemented by a multimedia archive, including never-before-seen film footage of the artist at work, relating to the entirety of Burri’s professional life. On this occasion, a bilingual catalogue (Italian-English) will be published, with introductions by the curator Bruno Corà, President of the Fondazione Burri, and Luca Massimo Barbero, Director of the Institute of Art History at the Fondazione Giorgio Cini. This scholarly catalogue will prove to be a useful tool in the study of Burri’s work and will also include an updated bibliography. The exhibition has been designed by the architect Tiziano Sarteanesi.

Venice, Island of San Giorgio Maggiore 10th May – 28th July 2019

 ALBERTO BURRI  “The Unbreakable Presence of Painting”  curated by Bruno Corà

Reportage Le stanze del Vetro Isola di S.Giorgio - Ettore Sottsass

Vik Muniz alla Fondazione Cini

Il 21 aprile 2017 apre al pubblico Afterglow: Pictures of Ruins, il nuovo progetto ideato ad hoc per la Galleria di Palazzo Cini dall’artista Vik Muniz, ispiratosi ai capolavori della collezione Cini

Dal 21 aprile al 24 luglio la Galleria di Palazzo Cini a San Vio, inaugura la stagione espositiva 2017 con un omaggio alla contemporaneità: gli spazi al secondo piano accoglieranno la mostra del noto fotografo Vik Muniz Afterglow: Pictures of Ruins. Omaggio a Venezia, nato da un dialogo con il curatore Luca Massimo Barbero, Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini, l’esposizione include foto inedite ispirate ai grandi maestri della collezione Cini, come Francesco Guardi, Dosso Dossi e Canaletto, oltre a una speciale scultura in vetro. Grazie ad Assicurazioni Generali, main partner della Galleria fin dalla sua riapertura nel 2014 e da molti anni sostenitore istituzionale della Fondazione Cini, la stagione espositiva sarà aperta al pubblico fino al 15 novembre 2017.

Ispirandosi alla mostra “Capolavori ritrovati della collezione di Vittorio Cini” – ospitata nel 2016 al secondo piano del Palazzo -, al capriccio italiano e alla tradizione veneziana, l’artista contemporaneo Vik Muniz presenta nella mostra Afterglow: Pictures of Ruins lavori realizzati ex novo in una scala cromatica straordinariamente vivida, attingendo ai dipinti della collezione di Vittorio Cini e ponendosi così in un dialogo ideale con le opere esposte in Galleria.

La tradizione del capriccio architettonico, che unisce edifici reali e immaginari, rovine archeologiche e una varietà di altri elementi architettonici combinati in modo creativo e fantasioso, divenne un vero e proprio fenomeno nella pittura italiana del XVII e XVIII secolo che fu molto apprezzato, condiviso e stimato. Muniz rivisita questo tema in chiave contemporanea, simulando le pennellate di questi quadri con ritagli di dipinti riprodotti in volumi di storia dell’arte attentamente selezionati non solo per i loro valori cromatici ma anche per le immagini che contengono, che incollati insieme richiamano una superficie tattile, a impasto. Proseguendo la tradizione degli artisti del XVII e XVIII secolo, Muniz ricombina in modo creativo questi elementi ricostruendo nuove immagini che, attraverso un gioco di rimandi e citazioni, incuriosiscono lo spettatore.

In mostra sarà esposta anche una originale scultura in vetro, in omaggio alla città lagunare, che riproduce in grandi dimensioni un bicchiere della tradizione veneziana del Settecento. L’opera è stata realizzata a Murano da Berengo Studio 1989 ed è frutto di diverse tecniche di lavorazione del vetro; il colore prevalente è rosso rubino, ed è stata utilizzata anche la foglia d’oro.

La mostra Afterglow: Pictures of Ruins inaugura la stagione 2017 della Galleria di Palazzo Cini a San Vio, “luogo straordinario, nascosto in evidenza” – come ama definirlo il direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte Luca Massimo Barbero. Riaperto nel 2014 e situato tra le Gallerie dell'Accademia, la Collezione Peggy Guggenheim e Punta della Dogana, conserva capolavori di Giotto, Guariento, Botticelli, Filippo Lippi, Piero di Cosimo e Dosso Dossi. Contestualmente alla riapertura al pubblico del Palazzo, avvenuta nel 2014, l’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Cini ha avviato una nuova e importante ciclo di studio delle opere conservate, sfociato nella pubblicazione del catalogo La Galleria di Palazzo Cini, che sarà ufficialmente presentato il prossimo 29 maggio.

Vik Muniz Vik Muniz è nato a San Paolo, Brasile, nel 1961 e attualmente vive tra New York City e Rio de Janeiro. Ha tenuto esposizioni presso istituzioni estremamente prestigiose quali l’International Center of Photography di New York, il Museu de Arte Moderna di San Paolo, il Museu de Arte Moderna di Rio de Janeiro, il Whitney Museum of American Art di New York, la Fundació Joan Miró di Barcellona, la Menil Collection di Houston, il Museo d’Arte Contemporanea di Roma e l’Irish Museum of Contemporary Art di Dublino. Le sue opere sono anche esposte nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York, dell’Art Institute di Chicago, del Solomon R. Guggenheim Museum di New York, del the Metropolitan Museum of Art di New York, del Museu de Arte Moderna di San Paolo, del Museum of Contemporary Art di Tokyo, del Museum of Fine Arts di Boston, del Museum of Fine Arts di Houston, della Tate Gallery di Londra, del Victoria and Albert Museum di Londra, del Walker Art Center di Minneapolis e del Whitney Museum of American Art di New York. Nel 2001 Muniz ha rappresentato il Padiglione brasiliano alla quarantanovesima Biennale di Venezia. Vik Muniz è stato il protagonista di un documentario candidato all’Oscar dal titolo Waste Land (2010), che ricostruisce la cronistoria delle collaborazioni dell’artista con un gruppo di catadores (che sopravvivono raccogliendo e differenziando rifiuti) del quartiere Jardim Gramacho della città brasiliana di Duque de Caxias a nord di Rio de Janeiro, il sito di una delle più grandi discariche del mondo. Muniz lavorò tre anni con i catadores, utilizzando i rifiuti riciclabili da loro raccolti per creare dei ritratti monumentali di questi individui emarginati che ne rivelavano la dignità e disperazione, rifacendosi agli antichi capolavori dei Maestri. Muniz è stato inoltre nominato Ambasciatore di Buona volontà dell’UNESCO per il suo contributo a favore di istruzione e sviluppo sociale, in particolar modo per il suo lavoro con i catadores.

Fondazione Cini

In concomitanza con la 57° Biennale di Venezia 2017, la Fondazione Faurschou è lieta di presentare presso la Fondazione Giorgio Cini tre mostre di importanza storica e artistica: “Us Silkscreeners…”, Late Series e New Media (Virtual Reality Art).

“Us Silkscreeners…” e Late Series offrono ai visitatori un prezioso scorcio su alcune delle opere d’arte più forti di Rauschenberg nonché su alcuni dei momenti decisivi della sua carriera.

“Us Silkscreeners…”

La mostra Us Silkscreeners… assume come punto di partenza i primissimi dipinti serigrafati da Rauschenberg e Warhol, ovvero rispettivamente Renascence e la serie Dollar Bills, entrambi terminati nel 1962. Nella primavera dello stesso anno l’incontro tra i due artisti segnò l’inizio di un nuovo orientamento nella tecnica del trasferimento delle immagini fotografiche che, non solo ebbe delle forti ripercussioni nella carriera dell’artista ma avrebbe influenzato anche la scena artistica nel suo complesso, così forgiando l’eredità di Rauschenberg e Warhol. Nonostante utilizzassero le serigrafie in modi diversi, nel 1962 entrambi gli artisti condivisero un punto di partenza comune. Dopo più di cinque decenni dall’assegnazione del Gran Premio a Rauschenberg nel 1964 per la sua attività rivoluzionaria, la Fondazione Faurschou è lieta di riportare Rauschenberg a Venezia – questa volta non solo con le sue serigrafie ma incentrando l’attenzione sulle serie tarde dell’artista.

Per la mostra verrà anche allestita una sala studio con film, libri e ulteriori informazioni sui due artisti, sulle serigrafie e sul loro incontro del 1962. La Fondazione Faurschou realizzerà inoltre un ricco catalogo completo di testi e illustrazioni che narreranno l’intera storia delle prime serigrafie di Rauschenberg e Warhol per l’arte contemporanea.

Late Series

La mostra, partendo dalla storia delle primissime serigrafie dell’arte contemporanea, presenta due opere appartenenti ad alcune delle serie tarde più importanti di Rauschenberg, tra cui Borealis, Urban Bourbon, Scenarios e la sua ultima: Runts. Il fil rouge comune a tutte le serie è il trasferimento dell’immagine, tecnica che l’artista iniziò a utilizzare nel 1962 e da allora sviluppò e raffinò in modi diversi.

Robert Rauschenberg è stato uno degli artisti più influenti del suo tempo, e lo è ancora. Si approcciava all’arte in modo eclettico ricorrendo all’uso di molteplici immagini, materiali e fotografie trasferite o scolpite su tela impiegando una vasta gamma di tecniche. Nella sua arte e attività creativa Rauschenberg voleva creare un riflesso del mondo che lo circondava. Molte delle sue ultime opere sono il risultato dell’esplorazione ininterrotta dei metodi di trasferimento delle immagini e della sua attitudine aperta verso il mondo.

New Media (Virtual Reality Art)

In contemporanea la Fondazione Faurschou presenta le opere new media degli artisti di fama internazionale Paul McCarthy e Christian Lemmerz. La realtà virtuale è entrata con successo nel mercato globale ad un ritmo insolitamente accelerato. Nel mondo dell’arte questo mezzo è a un punto di svolta nella creazione e fruizione dell’arte. Khora Contemporary, una piattaforma dedicata esclusivamente all’arte virtuale (VR), creata come ponte tra gli artisti e gli sviluppatori della realtà virtuale, ha visto la collaborazione di Paul McCarthy e Christian Lemmerz, i precursori in questo campo, per la produzione di nuove stupefacenti opere new media. La Fondazione Faurschou invita il visitatore a immergersi in nuovi scenari in cui le sfere fisica e psicologica si sovrappongono.

Fondazione Faurschou

La Fondazione Faurschou ospita una collezione di arte contemporanea e offre un programma dinamico presso sue sale nel porto industriale di Copenaghen e nel distretto dell’arte di Pechino, 798. La Fondazione continua a sviluppare e ampliare la sua collezione, utilizzando il proprio programma per rispondere ai fabbisogni artistici e offrire ai visitatori accesso alle opere di alcuni degli artisti più acclamanti del mondo. A partire dalla sua apertura nel 2012 la Fondazione Faurschou ha presentato le personali di molti dei maggiori artisti contemporanei e personalità storiche chiave tra cui Yoko Ono, Peter Doig, Ai Weiwei, Cai Guo-Qiang, Louis Bourgeois, Shirin Neshat, Gabriel Orozco, Danh Vo e Bill Viola.

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg fu la personalità trainante dell’arte contemporanea per circa sessant’anni, creando un patrimonio artistico completo di dipinti, fotografie, sculture, performance e incisioni, e lavorando nel modo più multiforme in assoluto rispetto agli altri artisti del suo tempo. Per Rauschenberg la pittura comportava non solo l’uso del pennello ma anche l’utilizzo di serigrafia, collage, trasferimento e stampa sulla più vasta gamma di materiali: tela, tavola e tessuto fino a lamiera, Plexiglas, gesso e carta. È stato definito il precursore di virtualmente qualsiasi movimento artistico americano post bellico dopo l’Espressionismo astratto anche se rimase profondamente indipendente da qualsiasi particolare affiliazione nel corso della sua vita multiforme.

Andy Warhol

L’artista americano della pop-art Andy Warhol, tanto famoso per le sue battute quanto per la sua arte, ha dato vita ad alcune delle immagini più iconiche del XX secolo. Tra le sue massime rientrano “con l’arte ti puoi permettere tutto”^[1] e “in futuro tutti saranno famosi per quindici minuti”. Warhol attinse molto dalla cultura popolare e dai soggetti ordinari, creando opere come 32 Campbell’s Soup Cans (1962), sculture a forma di scatola della saponetta Brillo, e ritratti di Marilyn Monroe utilizzando la tecnica dell’incisione serigrafata per ottenere i suoi caratteristici bordi marcati e aree piatte di colore. Noto per il suo culto della celebrità, il Factory studio (un melting pot radicale, sociale e creativo) e film d’avanguardia come Chelsea Girls (1966), Warhol fu anche il mentore di artisti come Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. La sua sensibilità pop è ora un costume comune, ripreso da alcuni dei maggiori artisti contemporanei come Richard Prince, Takashi Murakami e Jeff Koons, tra innumerevoli altri.

Fondazione Faurschou Venezia

Robert Rauschenberg & Andy Warhol

“Us Silkscreeners…”

12.05.17 – 27.08.17

Robert Rauschenberg

Late Series

12.05.17 – 27.08.17

Paul McCarthy

Christian Lemmerz

New Media (Virtual Reality Art)

12.05.17 – 27.08.17

Alighiero Boetti: Minimum/Maximum

Alighiero Boetti: Minimum/Maximum Curated by Luca Massimo Barbero with a special project by Hans Ulrich Obrist and Agata Boetti

The exhibition celebrates the genius of the Italian artist with over 20 spectacular works, selected for the very first time according to their size in order to compare the “minimum” and “maximum” examples of Boetti’s most significant series of works. This new way of looking at Boetti’s work provides fresh insight into the artist’s creative process.  Curated by Luca Massimo Barbero with the Alighiero Boetti Archive, the exhibition also presents a special project developed by Hans Ulrich Obrist and Agata Boetti around Boetti’s work on photocopies, entitled COLOUR = REALITY. B+W = ABSTRACTION (except zebras).

Twenty-two years after the posthumous homage to Boetti curated by Germano Celant at the 2001 Venice Biennale, the Fondazione Giorgio Cini hosts an unprecedented journey through the work of Alighiero Boetti (1940-94), one of Italy’s most prominent and influential artists.Alighiero Boetti: Minimum/Maximum, curated by Luca Massimo Barbero, director of the Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini, with the collaboration of theArchivio Alighiero Boetti, presents an original juxtaposition between the minimum and maximum formats of the artist’s most iconic cycles of works in order to explore Boetti’s artistic process and iconography. From one to many, micro to macro, and private to public, ‘Mimimum/Maximum’ explores the Boetti’s dialectical approach to art and examines the radically conceptual role of an artist who liked to define himself as a ‘creator of rules’. ‘This exhibition is not a retrospective but rather presents visitors with an unprecedented series of comparisons, inspired by the gathering of large-scale works by Boetti from public and private collections,’ explains Luca Massimo Barbero. ‘It is an organic project that was specially conceived for Venice at a time in which the role of Boetti as one of the major exponents of Italian art is being increasingly recognised internationally.’. The exhibition is organised by the Fondazione Giorgio Cini in collaboration with Tornabuoni Art. Its highlights include major loans from important private and public collections. Among these are the monumental watercolour triptych Aerei (1989) from the Fondation Carmignac,Mimetico (camouflage) (1967) from the Fondazione Prada and Lavoro Postale (permutazione)(postal work (permutation)) (1972) from the Stedelijk Museum, as well as loans from the Boetti family. Divided into 11 sections with over 20 artworks, the exhibition contains Boetti’s most iconic cycles of works – Ricami (embroideries), Aerei (planes), Mappe (maps), Tutto (everything) and  Biro (works made with a ballpoint pen) – as well as some less famous works such as theBollini colorati (coloured stickers), Storia Naturale della Moltiplicazione (natural history of multiplication) and the Copertine (magazine covers). It is also an opportunity to showworks that are largely unknown to the greater public, such as the large-scale work with coloured stickers Estate 70 (1970) – on loan for this event from the artist’s family – and Titoli(1978), one of the largest formats from the rare series of monochrome embroideries. The theme of the format is crucial to understanding the way Boetti conceived and realised his works, and is directly connected to the concept of time: like in Estate 70, a monumental work that opens the exhibition – a twenty-metre roll of paper, onto which Boetti applied thousands of colourful stickers. This work is unique, not only in its dimensions, but also because it introduces in a powerful way how the notion of time is an essential element of Boetti’s work. For him, the process and time that it takes to make the artwork is part of its beauty. The smaller works complement the meaning of the larger works in a dialectical opposition that is characteristic of Boetti’s creative process. The exhibition unfolds through focused comparisons between small and large, minimum and maximum, with works like Storia Naturale della Moltiplicazione, Mettere al mondo il mondo (to bring the world into the world) and Alternando da uno a cento e viceversa (alternating from one to one hundred and vice versa) – allowing the viewer to experience within a single space works from different phases of the artist’s career. The exhibition also includes a screening of Niente da vedere Niente da nascondere (nothing to see, nothing to hide), a documentary made by Emidio Greco in 1978 on the occasion of the Boetti retrospective at the Kunsthalle in Basel. The film alternates between images of the Swiss exhibition and scenes of Boetti’s Roman studio and provides viewers with a way into the works on show through Boetti’s own words. The exhibition then continues with the famous Mappe (maps) and with the Tutto (everything) – ‘a panoply of Boetti’s themes and images’ – explains Barbero – that introduces the seminal theme of the deferred realisation of the artwork, of travel and the nomadic aspect of art, in turn connected to the idea of time. This concept is most evident in the embroideries, which were begun by Boetti and his assistants in Rome, to then be sent to Kabul and later Peshawar in Pakistan following the Soviet invasion of Afghanistan in 1979. There, artisans from families of Afghan refugees embroidered them with colours of their own choosing according to the rules set by Boetti. The works were then returned to Rome, where the artist saw them completed for the first time. These and many other episodes in Boetti’s career reveal his philosophy that he as an artist creates the rules of the game and invites others to play it; that the act of creation involves a dialectical tension between control and chance, between the conceptual and the physical. The section of the exhibition dedicated to these juxtapositions ends with the monumentalCopertine (magazine covers), a 1984 work that speaks of media obsession and of the transmission, reproduction and reuse of images, implicitly questioning the truth of media images. This work leads into the special project by Hans Ulrich Obrist, Artistic Director for the Serpentine Gallery in London, and Agata Boetti, daughter of the artist and Director of the Archivio Alighiero Boetti. The project is a further example of Boetti’s essentially dialectic way of thinking as it revolves around the theme of photocopies. ‘Already in 1969 in Turin, I used to go to the Rank Xerox showroom with coins in my pocket and so many ideas. – said Boetti in 1991 – I used to say that the photocopier is not only a machine for the office – in the year 2000 everyone will have one in their living room! Give me one and I will document for you some of its creative applications. I didn't mean manipulating its mechanism or the ink like some have done from Munari onwards. No, I was interested in the standard application. But for example I would have put it on the balcony when it starts to rain, one drop, ten drops, a thousand drops...’ COLOUR=REALITY. B+W=ABSTRACTION (except zebras) explores Boetti’s “creative applications” by showing together for the first time a group of works made with a copy machine in various moments of the artist’s career and which, according to Obrist, bear witness to Boetti’s passion for communication technologies (like the polaroid or the use of fax – introduced in the 1980s – which is a synthesis of post and photocopy) and invite viewers to imagine the creative uses which Boetti would have found for our current means of communication and reproduction of images: ‘By showing these works in an installation, as we are doing with the 1665 photocopies at the Fondazione Cini, we will show the public that Boetti was like an analogue version of the Internet,’ says Obrist, whose encounters with Boetti as a student inspired his curatorial practice. ‘He was like a search engine. He anticipated Google with analogue means.’ At the centre of the room dedicated to photocopies, visitors will be invited to use a real photocopier by following rules specially created by Mexican artist Mario Garcia Torres as an homage to Alighiero Boetti. Alighiero Boetti: Minimum/Maximum curated by Luca Massimo Barbero and the special projectCOLOUR = REALITY. B+W = ABSTRACTION (except zebras), curated by Hans Ulrich Obrist and Agata Boetti, will each be accompanied by a scholarly catalogue, published by Forma Edizioni, Florence.

Exhibition information: Title: Alighiero Boetti: Minimun/Maximum with the special project COLOUR = REALITY. B+W = ABSTRACTION (except zebras) Production: Fondazione Giorgio Cini onlus and Tornabuoni Art Curator: Luca Massimo Barbero, Hans Ulrich Obrist and Agata Boetti Dates: 12 May - 12 July 2017 Opening Hours: 11 am – 7 pm, closed on Wednesdays Location: Venice, Isola di San Giorgio Maggiore Tickets: free entry Catalogues: Forma Edizioni, Florence Info: info@cini.it Web: www.cini.it, www.boetti-venice.com

Marc Quinn alla Fondazione Cini

La Fondazione Giorgio Cini annuncia un nuovo importante progetto espositivo che aprirà al pubblico sull’Isola di San Giorgio Maggiore il 29 maggio 2013: Marc Quinn, grande mostra personale a cura di Germano Celant e prodotta in collaborazione con l’artista, che vedrà una selezione di oltre 50 opere – tra sculture, dipinti, disegni e altri oggetti d’arte – realizzate da Marc Quinn, uno dei più noti esponenti della generazione degli Young British Artists.

Con oltre 50 opere tra cui  13 mai esposte prima,la mostra dal titolo Marc Quinn sarà tra le più importanti mai dedicate all’artista. Oltre a celebrare il rinnovarsi della collaborazione tra Quinn e Celant (che risale all’esposizione Garden organizzata da Fondazione Prada a Milano nel 2000), Marc Quinn segna il ritorno a Venezia dell’artista inglese dopo The Overwhelming World of Desire alla Collezione Peggy Guggenheim nel 2003, e ribadisce il crescente interesse della Fondazione Giorgio Cini per l’arte contemporanea.

Nelle intenzioni di Marc Quinn – che da sempre attua una profonda indagine 

su alcuni temi privilegiati, quali il rapporto tra arte e scienza, il corpo umano e 

i suoi meccanismi di  sopravvivenza, la vita e la sua conservazione, la 

bellezza e la m orte – l’antologica alla Fondazione Giorgio Cini che aprirà al 

pubblico il 29 maggio 2013 è un “viaggio dalle origini della vita” e celebra, 

attraverso opere originali, “il timore e la meraviglia nei confronti del mondo in 

cui viviamo”.

Sarà possibile ammirare, in un nuovo ed unico spettacolare allestimento concepito appositamente per l’Isola di San Giorgio, il ciclo Evolution (2005): serie di dieci monumentali blocchi di marmo raffiguranti feti di varie dimensioni, che riproduce il mistero della vita come dono extraterreno che emerge dalla laguna. Un omaggio alla natura, che vede l’arte come componente intrinseca e misteriosa, sono le sette colossali conchiglie della serie The Archaeology of Art: queste perfette forme simmetriche sono infatti realizzate da minuscole creature senza cervello, che sembrano seguire un ordine apparentemente più grande di loro. Infine sarà possibile vedere la grande opera Alison Lapper Pregnant (2005), installata dal settembre 2005 su una della basi al centro della londinese Trafalgar Square. L’opera, che era il pezzo centrale della cerimonia di chiusura dei Giochi Paralimpici per celebrare il trionfo della forza vitale sulle avversità, propone “un nuovo modello di eroismo femminile” in cui amore, maternità, vitalità raggiungono una forma imprevedibile e un picco inaspettato.

Il lavoro concettuale di Marc Quinn si realizza attraverso scultura, pittura, installazioni e video. Il forte interesse dell’artista per la capacità di metamorfosi sia della natura che della vita umana lo guida verso un’attrazione per la spiritualità innata dell’uomo. Quinn mette in discussione i codici della natura attraverso l’utilizzo di materiali che non accettano compromessi, quali ghiaccio, sangue, marmo, vetro e piombo. Attraverso l’utilizzo di tali materiali le opere di Quinn esplorano vita, morte, sessualità e religione in modo poetico e allo stesso tempo provocatorio. Quinn trasforma l’atto del semplice osservare, forzando lo spettatore a mettere in discussione quanto lo circonda, spingendolo verso l’ignoto, per favorire la riscoperta.

English

The Giorgio Cini Foundation is delighted to announce Marc Quinn, a major exhibition which opens on the island of San Giorgio Maggiore on 28 May 2013 in tandem with the inauguration of the 55th Venice Biennale of Visual Arts. Curated by Germano Celant, the solo show includes sculptures, paintings and other art objects by one of the original Young British Artists. Admission to the exhibition is free and it runs until 29 September 2013.

Consisting of more than 50 works, including the public debut of at least 13 new works, Marc Quinn will be one of the artist’s most important exhibitions to date. In addition to reuniting Quinn and Celant, who last worked together on the exhibition Garden at the Prada Foundation, (Milan, 2000) Marc Quinn marks a return of the artist to Venice, following his 2003 show at the Peggy Guggenheim Collection, The Overwhelming World of Desire, and highlights the Giorgio Cini Foundation’s growing interest in contemporary art.

Marc Quinn began his career exploring issues such as the relation between art and science, the human body and its survival mechanisms, life and its preservation, and beauty and death. Slated to open to the public on 29 May 2013, Quinn describes the exhibition as “a journey from the origins of life” that celebrates through very powerful works “the awe and wonder of the world in which we live.”

The works on view will include a unique site-specific installation specially adapted for the island of San Giorgio titled Evolution (2005). This series of ten monumental flesh-pink marble sculptures represent foetuses at different stages of gestation. Placed in the water these sculptures conjure up the mystery of life as an extraterrestrial gift that emerges from the lagoon. In another homage to nature, seven colossal seashells in the series The Archaeology of Art seem to ask if art is an enigmatic, intrinsic part of nature. These perfectly symmetrical, naturally occurring forms belie a strange intelligence and seem to follow some order greater than themselves. Lastly, also on view is a new form of the artist’s monumental work, Alison Lapper Pregnant (2005), the original having been previously installed in September 2005 on the fourth plinth of London’s Trafalgar Square. Also a prominent feature in London’s Paralympic Games’ closing ceremony, the work celebrates the triumph of life force over adversity and suggests “a new model for female heroism” in which love, maternity and vitality take on an unexpected form and reach new heights.

Quinn’s conceptual practice incorporates sculpture, painting, installations and films. The artist’s preoccupation with the metamorphic ability of both human life and nature points to his fascination with our innate spirituality. Quinn questions the codes of nature through his use of uncompromising materials such as ice, blood, marble, glass and lead. Through the use of such materials, Quinn’s works are at once poetic and confrontational through their exploration of life, death, sexuality and religion. Quinn transforms the act of seeing by forcing us to question what is around us, propelling us into the unknown in order to rediscover.

29 Maggio – 29 Settembre 2013

10-19 tutti i giorni

Isola di San Giorgio Maggiore, Venezia

Ingresso libero