Eventi paralleli Wunderkammer Venezia 2013

Fra le tante iniziative vi segnalo "Wunderkammer - Camera delle meraviglie contemporanea"

  

 In concomitanza della 55° edizione della Biennale di Venezia, nella prestigiosa cornice secentesca di Palazzo Widmann, la Rond Point des Arts è lieta di presentare l’esposizione dal titolo WUNDERKAMMER – Camera delle meraviglie contemporanea.

 Allestita nel cuore della Serenissima, a pochi passi dal Ponte di Rialto e da Palazzo Grassi, la mostra Wunderkammer sarà visitabile al pubblico dal 1° giugno al 29 settembre, dopo una speciale apertura in anteprima nei giorni 29-30-31 di maggio.

 Fiera del successo ottenuto nella capitale belga presso il Museo di Botanica di Bruxelles, la particolare esposizione propone una ricercata selezione di più di 20 artisti che daranno vita ad una “Camera delle meraviglie” in chiave contemporanea, ispirandosi a quei collezionisti che tra il XVI ed il XVIII secolo erano soliti raccogliere e conservare oggetti stravaganti ed eccezionali realizzati dall’Uomo o dalla Natura.

 Il visitatore potrà lasciarsi rapire da una conturbante raccolta di opere che lo guiderà alla scoperta di un mondo che alterna e mescola l’artificio con la verità, la realtà con la fantasia, la creatività con l’evidenza scientifica. L’immaginazione sarà il faro che lo aiuterà ad orientarsi nei meandri dello sconosciuto, fra le pieghe del mistero, nei profondi anfratti di un percorso iniziatico fatto di magia e stupore. 

 Grazie alle luci soffuse ed un soave quanto ipnotizzante sottofondo musicale, si ritrova la stessa atmosfera delle antiche Wunderkammer rinascimentali: una raccolta di oggetti d’arte, sculture, installazioni, fotografie, pitture con cui gli artisti coinvolti si divertano ad interpretare il legame tra Naturalia ed Artificialia, mettendo a confronto la forza generatrice dell’Essere Umano con quella della Madre Terra e sfidando il mistico potere della creazione di origine divina.

Pascal Bernier, Wim Delvoye, Ulrike Bolenz, Jan Fabre, Roberto Kusterle, Alessandro Filippini, Jean-Luc Moerman, Marcello Carrà, Charley Case, Eric Croes, Laurence Delvaux, Olivia & Yves Dethier Droeshaut, Jacques Dujardin, Manuel Geerinck, Alexandra Mein Leyre,Vincent Solheid, Michel Mouffe, Bénédicte Van Caloen, Patrick Van Roy, Sofi Van Saltbommel, Isabelle Blanc, Stefano Bombardieri, Dani Danino e Ivan Piano daranno vita, grazie al proprio talento artistico, ad opere che si collocano al confine tra la rappresentazione fenomenologica pseudo- scientifica e la pura espressione di fantasia, al solo scopo di tornare al piacere fanciullesco del sogno e della scoperta.

 Palazzo Widmann Calle Larga Widmann (Rialto-Ospedale) 

Opening: 29-30-31 Maggio dalle h.11.00 alle 19.00

Apertura al pubblico: dal 1 giugno al 29 settembre 2013 dalle h.11.00 alle 19.00

Sito web della mostra: www.wunderkammerexpo.com

Japan Pavilion - abstract speaking - sharing uncertainty and collective acts

Ecco la data dell'apertura del Padiglione del Giappone con il suo ultimo comunicato stampa.

The Japan Foundation is pleased to present "abstract speaking - sharing uncertainty and collective acts," a solo exhibition by Koki Tanaka, curated by Mika Kuraya, at the Japan Pavilion for the 55th International Art Exhibition - la Biennale di Venezia, held 1 June through 24 November.

Curator's statement

The installation in the Japan Pavilion will probably come across as rather desultory: pillows and flashlights, books, jars and more, placed here and there, with glimpses of photographs and video footage in between. The log pillars and stools are a partial recycling of those used for Architecture. Possible Here?, Japan's entry in the 13th Venice Biennale of Architecture in 2012. Near the entrance, staff overseeing the pavilion display go about their business at a worktable. Thus the photos and videos that would ordinarily occupy center stage as the “works” slip among the furniture and everyday items (the actual objects that appear in the photos and videos), and the staff, as items of equivalent standing. In recent years Koki Tanaka has employed a variety of methods to produce works on the relationality that arises between human beings. For these works, he either 1) sets a specific group a certain task and videos their collaboration, or 2) does something with somebody based on an idea not yet completely formed, and records this in photos and text. Nine hairdressers cutting the hair of one person, five musicians composing on a single piano, five poets writing a single poem, multiple ceramicists producing a single item of pottery—these fall under 1), video footage. In them, it is possible to see the process of people of the same occupation, employing a common language that only they understand, clashing with each other, reaching consensus, and so on (incidentally the driving force behind this process is the question of the division of space between the participants, almost a formal matter). On the other hand, belonging to 2) are what Tanaka calls “collective acts”: experiments of various sorts still lacking a fixed destination, such as talking about one's own name while eating emergency rations, and walking in a large group around the nighttime streets, flashlights in hand. 

On 11 March 2011, Japan experienced a massive earthquake and tsunami, plus an accident at a nuclear power plant.

Two years on, the situation still remains unresolved, an issue that Japanese artists continue to engage with in various forms. Architecture. Possible Here?, presenting a plan to build a house for residents of a town hit by the disaster, was one direct manifestation of this engagement. By reusing part of that exhibition site, Tanaka is attempting to address the same issue, but in a slightly more abstract fashion.

For example, a haircut by 9 hairdressers at once (second attempt) (2010) was shot before the earthquake. But to those of us in Japan now, having gone through such a definitive experience, it seems a metaphor for working together to build a post-quake society. Or take the footage of people going up and down a fire escape with a book in one hand: this recalls the experience of evacuating, and has the feel of an anti-nuclear power gesture (in the sense of rejecting the consumption of electricity concomitant with escalators and elevators). Thus the tasks and acts—at first glance modest—set by Tanaka can be read in different ways according to the viewer's personal context. Having this quality of permitting many different readings, Tanaka's works will, at the geographically far removed Venice venue, provide a platform for the overlaying of yet more, new readings by people. In any case, on entering the Japan Pavilion, with the text “9478.57km” (indicating the distance from the Fukushima Daiichi Nuclear Power Plant to the Japan Pavilion) added unobtrusively next to the sign saying “GIAPPONE,” even if they are unaware of it, the connections between countless viewers shouldering all sorts of contexts has already begun.

Mika Kuraya - Curator, Japan Pavilion

About the artist

Born in 1975; currently lives and works in Los Angeles. In his diverse art practice spanning video, photography, site-specific installation, and interventional projects, Koki Tanaka visualizes and reveals the multiple contexts latent in the most simple of everyday acts. In his recent projects he documents the behavior unconsciously exhibited by people confronting unusual situations, e.g. a haircut given by nine hair stylists or a piano played by five pianists simultaneously, in an attempt to show an alternative side to things that we usually overlook in everyday living.

He has shown widely in and outside Japan: the Hammer Museum (Los Angeles), the Mori Art Museum (Tokyo), the Palais de Tokyo (Paris), the Taipei Biennial 2006 (Taipei), the Gwangju Biennial 2008 (Gwangju), the Asia Society

(New York), the Yokohama Triennale 2011(Yokohama), the Witte de With (Rotterdam) and the Yerba Buena Center for the Arts (San Francisco). He will participate in "2013 California-Pacific Triennial" at the Orange County Museum of Art in June 2013. 

Artist website: http://www.kktnk.com/

About the Curator

Chief Curator of the Department of Fine Arts, The National Museum of Modern Art, Tokyo, Mika Kuraya earned her MA at Chiba University. Her recent curatorial projects include: "Waiting for Video: Works from the 1960s to Today" (2009, The National Museum of Modern Art, Tokyo; co-curated with Kenjin Miwa), "Lying, Standing and Leaning" (2009, MOMAT), "Meaningful Stain" (2010, MOMAT), "On the Road" (2011, MOMAT), "Undressing Paintings:

Japanese Nudes 1880-1945" (2011-2012, MOMAT). Recent critical studies include: "Where is Reiko? Kishida Ryusei's 1914-1918 Portraits" (Bulletin of the National Museum of Modern Art, Tokyo, No. 14, 2010).

  

Artist: Koki Tanaka

Curator: Mika Kuraya (Chief Curator of the Department of Fine Arts, The National Museum of Modern Art, Tokyo)

Japan Pavilion opening 29 May 2013 15:30 

Organizer: The Japan Foundation

Venue : The Japan Pavilion at the Giardini

Address: Padiglione Giapponese, Giardini della Biennale, Castello 1260, 30122 Venezia

Venezia, Venezia Padiglione Cile di Alfredo Jaar

L’artista Alfredo Jaar presenterà per il Padiglione del Cile il progetto “Venezia, Venezia” un ambiente avvolgente all’Arsenale.

Partendo dagli scatti fotografici dell’artista Lucio Fontana, fatti durante gli anni di rientro in Italia, realizzerà un percorso di riflessione sui temi sociali da lui sempre seguiti.

Padiglione Cipro + Lituania

E' attivo il sito del Padiglione di Cipro+Lituania http://oo-oo.bo/wp/ che presenta un progetto che unisce i due paesi.

Luogo dell'evento  sarà dal 30 Maggio il Palasport “Giobatta Gianquinto”  (Palasport Arsenale) in calle San Biagio 2132, Sestiero di Castello.

Artisti: Liudvikas Buklys, Gintaras Didžiapetris, Jason Dodge, Lia Haraki, Maria Hassabi, Phanos Kyriacou, Myriam Lefkowitz, Gabriel Lester, Elena Narbutaitė, Morten Norbye Halvorsen, Algirdas Šeškus, Dexter Sinister, Constantinos Taliotis, Kazys Varnelis, Natalie Yiaxi, Vytautė Žilinskaitė

Curatore: Raimundas Malašauskas; 

KALEIDOSCOPE Venice Bar, May 29-30-31

Ecco il particolare progetto di Kaleidoscope per i giorni del Vernissage della Biennale di Venezia 2013:

KALEIDOSCOPE Venice Bar

Powered by Absolut Vodka

May 29-30-31

KALEIDOSCOPE is pleased to announce a special initiative organized on the occasion of the upcoming 55th International Art Exhibition of the Venice Biennale, the world’s most prestigious event on the contemporary art calendar.

KALEIDOSCOPE Venice Bar, a pop-up "aperitivo" bar powered by Absolut Vodka, will run during the three days of preview of the Biennale (May 29-30-31, from 6–9 pm). An unmissable gathering spot in the few spare hours between the busy days and the sparkling nights, the bar will be house to music and performance events produced each evening in collaboration with a different art institution.

The visual identity and decor of the bar will be specially designed by cult Scottish artist Donald Urquhart, whose bittersweet drawings range from humorous to darkly melancholic and are executed in brush and ink with an elegant line. A contemporary of legendary Leigh Bowery, Urquhart was part of London's seminal nightclub and drag scene. His own nightclub, The Beautiful Bend, which he ran throughout the 1990s with DJ Harvey and Sheila Tequila, was one of the most creative and notorious that London has ever seen. 

Further details on the venue, partner institutions and program of events will be disclosed soon. For information, email to: venicebar@kaleidoscope-press.com

Image: Donald Urquhart, Sleekit (detail), 2012. Courtesy of Herald St; Maureen Paley; S.A.L.E.S

Prima Materia, opere scelte della Collezione Pinault

A partire da giovedì 30 maggio, in occasione della 55. Biennale internazionale di Arti Visive di Venezia, Punta della Dogana aprirà al pubblico l’esposizione Prima Materia. François Pinault ha affidato la curatela della mostra a Caroline Bourgeois e Michael Govan.

L’esposizione raccoglierà un insieme di circa 80 opere, dal 1960 a oggi, realizzate da artisti della Collezione Pinault.

Prima Materia propone un dialogo tra importanti movimenti storici - come il Mono-Ha e l’Arte Povera – e monografici, con i lavori di Llyn Foulkes, Mark Grotjahn e Marlene Dumas. Prima Materia include anche una selezione di importanti installazioni di artisti come Diana Thater e Ryan Trecartin & Lizzie Fitch, reimmaginate per gli spazi di Punta della Dogana, sino a nuove opere commissionate appositamente per la sede espositiva, realizzate da Loris Gréaud, Philippe Parreno, Theaster Gates.

Oltre la metà degli artisti e la quasi totalità delle opere esposte sono presentate per la prima volta nell’ambito di un’esposizione della Collezione Pinault.

Tra gli artisti in mostra: Adel Abdessemed, Robert Barry, Alighiero Boetti, James Lee Byars, Marlene Dumas, Ryan Fitch & Lizzie Trecartin, Lucio Fontana, Llyn Foulkes, Theaster Gates, Dominique Gonzalez Foerster, Loris Gréaud, Mark Grotjahn, David Hammons, Roni Horn, Kishio Suga, Koji Enokura, Lee Ufan, Sherrie Levine, Mario Merz, Bruce Nauman, Nobuo Sekine, Roman Opalka, Giulio Paolini, Philippe Parreno, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Bridget Riley, Thomas Schütte, Shusaku Arakawa, Susumu Koshimizu e Diana Thater.

Prima Materia, secondo Caroline Bourgeois e Michael Govan:

“Lo scenario visivo delle innovazioni artistiche alla fine degli Anni Sessanta è costituito da una profusione di immagini di guerra e di manifestazioni di protesta sociale diffuse dai media. Moltissime opere hanno trovato nell’astrazione, a volte addirittura nel vuoto, la loro modalità espressiva. In quegli anni sono emerse nuove prospettive in merito a temi come l’eguaglianza sociale, l’ambiente e il possibile destino del nostro pianeta. Oggi la scienza e la tecnologia permettono la connessione sociale su scala globale, la costante disponibilità di immagini di ogni tipo e la promessa di soluzioni tecnologiche in grado di prolungare la vita media dell’essere umano e di sviluppare fonti di energia pulita. Eppure, viviamo in uno stato di ansia perenne, in un rapporto di tensione con avversari invisibili e astratti - dal riscaldamento globale al terrorismo tecnologico - immersi in una ridondanza cacofonica di immagini e suoni mediatici.

“Se nell’Ottocento il fine dell’arte era soprattutto il raggiungimento della verità attraverso la bellezza e l’equilibrio, dal tardo Novecento sino ai nostri giorni l’arte ha teso verso una conciliazione degli estremi – astrazione e surrealismo, vuoto e caos, negazione e spettacolo, “alto” e “basso”. Dal punto di vista artistico, viviamo in un’era di pluralismo globale. Le quattro principali forme espressive di oggi – pittura, scultura, installazione e performance – sono sottoposte a un processo di fusione alchemica con la prima materia - la materia prima – proposta dai media. Non più solo componente fondamentale del cinema, dei video o di internet, ma strumento di diffusione e discussione globale”.

“I testi medievali d’alchimia propongono centinaia di descrizioni e definizioni diverse del concetto di prima materia, sostanza primigenia che distingue e insieme costituisce terra, aria, fuoco e acqua; sostrato informe di tutte le materie che comprende anima e corpo, sole e luna; luogo di amore e di luce, di immaginazione e di coscienza; ma anche urina, sangue, sporco. È stata a lungo ricercata nel fondo tenebroso delle foreste, così come all’interno stesso del corpo umano. È il caos primordiale che esiste prima del tempo e prima di qualsiasi idea di futuro. Occidente e Oriente insieme, è il Tao del Tao Te Ching di Lao Tzu. In campo scientifico, è forse la materia oscura che forma gran parte del nostro universo. Le definizioni di questo medium, che racchiude in sé tutti gli elementi, variano in funzione della prospettiva culturale o dell’identità personale. Rappresentata talvolta dalla circolarità del serpente che si morde la coda, la prima materia, essenza pura, tutto e niente, ovunque e in nessun luogo, assume molteplici forme”.

L’esposizione Prima Materia sarà accompagnata da un catalogo, edito da Electa, che raccoglierà contributi e conversazioni inedite con gli artisti in mostra, realizzati tra gli altri da Caroline Bourgeois, Germano Celant, Erich Franz, Madeleine Gins, Michael Govan, Jarrett Gregory, Fabrice Hergott, Philippe Alain Michaud, Hans-Ulrich Obrist, Adrian Searle, Franklin Sirmans, Ali Subotnick e Jochen Volz.

Con Prima Materia, Punta della Dogana inaugura un nuovo ciclo di commissioni specifiche per il “Cubo”, spazio centrale dell’edificio, di cui è baricentro architettonico e cuore simbolico. Ogni anno, un artista sarà invitato a concepire un progetto specifico per questo luogo. Per la prima edizione del programma, Punta della Dogana accoglierà l’artista cinese Zeng Fanzhi.

Parallelamente all’esposizione, il Teatrino di Palazzo Grassi, il nuovo auditorium da 225 posti, interamente restaurato da Tadao Ando, presenterà un programma di film d’artista della Collezione Pinault, con opere di Philippe Parreno, Loris Gréaud e Anri Sala.

Infine, a Palazzo Grassi, la mostra Rudolf Stingel, realizzata dall’artista in collaborazione con Elena Geuna, sarà aperta al pubblico dal 7 aprile sino al 31 dicembre 2013.

Hashimoto a Venezia

Il 29 maggio 2013 apre al pubblico la mostra Jacob Hashimoto: GAS GIANT organizzata da Studio la Città - Verona. Allestita al quarto piano della Fondazione Querini Stampalia a Venezia, nello spazio recentemente ristrutturato da Mario Botta, la mostra rimarrà aperta al pubblico fino al 1 settembre 2013, dal martedì alla domenica, dalle 10 alle 18. 

GAS GIANT è una grande installazione site-specific che l’artista ha pensato per interagire con gli spazi della Fondazione Querini Stampalia a Venezia con l’obiettivo di costruire un rapporto diretto con lo spettatore.

L’opera di Jacob Hashimoto (1973, Greeley, Colorado, USA) si caratterizza per l’utilizzo di alcuni elementi stilistici presi in prestito dalla cultura giapponese, come l’aquilone in carta e bambù, che Jacob assembla e ricostruisce per creare grandi installazioni e forme scultoree interattive che invadono letteralmente lo spazio espositivo.

La complessità visiva del suo lavoro, unita alla leggerezza dei materiali, accompagna lo spettatore lungo un percorso sensoriale in cui si confondono le coordinate spaziali e temporali e dove il visitatore viene accolto da un sentimento di stupore e meraviglia. Le installazioni di Hashimoto si pongono al contempo come un’esplorazione tangibile delle affascinanti e possibili intersezioni tra pittura e scultura, tra figurazione e astrazione, tra natura e artificio.

“C’è anche una componente giocosa nel mio lavoro” afferma l’artista.

“Gli elementi stilistici che utilizzo hanno a che fare con un generale sentimento di nostalgia più che con una diretta relazione con le mie origini. L’aquilone parla del sentimento dell’infanzia e del rapporto con la natura, più che della singola tradizione giapponese”.

Dopo una lunga serie di interventi per musei e spazi espositivi internazionali (tra questi l’opera Superabundant Atmosphere allestita

a Palazzo Fortuny a Venezia in occasione della mostra In-finitum, 2009), Jacob Hashimoto in concomitanza con la 55. Mostra Internazionale d’Arte de La Biennale di Venezia riempie l’architettura veneziana di Fondazione Querini Stampalia con una nuova installazione. GAS GIANT

si compone di 10.000 aquiloni in carta e bambù realizzati a mano dall’artista che attraversano gli spazi della storica e prestigiosa fondazione veneziana accompagnando lo spettatore lungo gli ambienti espositivi fino alla sala centrale all’ultimo piano del palazzo. Qui l’opera si condensa e trasforma in una fitta nube che invade e satura lo spazio.

Come preannuncia il titolo stesso dell’opera, il gigantismo dell’intervento, tipico della ricerca artistica di Hashimoto, dialoga con

la straordinaria leggerezza e delicatezza dei materiali utilizzati, innescando un rapporto di partecipazione diretta con il visitatore immerso nella quiete ma anche nella meraviglia di un ambiente che simula un mondo incontaminato che tuttavia ancora non esiste.

Il bianco, colore predominante dei 10.000 aquiloni che compongono

GAS GIANT, è interrotto da pattern colorati e motivi geometrici e fitomorfi che conferiscono all’installazione un ritmo e un’andatura temporale. Hashimoto, infatti, procede nel suo lavoro all’elaborazione

di una sempre nuova definizione dello spazio e del tempo, e all’esplorazione della dimensione onirica della natura che cambia prospettiva e significato in relazione al punto di osservazione, inducendo istintivamente lo spettatore a un’esperienza meditativa dell’opera.

La tensione, ma anche l’esuberanza, visiva del lavoro di Jacob Hashimoto, e la sua ricerca di una precisa dimensione luminosa – sia in senso letterale che metaforico –, conferisce all’opera un aspetto poetico, che spesso sfugge una precisa definizione e collocazione stilistica del lavoro dell’artista. Le opere di Hashimoto, infatti, sono al contempo architetture, vista la loro precisa struttura tridimensionale, sculture, vista la loro caratteristica autonomia formale, e pitture, visti i loro ricercati effetti cromatici tradotti sulla superficie della carta.

La mostra Jacob Hashimoto: GAS GIANT sarà accompagnata dal primo catalogo monografico sull’opera di Hashimoto, edito da Marsilio Editori e curato da Luca Massimo Barbero.

Si ringrazia Cartiere Gruppo Cordenons.

   

In concomitanza con la mostra Jacob Hashimoto: GAS GIANT presso laFondazione Querini Stampalia a Venezia, Jacob Hashimoto sarà presente con mostre personali alla galleria Studio la Città, Verona (Foundational Work, 25.05.2013 – 31.08.2013), alla galleria Forsblom, Finlandia (17.05.2013 – 9.06.2013), al Bildmuseet, Umeå, Svezia (Superabundant Atmosphere, 2.06.2013 – 13.10.2013), e presso lo Schauwerk Sindelfingen, Germania (Sky Columns  15.06.2013 – primavera 2014).

Orari  

da martedì a domenica dalle 10 alle 18; chiuso il lunedì

Ingresso

Intero 10 euro, ridotto 8 euro. 

La visita alle esposizioni temporanee è compresa nel biglietto di ingresso alla Fondazione Querini Stampalia.

Central Asian Pavilion 2013

Appena lanciato in rete il nuovo sito per l'iniziativa Central Asian Pavilion, http://www.cap2013.net/en

Oslo-based artists Ayatgali Tuleubek (Kazakhstan, 1985) and Tiago Bom (Portugal, 1986) have been appointed curators for the Central Asian Pavilion at the 2013 Venice Biennale.

For the fifth time, Central Asia will be represented at the Biennale by artists from Kazakhstan, Kyrgyzstan, Tajikistan and Uzbekistan, with the Academy of Fine Art/Oslo National Academy of the Arts as the commissioning institution and Hivos (Humanist Institute for Development Cooperation) as partner and main supporter. The project team includes commissioner Vanessa Ohlraun, Dean, and project leader Susanne M. Winterling, Professor of the Academy of Fine Art in Oslo. 

The curators will unfold their concept of Winter – inspired by a poem from the influential 19th century Kazakh poet and thinker Abay Qunanbayuli – in the Central Asian Pavilion in Palazzo Malipiero with six artistic statements by eight selected artists. An important part of the programme is the cycle of film screenings, conferences and seminars that will take place in several cities in Central Asia and Oslo, from spring through to autumn 2013, as satellite projects, prior to and during the Biennale. The curators’ programme further includes a website platform for exchange and shared practice, as well as a publication accompanying the exhibition and satellite events. Abay’s poem ‘Winter’(1888), though commonly read as a depiction of the natural phenomenon and a traditional lifestyle, will be reinterpreted through 

its elements as a series of metaphors for the current socio-political situations in Central Asia. The curatorial project Winter will stress the complexity of the region’s current context, by employing tools of a poetical and metaphorical language to achieve a deeper understanding of the regional situation, both from within, and in relation to, the rest of the world. 

A much-needed light is intended to be shed on historical facts, motivations and desires, represented by the people that inhabit these specific spaces. As a result of an open call by the curators for artists from Central Asia, the Pavilion will present works by the following: Visual artists and scenographers Kamilla Kurmanbekova (1986) and Erlan Tuyakov (1985), from Kazakhstan. Both artists graduated from Kazakh National Academy of the Arts and will collaborate on an installation for the pavilion.

Ikuru Kuwajima (1984), originally from Japan, but based in Kazakhstan, works with photography and editorial projects focusing on Central Asia and the former Soviet Union. 

Kyrgyzstan-raised multidisciplinary artist Aza Shade(1988) is based in London, where she graduated from Central Saint Martins with a BA in Graphics (Moving Image). Her work plays with dark humour and the absurd, based on dysfunctional childhood, mental disorders and poverty. 

Anton Rodin (1988) and Sergey Chutkov (1984) both from Tajikistan, will work on a collaboration. Both artists have a background in linguistics and journalism. Saodat Ismailova (1981) from Uzbekistan studied filmmaking at Tashkent State Art Institute before joining the cinema department of Fabrica, a communication research centre in Italy. Ismailova is interested in the crossover of fiction and documentary observation, with a special focus on sound and cinematic experimentation. 

Vyacheslav Akhunov (1948) from Uzbekistan is one of the most distinguished artists in Central Asia today. As an artist, writer and philosopher his work comprises abstract paintings, installation, performance and video art as well as numerous essays and novels. His recent exhibitions include participation in  documenta 13 (2012), the Beirut Art Center (2012) and the New Museum, New York (2011).

The project team of the Central Asian Pavilion will further include Venice  coordinator Andris Brinkmanis and Central Asia coordinator Yekaterina Serebryanaya. 

Colletiva per il Padiglione Georgia, Arsenale

Ecco le ultime dal sito del Padiglione della Georgia che sarà presso l'Arsenale, con una variegata collettiva.

The Pavilion of Georgia at the 55th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia will be a parasitic extension to an old building in the Arsenale. This informal structure called a “kamikaze loggia”—characteristic of Tbilisi—will be designed by the artist Gio Sumbadze, who is a researcher of these architectural additions. Vernacular extensions of modernist buildings have been created since the 1990s as an organic response to the new, “lawless” times after the fall of the Soviet Union. They increase the living space and are usually used as terraces, extra rooms, open refrigerators, or—as in Sumbadze’s case— an artist studio. It is said that a Russian journalist named them “kamikaze”, drawing a parallel between the romantic and suicidal character of such endeavour and the typical ending of most Georgian family names “-adze”. This architecture also refers back to the local palimpsestic building technique, which since the Middle Ages, allows new houses to be built on top of existing ones on the steep slopes of the Caucasus Mountains: thus not monumentalising the past, but expanding on it for the future.

This year the Pavilion of Georgia will take the form of a kamikaze loggia hosting an exhibition of the artists Bouillon Group, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri with Ei Arakawa and Sergei Tcherepnin, and Gio Sumbadze. The exhibition will take as its point of departure the creation of such informal architecture, a manifestation of the refusal of dominant structures, in order to incorporate provisional liberty, local self-determination, and acknowledging while also building upon the infrastructural legacy of Soviet master plans. The exhibition aims at presenting the extraordinary range of informality, bottom-up solutions and the concept of self-organization in Georgian art and architecture. Through its performativity, the exhibition will attempt an overview of the potential of shared knowledge present in adaptations, subversive strategies, the shadow economy, and in exploring ways of bypassing regulations. Looking at local examples of self-initiated environments—e. g. kamikaze loggias, “euroremonts”, “beautifications” or modifications of the Soviet heritage—the project will seek to examine their anticipatory, critical and often progressive potential: one comprising multiple secondary uses and sustainable, self-organising parallel policies present in the cultural discourse of today.

During the opening days the artists will be using and adopting the space of the pavilion in a series of staged, performative situations and choreographed sequences both inside the loggia and outside in the Arsenale. The aim of the exhibition Kamikaze Loggia is to cast a critical and progressive look at the social, political and ideological aura of the last twenty years in Georgia as well as the condition of contemporary art and architecture within it — thus introducing an artistic scene of a country that sometimes is described as “Italy gone Marxist”.

Artists

Bouillon Group, an artist collective, founded in Tbilisi in 2008. 

Bouillon Group’s performances, actions and artistic interventions mostly take place in the public realm. They also worked on a series of exhibitions in private apartments referring to the role of private flats during the Soviet Union—often the only space of public debate or exhibition making, which was not officially supported and controlled. They have taken part both in Betlemi-Mikro-Raioni (2009) and Frozen Moments. Architecture Speaks Back (2010), art projects in Tbilisi curated by Joanna Warsza. They have exhibited with AICA Armenia (2010), in Poland (MOCAK in Kraków and Arsenał in Białystok, both in 2011), and in Germany (GfZK in Leipzig, 2010), among others. The project for Kamikaze Loggia, the Pavilion of Georgia, will continue their reflection on the public and the private, as well as on the religious and the ideological. 

Thea Djordjadze, born in 1971, visual artist. 

Thea Djordjadze’s meticulous objects, constructions and installations often deal with architectural structures—both familiar and unfamiliar—and references to modernism as well as to science, music, archaeology and politics. For her multipartite sculptural ensembles, Djordjadze uses everyday materials such as ceramics, cardboard, textiles or plaster along with found objects; she combines fragile materials with stable wooden or steely structures which are reminiscent of furniture, banisters, tables, or bookcases. One of her major—although not obvious—influences is the Georgian informal architecture as well as the relation between the landscape and the built environment in her native region of the Caucasus. Since twenty years Thea Djordjadze has been living in Berlin. She has exhibited worldwide and recently participated at dOCUMENTA 13 and opened solo shows in Malmö Konsthall, Kölnischer Kunstverein, Kunsthalle Basel and the Aspen Art Museum.  

Nikoloz Lutidze, born in 1984, actor, visual artist and performer.

Nikoloz Lutidze is particulary interested in the performative elements of architecture and the on-going modification of urban textures since the fall of the Soviet Union. Since 2010 he is working on a series of actions based on the concept of “Euroremonts”, a local neologism for a superficial renovation according to European standards. He will continue this series for Kamikaze Loggia, the Pavilion of Georgia. His performances, both funny and intelligent, aim at enabling a critical discussion about the legacy of communism and a Soviet aesthetical influence in Georgia. Nikoloz Lutidze is author of the documentary film Freedom of Expression (2009), shown at different human rights centres throughout the Caucasus. 

Gela Patashuri (born in 1973) with Ei Arakawa (born in 1977) and Sergei Tcherepnin (born in 1981)

The collaboration between Gela Patashuri, Ei Arakawa and Sergei Tcherepnin—a Georgian, a Japanese and an American—accidentally started in Tbilisi in 2005 on occasion of the performanceGrand Openings that was part of the Tbilisi series (tbilisi3.com). Since then the collective performances of Patashuri, Arakawa and Tcherepnin involved staged situations, choreographed sequences, process-oriented sound and sonic events playing with architecture and landscape as a medium, as well as with the notions of interdisciplinarity. They presented their work at Casco in Utrecht, The Showroom in London, Bétonsalon and CAC Brétigny in Paris, as well as in Tbilisi inFrozen Moments. Architecture Speaks Back (2010). For the Pavilion of Georgia at the 55^thBiennale di Venezia they plan to stage a musical composition using 277 poems which Alexi Bakhneli, construction worker and Gela Patashuri’s father, wrote between 1978 and his accidental death in 2003. The trio will use all first lines of the 277 poems to compose what may become a series of songs performed in and outside the kamikaze loggia. 

Gio Sumbadze, born in 1976, visual artist.

Gio Sumbadze is mostly working in collectives. He is a member of the Tbilisi art collective Goslab and founder of the Urban Research Lab (URL), a Tbilisi-based platform of artists, architects and photographers. URL produces an on-going archive documenting the repurposing of Soviet infrastructure and studying its relationship to the erosion of the Marxist ideology. URL also constructs a database of social housing in Tbilisi—mostly “mikroraions”, large suburban modernist housing estates—focusing their post-Soviet condition. Together with the Rotterdam Architecture Biennale, URL co-initiated the project New Map of Tbilisi that addressed the rampant real estate development in Tbilisi. Based on his architectural research in Tbilisi Gio Sumbadze developed the kamikaze loggia as the form of the Pavilion of Georgia.

Commissioner

Marine Mizandari, born in 1963, first deputy minister of Culture and Monument Protection of Georgia, has graduated from the Academy of Fine Arts of Tbilisi and holds a PhD in Art History. She conceived and led various cultural projects in Georgia, Belgium and Germany including intercultural events involving various cultural actors from the European and Eastern countries; she delivered lectures on cultural topics in Paris, Freiburg and Louvain-la-Neuve and carried out missions aiming at monitoring the EU funded cultural projects in Armenia, Algeria, Azerbaijan, Belarus, Egypt, Jordan, Georgia, Lebanon, Morocco, Tunisia and Ukraine. She has valuable experience in Cultural Heritage Conservation issues. 

Curator

Joanna Warsza, born in 1976, is a curator for visual, performing arts and architecture. She was associate curator of the 7th Berlin Biennale for Contemporary Art.

Warsza works mostly in the public realm, examining social and political agendas. In 2009 and 2010 she worked in Tbilisi on two projects in the public realm: Betlemi-Mikro-Raioni and Frozen Moments. Architecture Speaks Back which resulted in curating the Pavilion of Georgia at the 55^thInternational Art Exhibition – la Biennale di Venezia. She is editor of Ministry of Highways: A Guide to the Performative Architecture of Tbilisi, published by Sternberg Press in May 2013 and one of the curators of the Göteborg International Biennial for Contemporary Art opening in September 2013.

Artistic Advisor: Nana Kipiani 

Assistant curator: Sandra Teitge

Project manager: Gvantsa Turmanidze

Thai Pavilion at the 55th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia

Ecco alcuni dati del progetto per il Padiglione Thai che sarà presso in Santa Croce al n° 556, per ora c'è una simpatiac pagina su facebook http://www.facebook.com/ThaiPavilion2013 con alcune utili informazioni.

Gli artisti selezionati sono : Arin Rungjang e Wasinburee Supanichvoraparch. 

La Fondazione Bevilacqua La Masa ospiterà tre importanti eventi per la prossima Biennale di Venezia

La storica Fondazione Bevilacqua La Masa ospiterà in occasione della 55° Esposizione Internazionale d'Arte, tre stimolanti eventi, vediamoli rapidamente:

Il 28 maggio si inizia con “Beware of the Holy Whore: Edvard Munch, Lene Berg and the Dilemma of Emancipation”, mostra realizzata in collaborazione con OCA (Office for Contemporary Art Norway) e che rappresenta la partecipazione ufficiale della Norvegia alla Biennale di quest'anno.

Sono proposte in mostra, per la prima volta in Italia, 28 opere di Edvard Munch, come disegni, schizzi e dipinti, messe a confronto con i lavori più recenti della regista contemporanea Lene Berg, tra cui un film inedito. I due artisti norvegesi sono accomunati dall'analisi di una vita ai margini e dal tema dell'alienazione, passando da una prospettiva psicologica a una storica e sociale; un dialogo che prende forma negli spazi della Galleria di Piazza San Marco, che per l'occasione si suddivide in due mostre personali.  L'anteprima stampa della mostra avrà luogo il 28 maggio (h. 12-14) e dal 29 al 31 (h.10-20); la galleria sarà poi aperta al pubblico dall'1 giugno al 22 settembre 2013 (h.11-18).

Il 29 maggio si continua con“Unattained Landscape / Paesaggio Incompiuto”, mostra che la Fondazione ospita nei suoi spazi di Palazzetto Tito.

Il progetto è stato realizzato in collaborazione con Japan Foundation e accosta artisti internazionali, come Marina Abramovic, Maurizio Cattelan e Rirkrit Tiravanija, e giapponesi provenienti dalle più svariate sfere artistiche, dalle arti visive al design, fino a raggiungere video art, manga e letteratura, in una sovrapposizione di discipline che si propone di indagare sulla possibilità di creare un territorio culturale comune, condiviso a livello globale.

In mostra sono presentate opere di artisti tra cui Meiro Koizumi, Simon Fujiwara, Shuji Terayama, Tomoko Yoneda, Karen Cytter, Tacita Dean, Hiroya Oku, Jim O'Rourke, David Peace.   L'anteprima stampa avrà luogo il 29, 30 e 31 maggio 2013 e l'apertura al pubblico avverrà invece dall'1giugno al 20 ottobre 2013 (h.11-18).

Il 31 maggio, protagonisti sono i giovani artisti degli artisti della Fondazione Bevilacqua La Masa per il 2013, che aprono al pubblico i loro studi del Chiostro SS. Cosma e Damiano della Giudecca. Gli open sudios permettono di vedere i giovani artisti al lavoro e partecipare a performance e workshop. Gli assegnatari degli atelier sonoThomasBraida e Valerio Nicolai, Dritan Hyska, Elena Mazzi, il gruppo composto da Marco Gobbi, Andrea Grotto, Cristiano Menchini e Adriano Valeri, Amedeo Abello, Lorenzo Commisso, Rachele Maistrello, Corinne Mazzoli, Martin Romeo, Claudia Rossini, Špela Voldik, i curatori Cake Away.  Nella stessa giornata verrà anche presentato il progetto “Prima Visione”, un programma di residenze svoltosi a Cosenza lo scorso dicembre con lo scopo di incentivare il ripensamento e la rivalutazione delle potenzialità del territorio cosentino, troppo spesso ignorato o sottovalutato.

Venezia, non solo Biennale - Tantissime proposte per la stagione culturale ed artistica dei Musei Veneziani

Finalmente i primi caldi stanno arrivando e con loro la voglia di uscire e girovagare per il nostro meraviglioso paese. Come sempre una delle tappe più suggestive è Venezia che quest’anno offrirà per tutti gli appassionati di arte una nuova interessante edizione della Biennale delle Arti Visive, ma non solo. 

I tanti musei veneziani, riuniti nella Fondazione Musei Civici di Venezia, propongono sempre un ricco programma d’arte, che comprende il lontano e nobile passato ma anche il dinamico presente, vediamo alcune delle più allettanti proposte in corso o che si avvieranno quest’anno. 

Iniziamo da Ca’ Pesaro e dal Palazzo Mocenigo, che hanno subito un ampliamento, con interventi conservativi e restyling dei percorsi museali a cura di Pierluigi Pizzi. 

Nel primo è in corso una mostra su Birolli, Deluigi, Santomaso e Vedova. 

Seguirà “Nel segno di Ileana Sonnabend” che, nell’ambito di un rinnovato percorso permanente a Ca’ Pesaro, ricorderà, a partire dal 1 Giugno, quella che fu forse la più grande scopritrice di talenti artistici della seconda metà del XX secolo insieme a Peggy Guggenheim. 30 eccezionali capolavori della Sonnabend Collection di New York – Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Richard Serra, Jeff Koons, Roy Lichtenstein, ecc. Opere che arricchiranno il percorso museale, concessi in deposito a lungo termine alla Fondazione Musei Civici di Venezia, dopo essere stati esposti al MADRE di Napoli, insieme al grande Rauschenberg “Interior”, giunto direttamente da New York: una ricchezza d’inestimabile valore culturale per la città lagunare. 

Non sarà meno impegnativa sul fronte delle esposizioni temporanee la stagione autunnale, quando prenderà avvio un altro prestigioso appuntamento con l’arte del secondo Novecento e con la personalità eccezionale di Giuseppe Panza di Biumo. “The Panza Collection”, curata dalla Fondazione Musei Civici di Venezia in collaborazione con il MOCA di Los Angeles, il Salomon R. Guggenheim Museum di New York e The Panza Collection di Lugano, porterà in Italia dal 5 ottobre 2013 al 12 gennaio 2014 una selezione di capolavori della pop art, della minimal e dell’arte concettuale e la parte forse più sconosciuta al pubblico italiano della straordinaria raccolta di questo lungimirante e sensibile collezionista. 

Appena finiscono i lavori per il rinnovato Palazzo Mocenigo, prenderà spazio la moda con l’evento “Di forme e di stili” a cura di Chiara Squarcina (30 novembre 2013/27 aprile 2014), che ci farà ripercorrere con importanti manufatti antichi e talvolta pezzi unici (abiti, tessuti, acconciature e accessori) i costumi, le abitudini e i mutamenti del gusto dal 1750 ad oggi. Per riscoprire, attraversando i grandi avvenimenti della Storia e i diversi movimenti culturali, gli indispensabili elementi del glamour e del fashion. 

Si continua quindi con l’avvio a Ca’ Rezzonico del progetto “Archivi del Vedutismo”, che come prima mostra-studio affronterà l’opera di “Pietro Bellotti” (30 novembre 2013/28 aprile 2014) ricostruendo la vicenda artistica del nipote di Canaletto e fratello minore di Bernardo Bellotto (una trentina d’opere in gran parte mai esposte prima d’ora in Italia, a cura di Albero Craievich) e con la spettacolare mostra allestita al Museo Correr sul suggestivo universo delle immagini urbane dagli inizi del Quattrocento al Settecento. Cesare De Seta sarà infatti il curatore–narratore di un percorso evocativo che tra utopia, idealizzazione e resa topografica ricostruirà, con opere di grandi artisti, “L’immagine della città europea dal Rinascimento al Secolo dei Lumi” (30 novembre 2013/16 marzo 2014). 

Nel settecentesco Museo Correr attualmente è in corso un mostra su Agatha Ruiz de la Prada, nota stilista e creativa spagnola, a cui seguirà, con il patrocinio del British Council, la prima retrospettiva italiana dedicata a uno dei massimi scultori viventi, Sir “Anthony Caro”, figura cardine nello sviluppo dell’arte plastica del XX secolo: un omaggio promosso in collaborazione con la Fondazione Anthony Caro - commissari Nicholas Serota e Gabriella Belli - al quasi novantenne artista britannico che, con i suoi rivoluzionari assemblaggi, è internazionalmente considerato emblema del nuovo e della modernità in scultura. 

A Palazzo Fortuny, a breve sarà l'occasione dell’esposizione “Tàpies. Lo sguardo dell’artista”, dal 1 Giugno al 24 novembre, a condurci invece nel caleidoscopico mondo del geniale maestro catalano,interprete dell’informale internazionale,a un anno dalla sua scomparsa. Sul lato opposto del Canal Grande c’è Ma è anche il caso di “A very light art” a Ca’ Rezzonico - a cura di Gabriella Belli e Cornelia Lauf, da un’idea di Caterina Tognon che ne cura anche l’organizzazione -dove 7 artisti, partendo dallo straordinario lampadario in vetro di Murano del ‘700 detto Ciocca o Rezzonico, proporranno opere che si appendono, che dondolano, che illuminano fondate sul concetto del decoro e della maestria. Ancora, la suggestione offerta da “Discovering Vedova” promossa su progetto e con la collaborazione della Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, a cura di Germano Celant, che vedrà alcune magistrali opere del grande maestro veneziano confrontarsi con la storia artistica della città in due luoghi culto della museografia lagunare: Ca’Rezzonico, con le sue visionarie presenze tiepolesche, e il Museo Correr con le eccezionali testimonianze pittoriche tra ‘500 e ‘700 ivi conservate. 

Nel rinnovato Museo del Vetro di Murano - che ha aperto la stagione il 2 febbraio con “Almaric Walter” e la riscoperta della pasta di vetro nella Francia a cavallo tra Otto e Novecento - l’attenzione in primavera, dal18 Maggio al 29 Settembre, si concentrerà sulla vicenda di una vera e propria “dinastia” di Maestri vetrai, “Seguso Vetri d’Arte: 1932/1973”, con un’esposizione frutto della lunga ricerca del belga Marc Hieremans (ma ci sarà anche la personale della polacca Anna Skibska e l’installazione “Camera Oscura: Slides” di Eraldo Mauro dal 1 giugno al 1 dicembre). 

Originali dialoghi tra mondi culturali diversi o tra passato e presente a catturare l’attenzione del pubblico sono proposti con la curiosa mostra “Bestiario Contemporaneo. Fra arte e scienze, artisti italiani della collezione ACACIA” costruita e pensata da Giorgio Verzotti e Gemma De Angelis Testa per il Museo di Storia Naturale di Venezia e la sua collezione permanente (1 giugno/24 ottobre), con l’intento di far dialogare con la collaborazione di Luca Mizzan e Mauro Bon -il mondo scientifico e la cultura naturalistica con le più avanzate espressioni dell’arte contemporanea: da Maurizio Cattelan a Francesco Vezzoli, Nico Vascellari, Vanessa Beecroft e tanti altri.

Marignana/arte - un nuovo spazio a Venezia

Qualche giorno prima dell'avvio della Biennale aprirà  un nuovo spazio per l'arte contemporanea a Venezia.

Si tratta della Marignana/arte che inaugurerà il 25 Maggio con una mostra di Stefano Arienti.

La mostra raccoglie alcuni suoi lavori recenti che sviluppano riflessioni e permanenze formali presenti nella sua ricerca artistica degli ultimi anni. Copertine, una collezione di immagini che rivelano graficamente, riattivandone geometrie e modalità percettive, le immagini dei volumi di una ideale "biblioteca", in una installazione ambientale costituita da 230 fogli di carta traforata. Allo steso modo il lavoro di foratura su dischi di vinile e nuove esperienze dell'artista su formelle di terracotta - opere in bilico tra pittura, disegno, scultura – che invitano a scoprire, come in una quinta teatrale, i segreti, la complessità, la vitalità di semplici oggetti e immagini che circondano ognuno di noi quotidianamente. 

Marignana/arte 

La nascita di un nuovo spazio dedicato all'arte contemporanea a Venezia costituisce per molte ragioni una novità e insieme un segno di continuità con una storia che ha proprio a Venezia, e in Dorsoduro, origini lontane. Dal secondo dopoguerra e con l’'insediamento della collezione di Peggy Guggenheim il sestiere diventa infatti il motore di quella "officina del contemporaneo" che ha dato origine alle migliori espressioni delle avanguardie artistiche della città, con dialoghi e conseguenze importanti con gli altri movimenti italiani e internazionali. Emilio Vedova, Armando Pizzinato, Tancredi Parmeggiani, Edmondo Bacci, Léon Gischia e la stessa Peggy Guggenheim sono solo alcuni dei grandi protagonisti di quella stagione. La recente apertura al pubblico degli spazi di Punta della Dogana e della Fondazione Vedova completano l'identificazione di questi luoghi come un vero e proprio "cuneo" delle arti contemporanee rivolto verso i Giardini della Biennale, aprendo così un nuovo varco al ruolo di Venezia come protagonista nelle arti del nostro tempo. La galleria Marignana/arte si inserisce in questo contesto con un programma di mostre che siano espressione delle più recenti ricerche e un "archivio" per la documentazione, attraverso libri, cataloghi, opere grafiche, di quanto accade nel circuito internazionale dell'arte. 

Inaugurazione e vernice stampa sabato 25 maggio 

Marignana/arte 

Dorsoduro 141 

30123 Venezia 

T +39 347 1828553