Padiglione Svizzera

La 57. Mostra internazionale d’arte – la Biennale di Venezia si svolgerà dal 13 maggio al 26 novembre 2017 (vernice per la stampa: 10, 11 e 12 maggio 2017) ai Giardini, all’Arsenale così come in vari luoghi della città. La mostra principale «VIVA ARTE VIVA» è curata da Christine Macel.

Padiglione svizzero

La Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia ha nominato il curatore Philipp Kaiser per il Padiglione svizzero nel 2017. Per la mostra «Women of Venice» vengono esposte opere inedite, realizzate appositamente per la Biennale di Venezia, di Carol Bove e Teresa Hubbard / Alexander Birchler.

Salon Suisse

Diretto dalla curatrice Koyo Kouoh, il «Salon Suisse» 2017 presenta ATARAXIA, il programma di dibattiti ed eventi che avrà luogo parallelamente all’esposizione allestita nel Padiglione svizzero. Quale partner del «Salon Suisse», la società LAUFEN Bathrooms AG patrocina le manifestazioni a Palazzo Trevisan degli Ulivi.

Padiglione Ungheria

Peace on Earth!
57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia
Hungarian Pavilion
Giardini
13 May – 26 November, 2017

National Commissioner: Julia Fabényi
Curator: Zsolt Petrányi
Organizer: Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest

We are all concerned about what the future holds for our world. No matter to what extent we believe in the traditional values of Western society, some present-day events seem to question basic principles that were believed to be unchangeable until recently. In a world full of conflicts, world peace seems to be more and more utopian and unachievable; yet, from a historical perspective, we are, in fact, living in the most peaceful period of mankind. Gyula Várnai’s project Peace on Earth! is based on the concept that our faith in the future is relative; its starting point is that the directions we can see now pointing forward in time are determined by the devices, knowledges, and ideologies used today. However, just as it is shown by the example of the now empty slogan used by the Socialist regime in the Cold War period, the validity of these ideas changes with time. Through his installations, Gyula Várnai’s exhibition evokes the ideas of the futurology and the utopias of the past and confronts them with the challenges of the present. His sources are found material and visual elements, which he puts into new contexts in order to shed light on the fact that our vision of the future is the foundation of all the discourses of economics and power, no matter in which era we live in. Furthermore, his works raise the question: what role do remembering and nostalgia play in shaping the following generations’ image of the world? The lessons and emblems of the past determine the times to come, the source of the future is the past, yet, the direction of the changes is unpredictable. Though science, art, and futurology are all concerned with outlining some possibilities, the key to live the present can be to understand the differences between concept, desire, interests, and reality. Várnai, by referring to the past and to the imagined future embedded in it, makes us realize that the movement of the changes is a matter of unpredictably emerging principles. The twenty-first century can bring about paradigmatic changes, technological and historical turns, still, it seems that it is just the desires uttered in the visions of the past that appear in new reincarnations. Zsolt Petrányi, curator

 

Padiglione Danimarca

Danish Pavilion57th 

International Art Exhibition — La Biennale di Venezia May 13 – November 16, 2017 

Kirstine Roepstorff Influenza: theatre of glowing darkness.

 Developed by visual artist Kirstine Roepstorff, the exhibition project influenza challenges us to embrace darkness as a positive force of healing, transformation, and empowerment. To give birth to our future. 

If the entirety of necessary information pre-exists within all forms, the only action that’s required to effect change is to dissolve prevailing beliefs – to enter the rumbling, alive unknown. One must be willing to completely abolish old systems to advance towards new ways of thinking, understanding and being. 

Darkness dissolves form and can be seen as the pregnant void out of which all things arise. The exhibition will explore the metamorphosis that occurs between the destruction of the known and the embrace of the new. Darkness. At the beginning of all creation. When everything was just floating energy in complete darkness… 

Maybe you remember, which choices you made here? And what you chose to rehearse and to learn in this life? How much did you dare to risk in order to grow? 

How much darkness did you absorb? Do you remember? influenza consists of an immersive theatre and a structural intervention in the pavilion and surrounding gardens. “theatre of glowing darkness” is a dynamic large-scale installation that uses darkness, light projections, glass and a dialogue between three protagonists. Using the pavilion itself as a sculptural form, the artist has created an architectural re-structuring project altering preestablished borders to mediate with her surrounding landscape intervention. 

The exhibition is accompanied by a booklet with contributions by Angela Rosenberg, Sepake Angiama, Solvej Helweg Ovesen and Ute Meta Bauer. The four contributors form the Consortium for the exhibition project, and have acted as a ‘sounding board’ for the artist through every stage of the project’s development. 

Biography and selected exhibitions Born in 1972, Kirstine Roepstorff lives and works in Fredericia, Denmark. She graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen. Roepstorff’s artistic practice consists primarily of mixed media collages pointing out existing power relations, and critically investigating the history and failures of political ideas. By editing and decomposing original materials, her work generates new contexts that open up spaces for negotiation and new narratives. 

Roepstorff’s practice is situated in those “in-between” spaces of negotiation. 

Selected exhibitions: Andersen’s Contemporary, Copenhagen, DK (2016); Den Frie, Copenhagen, DK (2015); Kunstverein Göttingen, DE (2014); Museum für Gegenwartskunst, Kunstmuseum Basel, CH (2010); The National Museum, the Museum of Contemporary Art, Oslo, NO (2010). 

In recent years, Kirstine Roepstorff has created several large-scale public art projects, including "The Gong" for Dokk1 in Aarhus, DK (2015) and "Klangfrø" for the Department of Nordic Studies and Linguistics at the University of Copenhagen, DK (2014). 

Her work is included in the permanent collections of Museum of Modern Art, New York, USA; The Saatchi Gallery, London, UK; National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo, NO; National Gallery of Denmark, Copenhagen, DK among others. 

The Danish Arts Foundation and La Biennale di Venezia The Danish Arts Foundation Committee for Visual Arts Project Funding is the Commissioner of the Danish pavilion and has appointed the artist Kirstine Roepstorff to represent Denmark at the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia. 

The Committee consists of Gitte Ørskou (chair), Lilibeth Cuenca Rasmussen, Bodil Nielsen and Jacob Tækker. With the generous additional support of: New Carlsberg Foundation for the “theatre of glowing darkness”. Kvadrat collaborated on the tapestry and supported the textiles. 

Padiglione Finlandia

Artists Nathaniel Mellors and Erkka Nissinen will present their first collaboration, The Aalto Natives, in the Finnish Pavilion at the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia. Opening on 13 May, the exhibition is the flagship contemporary art event included in Finland’s official centenary programme. Its patron is Mrs Jenni Haukio, the spouse of the President of Finland.   

The Aalto Natives explores national identity

Individually known for their irreverent and often comedic story-driven work, in which a humorous approach deceivingly belies a profound inquiry into contemporary issues of morality and power, Mellors and Nissinen will focus on various clichés surrounding Finnish history and national identity in The Aalto Natives.

The installation will be conceived for the architectural and ideological context of the Finnish Pavilion, designed by architect Alvar Aalto in 1956. Conflating ideas and tropes from archaeology, anthropology and science fiction, it will re-imagine Finnish society.

“The Aalto Natives explores themes such as the invention of national identity and the origins of culture by way of absurdist satire. Dressing its intellectual ambitions in purposefully silly gear, it both addresses the complex challenges our globalized world faces today, and pokes a cheeky kind of fun at the political correctness of its discourse,” says curator Xander Karskens.

In The Aalto Natives, the artists, who share an interest in the capacity of absurdism and transgression to critique power structures and the status quo, bring together Nissinen’s intuitive, do-it-yourself attitude to image production and his penchant for naïve musicality, with Mellors’ writing-based approach to filmmaking, and integration of sculpture.

“We wanted to take a cosmic perspective on nationalism — a comic-cosmic perspective on national identity, creation mythology, transnational movement, bureaucracy and class & racial stereotyping. We started with the idea of creation mythology – it seemed both absurd and necessary. We took a trip to the Ateneum in Helsinki, looked at  the Kalevala paintings and talked about the role of the egg-laying duck. We realized that Finland is part of a broader genus of egg-based civilizations,” say the artists.

The 57th Venice Biennale opens on 13 May

The Venice Biennale, located in the Giardini and Arsenale directly in the historic centre of Venice, will open to the public on 13 May. The Art Biennale, which rotates with the Architecture Biennale every other year, is expected to attract approximately half a million visitors. Along with the national exhibitions, the Biennale hosts a large main exhibition of 120 artists in the Italian Pavilion. This year the main exhibition Viva Arte Viva is curated by Christine Macel, Chief Curator of Centre Pompidou in Paris.

“The Venice Biennale is the oldest and one of the most prestigious international exhibitions of contemporary art, which always manages to capture the zeitgeist of the world in a magical way. The Aalto Natives exhibition is by far the most international production we have ever seen in the Finnish Pavilion. With their very special take on the global state of affairs, Erkka Nissinen and Nathaniel Mellors will provide us with a viewpoint like no other,” says Raija Koli, Director of Frame and the commissioner of the exhibition.

The Aalto Natives to be exhibited at the Cobra Museum and Kiasma after Venice

The Aalto Natives installation will be seen both in the Netherlands and Finland right after  the Biennale ends in November. In addition to being presented at the Cobra Museum in Amstelveen in the Netherlands in December 2017, The Aalto Natives will be included as part of a major exhibition featuring Erkka Nissinen and Nathaniel Mellors at the Kiasma Museum of Contemporary Art in Helsinki in spring 2018.

Pirro Cuniberti. Sognatore di segni

In concomitanza con la 57. Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia e a un anno dalla scomparsa, la mostra ideata e promossa dalla Galleria d'Arte Maggiore G.A.M. per gli spazi di Art Warehouse Zattere vuole rendere omaggio a Pirro Cuniberti, una delle grandi figure dell'arte italiana, imponente ma discreta, capace di far proprie le suggestioni di respiro europeo per proporre un lavoro che si muove con orginalità nel mondo della pittura, o meglio del disegno. 

La mostra, a cura di Francesco Poli, intende infatti seguire la scelta operata dall'artista di abbandonare la tela per dedicarsi esclusivamente alla realizzazione di lavori su carta, prediligendo la piccola dimensione. In mostra una selezione di lavori realizzati su fogli del medesimo formato, il classico A4, che si trasformano così nelle tessere di un mosaico con cui ricomporre il pensiero e il linguaggio visivo inconfondibile dell'artista. Il catalogo edito da Silvana Editoriale è arricchito da un contributo critico di Flaminio Gualdoni. 

E' sulla superficie del foglio che Cuniberti sviluppa con leggerezza ed equilibri armonici il suo alfabeto immaginario costituito dagli elementi base del linguaggio pittorico (il segno, la linea, il punto, ma anche lettere e numeri) con cui dar vita a paesaggi, nature morte e figure libere. Forme sospese a confine con il mondo dell'immaginazione e della memoria, storie che si snodano senza la costrizione di dover rispondere ad un ordine logico ma piuttosto apparizioni allusive, colte velocemente nel loro manifestarsi e fissate quindi per sempre sulla carta da tracce di grafite e ombre di colori. Ciò che emerge chiaramente dai lavori in mostra è l'ispirazione all'arte di Paul Klee, che Cuniberti potè ammirare proprio alla Biennale di Venezia nel 1948. “Quando ho visto Van Gogh sono quasi svenuto, ma poi ho visto i quadri di Paul Klee e i miei piedi non toccavano terra”. A partire dall'opera del grande maestro, Cuniberti ne traforma i tratti più geometrici in un linguaggio più fluido e in un universo aperto all'improvvisazione in cui rintracciare anche una sempre acuta ironia. Opere dai "segni duri, segni morbidi sfumati, segni che racchiudono forme nitide, segni che alludono, segni sgranati, segni da brivido..." come amava definirli l'artista stesso.

L'idea della mostra è quindi quello di creare un tracciato che si gioca tutto all'interno di un “paese dei segni” lirico, ironico e magico, in cui l'artista si muove con passo leggero portando alla nostra attenzione di volta in volta un paesaggio dai toni fiabeschi, un mondo privato ed intimo, un percorso segreto che però diventa reale grazie alla sua pittura “esatta e allusiva” come la definì Francesco Arcangeli. Un ricerca inesauribile portata avanti da un artista “paziente come un archeologo, preciso come uno scienziato, oscuro e fantastico come un alchimista”. 

Pier Achille Cuniberti, detto Pirro, nasce a Padulle di Sala Bolognese il 10 settembre 1923. Dal 1945 al 1948 è allievo all’Accademia di Belle Arti di Giorgio Morandi e Giovanni Romagnoli. Diplomatosi nel 1948, in quello stesso anno visita per la prima volta la Biennale di Venezia, esperienza fondamentale per la sua carriera artistica. Nel 1949 segue il corso di Virgilio Guidi e realizza molti disegni, pastelli, tempere su carta, piccole tele a olio, ma di questa fase iniziale distruggerà tutto. Nel 1952 inizia ad utilizzare la penna a sfera con la quale realizza disegni, sulla carta da macchina, che approdano all’astrazione. Tra mostre personali e collettive, il suo lavoro viene esposto in importanti sedi istituzionali, come la Galleria d'Arte Moderna, Palazzo dei Diamanti, a Ferrara, il Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris e il Centre George Pompidou a Parigi, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma. Si spegne a Bologna il 5 marzo 2016.

Pirro Cuniberti. Sognatore di segni

Art Warehouse Zattere, Fondamenta Zattere Ai Saloni 47, 30123, Venezia

orari di apertura: 11.00 - 18.00 chiuso il martedì

Padiglione Cina

 

La 57. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia aprirà al pubblico da sabato 13 maggio a domenica 26 novembre 2017. Il tema scelto per questa edizione della Biennale Arte èViva Arte Viva, immaginando una mostra fatta dagli artisti, con gli artisti e per gli artisti. Il progetto espositivo pone gli artefici della creazione in prima linea, garantendo loro l’opportunità di esprimersi in totale libertà. Il Padiglione Cina accoglie l’invito e presenta un progetto espositivo curato da un artista per gli artisti, dal titolo Continuum – Generation by Generation. La mostra propone una riflessione incentrata sul concetto di ‘eternità’: ponendo in dialogo arte contemporanea e arte vernacolare, offre una chiave di lettura del misterioso protrarsi della tradizione cinese nella produzione artistica, nel corso dei secoli.

 

Qiu Zhijie, artista universalmente apprezzato per la grande versatilità espressiva e la molteplicità di interessi che lo caratterizzano, è stato chiamato a curare questa esposizione. La missione che il Padiglione Cinese si pone è quella di catturare l’energia del continuum - o del “Bu Xi” così come definito nella cultura cinese - al fine di ritrovare nella vitalità che caratterizza il fare arte ai nostri giorni quel valore di rigenerazione narrato dai testi antichi, registrando le trasformazioni e il rinnovamento nelle arti applicate tradizionali.

 

Le immagini antitetiche ‘montagna/mare’ e ‘antico/nuovo’, che nel loro insieme rappresentano l’equilibrio perfetto dello ‘Yin/Yang’ cinesi, costituiscono la cornice entro la quale di sviluppa il percorso espositivo. Due favole cinesi molto note, Il vecchio sciocco che rimuove le montagne eJingwei che riempie il mare, saranno il serbatoio immaginifico da cui ricavare visioni corrispondenti ai concetti di ‘montagna’ e ‘mare’.

Due opere emblematiche del periodo della Dinastia Song (X – XI Sec.): Skeleton Fantasy Show di Li Song e Dodici immagini dell’acqua che cresce di Ma Yuan sono state scelte per introdurre il pubblico alla mostra in quanto entrambe riferite agli aspetti più importanti dell’universo spirituale cinese: la visione della vita, della morte e del tempo, che insieme definiscono il concetto di “Bu Xi.”

 

Due artisti tradizionali e due artisti che utilizzano i linguaggi contemporanei delle arti visive sono stati scelti per rappresentare il significato di questa narrazione. Artigianato e opere d’arte contemporanea si influenzano a vicenda. La maestra di ricamo ‘Suzhou’, Yao Huifen, ricreerà l’immagine dello Skeleton Fantasy Show attraverso l’utilizzo di oltre un centinaio di tecniche diverse, molto ricercate, e parteciperà poi alla realizzazione dell’opera di Tang Nannan The Forgotten Sea. Wu Jian’an e il maestro del Teatro delle Ombre Wang Tianwen, che hanno già collaborato insieme in passato, daranno vita a nuovi lavori caratterizzati da motivi montani e marittimi, ispirati alla pittura acquatica di Ma Yuan. Tang Nannan, proveniente da una famiglia di teatranti, Wang Tianwen, maestro di ombre cinesi, Wu Jian’an proveniente dal distretto di Jinshan e Yao Huifen da Suzhou collaboreranno per dare vita a un’opera collettiva. L’intero allestimento appare come un network di rimandi intertestuali e creazioni corali: ogni artista collaborerà con gli altri tre e, allo stesso modo, altri curatori e artisti parteciperanno al flusso creativo con performance e happening che renderanno il Padiglione Cinese uno spazio in costante evoluzione. In questa rete di scambi reciproci, le tradizioni sono accolte, reinterpretate e di nuovo tramandate.

L’arte cinese non è mai intesa come la creazione isolata di un singolo artista, ma un’opera collettiva che attraversa cinque millenni, una manifestazione colta del genio creativo, una raccolta di idee che si perpetua da secoli. Gli artisti cinesi non lavorano in solitudine, le loro opere sono sempre una sorta di risposta, una specie di illuminazione: l’anticipazione di un eco, di una rielaborazione critica, di un commento che seguirà al suo manifestarsi.

 

Il Padiglione presentato alla 57. Biennale porterà nel cuore del percorso espositivo un archivio che ambisce a trasformare l’idea di “Bu Xi” in documenti e testimonianze concrete che dimostrino le discendenze linguistiche dei quattro artisti. Diversamente dalle precedenti edizioni, questa sezione non è un mero supplemento alla mostra, ma ne costituisce l’essenza spirituale.

 

Ogni artista cinese ha un suo lignaggio educativo ed è a sua volta insegnante di qualcun altro; finché continuerà a fare arte, il suo maestro non morirà mai. Questa sorta di discorso universale nel quale sono evidenti i richiami alle esperienze vernacolari, alle arti applicate, ai nuovi linguaggi e alla tradizione espressiva, creerà un campo energetico di “Bu Xi”. Un dinamismo che rende l’arte cinese un dispositivo completamente autonomo e unico rispetto alla cultura occidentale fondata piuttosto sull’intuizione individuale, ed è il segreto che la civiltà cinese tramanda da migliaia di anni, di generazione in generazione. È questa la risposta del Padiglione Cinese a Viva Arte Viva.

 

Il Padiglione Cina alla 57. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia è supportato dalla Repubblica Popolare Cinese, commissionato dal China Arts and Entertainment Group con il contributo di Shanghai Ming Contemporary Art Museum e Beijing Times Art Museum, in collaborazione con le istituzioni Ming Yuan Group e Bloomage International Investment Group. Il supporto tecnico è offerto da Hongri Lighting, Shanghai Helu Culture Communication Co. Ltd e Shanghai Mana Network Co. Ltd. Il coordinamento artistico è affidato a Davide Quadrio in collaborazione con Arthub.

Nei sei mesi di esposizione, il Padiglione Cina non offrirà solo un viaggio attraverso cinque secoli di storia nelle diverse forme di espressione artistica che caratterizzano la produzione locale ma permetterà al visitatore di vivere una vera e propria esperienza multisensoriale interattiva, grazie a diverse forme di coinvolgimento studiate appositamente per il pubblico.

I centottanta giorni che libereranno lo spirito dello “Bu Xi” saranno in grado di evocare la quintessenza della cultura cinese permettendole brillare sulla superfice del Mare Adriatico.”

Padiglione Cina

57. Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia

 

 

Continuum – Generation by Generation

A cura di Qiu Zhijie

 

13 maggio 2017 – 26 novembre 2017

Anteprima per la stampa: 10 maggio 2017, dalle ore 11.00 alle 16.00

Opening: 11 maggio 2017, ore 15.00

Azerbaijan Pavilion

In Azerbaigian, sin dai tempi più remoti, tantissime persone di origini differenti vivono insieme. È inevitabile che nella più grande regione che combina la civilizzazione europea con quella orientale si incrocino la filosofia, la religione e le dottrine politiche.

L’Azerbaigian è un esempio eccezionale di società mista che promuove l’accettazione delle varietà linguistiche e culturali, la convivenza integrata e l’uguaglianza in un contesto multiculturale e multireligioso: fattori, tutti, questi, che vanno a beneficio di un ambiente naturale talvolta sfavorevole.     

    
L’Azerbaigian non è un Paese di grandi dimensioni, ma il suo paesaggio variegato e la ricchezza della sua natura si riflettono armonicamente, sotto lo stesso sole, sulle disparate espressioni culturali.

Il pacifico interscambio delle culture presenti in Azerbaigian, la conservazione della miglior tradizione di ospitalità orientale e le condizioni di vita di cui godono tutti i popoli che abitano questa terra sono assai sorprendenti...........
 

Since times immemorial in Azerbaijan a great many people from very different backgrounds live alongside each other. Within a major region that combines European and Eastern civilizations, it is unavoidable that religion, philosophy, and political theories confront each other.

Azerbaijan is a perfect sample of a complex society, which promotes acceptance of different languages and cultural backgrounds, the culture of living together mostly in harmony and equality in a multicultural and multi-religious society, supporting each other in a sometimes rough natural environment.

Azerbaijan is not so big country, but its varied landscape and rich nature also reflect and find themselves in harmony of diverse cultural expressions under one sun.
A peaceful cultural exchange of all different cultures in Azerbaijan and the preservation of the best traditions of Eastern hospitality, a vital principle to all peoples living on this land, spark wonder....................... 

PADIGLIONE DELL'AZERBAIJAN

Azerbaijan Pavilion

57. Esposizione Internazionale d'Arte – La Biennale di Venezia

Under one Sun, The Art of Living Together

Giovedì 11 maggio alle 6:30 p.m. Thursday 11th of May at 18:30

Palazzo Lezze, Campo S. Stefano, San Marco 2949

Come arrivare How to arrive

Padiglione Paesi Nordici

The exhibition 'Mirrored' will be presented in the 2017 edition of the Nordic Pavilion at the 57th International Art Exhibition, la Biennale di Venezia. 'Mirrored' is a group exhibition featuring works by six artists from different generations: Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi “Sleeping” Myllymäki, and Mika Taanila.

'The artists in "Mirrored" present a mapping of connections that override the national and regional boundaries, and instead track a more multi-faceted view of how artistic practice may connect', says curator Mats Stjernstedt.

The exhibition 'Mirrored' attempts to avoid a topical approach, to focus on challenging a self-image reflected in, or stereotypes projected on, the Nordic countries. 'Mirrored' thus suggest a 'placeless place', to borrow Guiliana Bruno’s allegory on mirrors.

Siri Aurdal (b.1937), Charlotte Johannesson (b.1943), and Pasi “Sleeping” Myllymäki (b.1950) are innovators who, to some extent, have created and articulated the artistic realms they later came to work within. All three artists can be described as atypical for the Nordic Pavilion’s extended architecture, as much landscape and outdoor experience as an enclosed space. Their works are examples of urban art and urbanity that was ahead of its time in exploring industrial material, digital space, or design experiments with moving images. Aurdal’s module-based sculptures challenge the sculpture medium and establish new premises for it. Johannesson took her cue from traditional textile crafts and translated the logical setup of tapestries into computer-based pixels. Before giving up his film practice, Myllymäki produced forty-four super-8 films from 1976 to 1985; these films explore a wide range of elements from graphic design to performative actions.

A similar interest in urban subject matter, expressed, for instance, through material transformation or political content, intersects the works of the following artists: Mika Taanila (b.1965) is primarily recognised for producing temporal artworks in film, video and sound. For the present exhibition, Taanila uses montage technique to create a cut-out project in cinematic literature. Nina Canell’s (b.1979) experimental mode of relating to sculpture and installation, considers the place and displacement of energy. However, like Taanila’s film and sound work, they have a temporal quality, as Canell converts sculpture’s often fixed form into open-ended processes. The works of Jumana Manna (b.1987) explore how power is articulated through relationships, often focusing on the body and materiality in relation to narratives of nationalism, and histories of place. In her sculptural work, Manna indirectly unfolds representation, creating a visual language of absence and substitutes.

The Nordic Pavilion 

The Nordic Pavilion, by Norwegian architect Sverre Fehn, was completed in 1962 and has since been a space for collaboration between three nations – Sweden, Finland and Norway. For the past three biennials, a format was introduced which involved the solo commissioning of a project by each country in turn. For the period 2017–2021, the art in the Nordic Pavilion will be presented as a joint project, where the three countries are represented on equal terms. The countries will alternate as principal commissioner and manager of activities at the Nordic Pavilion as follows: 2017, Moderna Museet, Sweden; 2019, Frame Contemporary Art Finland, Finland; 2021, Office for Contemporary Art Norway (OCA).

Siri Aurdal 

 Siri Aurdal (b.1937) lives and works in Oslo, Norway. Aurdal has exhibited at Oslo Kunstforening, Kunstnernes Hus, Oslo, and Murray Guy, New York, and has participated in group exhibitions at Arkiv för dekorativ konst / Skissernas Museum, Lund, the 15th Biennial, Antwerp, Kunsthall Oslo, and Stavanger Kunsthall. A major sculptural work, Wavelengths – Recomposed, was installed in Oslo’s Vigeland park in 2016, as a joint project between Kunstnernes Hus and OSLO PILOT, Kulturetaten, the City of Oslo.

Nina Canell 

 Nina Canell (b.1979) lives and works in Berlin, Germany. Canell has exhibited at Kunsthalle Fridericianum, Kassel, Hamburger Bahnhof, Camden Arts Centre, London, Douglas Hyde Gallery, Dublin, Moderna Museet, Stockholm, Arko Art Center, Seoul, and in 2017 at Museum Tamayo, Mexico City. She has participated in various group exhibitions at several art institutions, including Biennale de Lyon, Sydney Biennale, Palais de Tokyo, Paris, Museum of Modern Art, New York, Liverpool Biennale, Tate Liverpool, and Manifesta 7, Rovereto. Canell was an Edstrandska Stiftelsen laureate in 2011, and was awarded the ars viva Prize for Visual Arts the same year.

Charlotte Johannesson 

 Charlotte Johannesson (b.1943) lives and works in Skanör, Sweden. She has exhibited at Galerie S:t Petri, Lund, Konstmuseet, Ystad, Galleri Glemminge, Gelmmingebro, Galerie Green, Malmö, Dexter Bang Sinister, Kunsthall Charlottenborg, Copenhagen, and Galleri Petra Lilja, Malmö, and has participated in various group exhibitions, including the 32nd São Paolo Biennale, the Van Abbemuseum, Eindhoven, Barbican Art Gallery, London, Göteborgs Konstmuseum, Norrköpings Konstmuseum, Museum of Modern Art, Toyama, Pratt Center, New York, Academy of Art College Gallery, San Francisco, Musée d’Art Moderne, Paris, Air Gallery, New York, Malmö Konsthall, and Kulturhuset, Stockholm. Johannesson was awarded the Royal Swedish Academy of Arts scholarship in 1976. In 2016, she was a laureate of the Aase & Richard Björklund Fund.

Jumana Manna 

 Jumana Manna (b.1987) lives and works in Berlin, Germany. She has exhibited at SculptureCenter, New York, Chisenhale Gallery, London, and Beirut Art Center. She has participated in group exhibitions at Kunsthalle Wien, the Liverpool Biennial, the 20th Biennale of Sydney, Marrakech Biennale 6, the Jerusalem Show VII, Al Ma’mal Foundation, and Henie Onstad Kunstsenter, Bærum. Manna’s films have been screened at festivals and institutions such as M+, Hong Kong, the 54th Viennale International Film Festival, Guggenheim, New York, Filmlab: Days of Cinema, Ramallah, Tate Modern, London, Performa13 Biennial, New York, and IFFR Rotterdam. She was awarded the A.M. Qattan Foundation’s Young Palestinian Artist Award in 2012, and is the ars viva Prize for Visual Arts laureate in 2017. In 2017, she is engaged in commissions for the Satellite Program 10, Jeu de Paume, Paris and CAPC Bordeaux, and for The HighLine, New York.

Pasi “Sleeping” Myllymäki 

 Pasi “Sleeping” Myllymäki (b.1950) is a filmmaker based in Hämeenlinna, Finland. Myllymäki’s films have been screened widely at festivals and art institutions in Finland and internationally, including Unica, Baku, The Kitchen, New York, Hämeenlinna Art Museum, Moderna Museet, Stockholm, Rajaton Elokuva Event, Joensuu, Avanto Festival, Kiasma, Helsinki, Nordisk Panorama, Oulu, VIDEO-EX, Zürich, Kauniita uneksijoita-event, Kino Kaiku, Malmitalo, Helsinki, Avant Goes Witty, Karlstad, IFFR, Rotterdam, Kinos Festival, Lahti, AAVE Festival, Helsinki, Rakkautta ja Anarkiaa Film Festival , Helsinki, and VIDEOMEDEJA Film Festival, Novi Sad.

Mika Taanila 

 Mika Taanila (b.1965) lives and works in Helsinki, Finland. Taanila has exhibited at Kiasma Museum of Contemporary Art in Helsinki, Contemporary Art Museum St. Louis, Migrosmuseum, Zürich, and Badischer Kunstverein, Karlsruhe. He has participated in the following selected group exhibitions: documenta (13), Kassel, Aichi Triennale, Nagoya, Manifesta 4, Frankfurt-am-Main, and Shanghai Biennale. Taanila’s films have been screened at numerous international film festivals and special events, including the Toronto International Film Festival, IFFR Rotterdam, Berlinale, CPH:DOX, International Short Film Festival Clermont-Ferrand, Midnight Sun Film Festival, Sodankylä, and Oberhausen Kurzfilmtage. In 2015, he was presented with the Ars Fennica Award.

Mats Stjernstedt has been Director of Kunstnernes Hus in Oslo since 2011, and was appointed Director for Malmö Konsthall from January 2017.

Padiglione Olanda

Dutch entry 57th Venice Biennale

Wendelien van Oldenborgh 

Cinema Olanda

An installation for the Dutch Pavilion

with a parallel program in the Netherlands

Curator: Lucy Cotter

Commissioner: Mondriaan Fund

13 May – 26 November 2017

Preview: 10 – 12 May 2017 (opening 10 May 12.00 hrs)

Cinema Olanda is a collaborative project by artist Wendelien van Oldenborgh (1962) and curator Lucy Cotter (Ireland, 1973) for the Dutch Pavilion at the Venice Biennale 2017. It embraces national representation as an opportunity to reflect on the Netherlands’ (inter)national image in relation to the current rapid transformations in Dutch society. The exhibition takes as its conceptual departure point Gerrit Rietveld’s Dutch pavilion (1953). Designed during the Postwar Reconstruction, when architecture was key to forging a new national image, the pavilion projects a progressive image of openness and transparency.

Van Oldenborgh has created a major new (filmic) installation engaging with the architectural and social vision of the Netherlands inherent in the pavilion and its resonance in Dutch society today. The installation enters into dialogue with Rietveld’s architecture, highlighting its aesthetics yet placed in tension with its underlying order. It houses three new ‘films’ by Van Oldenborgh in which architecture offers a departure point for individuals from different generations to address recent events and postwar developments from personal and professional perspectives. The films convey an alternative narrative to the Netherlands’ self-image as a tolerant nation, revealing the nation as a complex and rapidly transforming social, cultural and political space, both in the ‘50s and today.

Van Oldenborgh uses film as a medium and form of social production, and her oeuvre revolves around bringing contemporary situations and under-examined events from recent history together in unexpected constellations. She creates her work through live (public) film shoots, set in ideologically charged architectural location, in which script is generated collectively by polyphonic conversations between individuals with a personal or professional relationship to the work’s lines of enquiry.

Swatch + Biennale 2017

Da sempre Swatch ama portare l’arte tra la gente. Partner principale della 57. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia per la quarta edizione consecutiva, la casa orologiera svizzera si rivolge ancora una volta ad un pubblico internazionale entusiasta, presentando il prestigioso Swatch Art Peace Hotel di Shanghai e quattro artisti che hanno vissuto e lavorato in questa prestigiosa residenza. 

“La partnership esclusiva accanto alla Biennale d’Arte di Venezia rappresenta per noi una straordinaria opportunità, in quanto ci offre un palcoscenico internazionale su cui presentare il nostro progetto di Shanghai e mostrare a tutti il nostro impegno e la nostra passione nei confronti dei giovani talenti e del mondo dell’arte contemporanea. Il dialogo con gli artisti è ispirazione, fonte d’ossigeno e un fantastico canale per aprire la mente”, spiega Carlo Giordanetti, direttore creativo di Swatch. 

Tramite un ponte virtuale tra Oriente e Occidente, il brand svizzero intende portare “Faces & Traces” presso le Sale d’Armi B dell’Arsenale con la presenza di quattro artisti che hanno vissuto e lavorato presso lo Swatch Art Peace Hotel di Shanghai. Da quando ha aperto le porte nel 2011, Swatch ha ospitato più di 220 artisti nello storico hotel sul Bund di Shanghai, la città più dinamica e metamorfica della Cina. Due piani della struttura sono interamente dedicati ai laboratori e agli alloggi per gli artisti provenienti da ogni angolo del pianeta, accanto ad ampi spazi per l’esposizione delle loro opere, per performance artistiche e per i momenti di vita in comune. 

I Giardini, con i loro storici trenta padiglioni nazionali, sono l’altro luogo imperdibile della Biennale Arte 2017. Anche qui sarà presente Swatch con un suo padiglione, in cui ospiterà le straordinarie opere di un celebre artista contemporaneo e presenterà lo Swatch Art Special 2017. 

Ulteriori dettagli sulla presenza di Swatch alla più prestigiosa esposizione d’arte contemporanea del mondo, affidata quest’anno alla curatrice Christine Macel, verranno forniti nelle prossime settimane e in occasione di una conferenza stampa che si terrà all’Arsenale l’11 maggio 2017. 

CS ENG

The love story continues: during a press conference held at the Swatch Art Peace Hotel, Swatch confirms the commitment as main partner of Biennale Arte 2017

Swatch has always loved taking art to the people. As the main partner of the 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia for the fourth consecutive time, the trendy Swiss watchmaker is again bringing its heart closer to an eager international audience, presenting the Swatch Art Peace Hotel Shanghai and four artists from the renowned artist residency.

Swatch Creative Director Carlo Giordanetti comments, “Being a close partner of Biennale Arte 2017 is an amazing opportunity because it gives us an international platform for the Shanghai project and our passionate commitment to supporting young talent in the arts. Art is an inspiration, a source of oxygen, a wonderful way to open one's mind.”

Bridging East and West, the Swiss brand is taking up its Faces & Traces theme in the Arsenale's Sale d'Armi B, with the presence of four international artists who have lived and worked at the Swatch Art Peace Hotel in Shanghai.

Art is the real luxury in life. A natural consequence is to bring art to where luxury is in Shanghai and to combine these components through creativity. Where can this blend of luxury, art and creativity be better expressed than in the Swatch Art Peace Hotel? A historic luxury hotel to host an artist residential community.

Shanghai is one of the world's most exciting places for contemporary art and the artists who create it. Workshops, theaters, galleries and museums light up, transforming the city into an avant-garde experiment in imagining the future.

The Swatch Art Peace Hotel artist residency invites artists from around the world to apply online for a residency in this extraordinary city.

Different forms of art are welcome to the artist residency, to explore the contemporary arts in China's most vibrant city: photography, music, filmmaking, writing, dancing, painting and conceptual art.

The applications are reviewed by an international committee whose efforts ensure that a broad range of artistic disciplines, styles and national origins is represented. The selection process aims to integrate artists in a spirit of openness and curiosity about creativity in its diverse forms and contexts.

At present, the members of the Artist Selection Committee are: Nayla Hayek, Chair of the Board of Directors, Swatch Group; Nick Hayek, CEO, Swatch Group; Esther Grether, art collector; George Clooney, Actor; François-Henri Pinault, Chairman and CEO, Kering; Mikhail Kusnirovich, Russian Entrepreneur and Chairman of the Strategic Development Committee of the Department Store GUM; Sir Francis Yeoh, Chairman of YTL Group.

Known and unknown artists are invited to stay and work for a period of 3 up to 6 months in one of the 18 workshops and apartments. They meet to exchange ideas, prepare and enjoy meals together, talk about their work and life in Shanghai, plan new projects and share their visions.

The artists-in-residence are accommodated in the Hotel at the invitation of Swatch Group, which for its part only asks that they leave a “trace” of their stay.

The Swatch Art Peace Hotel artist residency aims to contribute in a significant manner to the cultural and artistic development of Shanghai. Artists will benefit from their exposure to an international public at the most prestigious location in Shanghai, and it is hoped that the artist residency will serve as an open door to the world, a permanent invitation to engage in cultural exchange.

Padiglione Belgio

Dirk Braeckman (°1958) has spent the past 25 years  gradually developing an impressive portfolio. Working with the medium of photography, he occupies a distinctive place within the visual arts.

He has taken part in numerous exhibition both nationally and internationally, such as recent solo shows at LE BAL (Paris), De Pont (Tilburg), De Appel (Amsterdam), S.M.A.K. (Ghent) and ROSEGALLERY (Santa Monica, CA). In Belgium, his work has recently been featured at BOZAR in Brussels (2013), at M – Museum Leuven (2011) and at Zeno X Gallery in Antwerp (2015).

Braeckman’s works are part of important private and public collections around the world, including in FRAC Nord-Pas de Calais (Dunkirk), Sammlung Goetz (Munich), De Pont (Tilburg) and Fondation Nationale d’Art Contemporain (Paris), Central Museum (Utrecht), and Musée d’Art Contemporain et Moderne (Strasbourg). There are also several publications on his artistic practice and oeuvre.

Non smettiamo di costruire utopie

È Valery Koshlyakov l’artista russo cui Ca’ Foscari Esposizioni dedica un’ampia rassegna, curata da Danilo Eccher, a partire dall’11 maggio 2017 e sino al 29 luglio. Per l’artista è un ritorno in Laguna, dove è stato tra i protagonisti della Biennale di Venezia del 2003.

Koshlyakov, che vive tra Parigi e Mosca, è presente con le sue opere in molte prestigiose collezioni: in Italia presso il MACRO, in Francia è presente al Centre Pompidou di Parigi e, naturalmente, in alcuni dei principali musei di Stato russi come la Galleria Tret'jakov di Mosca o il Museo Russo di San Pietroburgo. Ha inoltre esposto le sue opere al Louvre di Parigi, al Guggenheim di New York e Bilbao, al Museo Puskin di Mosca e al John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC. Va inoltre segnalato in particolare il Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca, che ha sostenuto il progetto di Venezia, in cui di recente l'artista ha allestito una sua mostra personale. Koshlyakov infatti è da molti anni considerato come una delle più autorevoli e interessanti voci dell’arte russa contemporanea.

Valery Koshlyakov è nato nel 1962 a Sal’sk, nel territorio del Rostov, dove ha frequentato una fra le più prestigiose Accademia d’Arte della Russia. Nel 1988 ha aderito al movimento “Arte o Morte”, un’associazione che riuniva i giovani artisti di una nuova stagione espressiva. Il nome, che richiama il motto del Che: “Patria o Muerte”, indicava lo spirito rivoluzionario che animava questi giovani protagonisti. Koshlyakov lascia tuttavia presto Mosca, per lavorare tra Berlino e Parigi, dando così l’avvio al suo successo internazionale.

Le sue grandi tele fissano l’immagine di un'intima fragilità, un sofferto stato di ansietà che si fissa nella vuota monumentalità delle rovine classiche. Si alternano simboli di città, di popoli, di epoche: sono gli aspetti visionari di un’arte che non smette di rincorrere l’Utopia, sono memorie e fantasie che confondono la realtà di un paesaggio con il desiderio di un’apparizione. Si tratti del Cremlino o di Notre Dame, del Colosseo o del Pantheon, di Place de la Concorde o di quella del Vaticano, dei frammenti di Pompei o delle architetture staliniane, ciò che ammiriamo sono sempre immagini in perenne bilico fra speranza e realtà. Opere all’apparenza colossali ed eterne nei dipinti di Koshlyakov assumono l’aspetto di meravigliose e fragili macerie. Macerie di grandiose civiltà, dilavate, meglio, ripulite e condotte dall’artista verso la loro vera essenza. Koshlyakov rincorre la fragilità utopica dei sogni artificiali, degli edifici del potere, dell’inevitabile dissolversi di ogni grandezza. 

In tale visionaria decadente potenza non poteva mancare l’immagine di Venezia, nella sua delicata e frangibile bellezza, contrappunto ideale per alcuni dei suoi ultimi grandi lavori.

Nella mostra veneziana saranno presenti pertanto anche opere che fanno riferimento alla città lagunare e ai suoi famosi Palazzi ma sarà soprattutto il tema dell’architettura del Palazzo e del suo interno - sia esso a Mosca o a Venezia - che farà da filo conduttore al percorso di mostra. Opere di grandi dimensioni, che riecheggiano gli studi di scenografia per l'evidente capacità di ricostruire lo spazio, come quando mette in scena le Sette sorelle di Mosca, gli imponenti grattacieli paradigmi del classicismo socialista. Nel lavoro di Valery Koshlyakov si può parlare in un certo senso di “gigantismo”: un gigantismo paradossale che impiega materiali poveri e di scarto come cartoni, colla, scotch, plastica, colori di avanzo – cosicché le bellissime “vedute” diventano esse stesse un allestimento di grande impatto visivo e di sicuro coinvolgimento. 

«Tutto il percorso artistico di Koshlyakov – osserva Danilo Eccher - appare quello instabile e precario di una costante oscillazione fra l’eleganza di una cultura nobile e la durezza di una realtà materica brutale, consapevole e orgoglioso del ricco patrimonio storico ma anche attento ai rigurgiti di una contemporaneità spietata, abile nel dominio di forme e spazi ma pronto a sporcarsi le mani con i linguaggi più ruvidi: Koshlyakov è sensibile poeta e guerriero barbaro»

I due piani di Ca’ Foscari Esposizioni ospiteranno dipinti di grandi dimensioni e molti oggetti.

Accompagna la mostra la monografia dedicata all’artista pubblicata da Silvana Editoriale in collaborazione con il Museo dell’Impressionismo Russo.

Mostra a cura di Danilo Eccher

Direzione scientifica: Silvia Burini, Giuseppe Barbieri

Segreteria scientifica: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR)