Padiglione USA

Mark Bradford’s exhibition for the U.S. Pavilion at the Biennale Arte 2017 is born out of his longtime commitment to the inherently social nature of the material world we all inhabit. For Bradford, abstraction is not opposed to content; it embodies it. His selection of ordinary materials represents the hair salon, Home Depot, and the streets of Los Angeles—both the culture industry and the grey economy.  Bradford renews the traditions of abstract and materialist painting, demonstrating that freedom from socially prescribed representation is profoundly meaningful in the hands of a black artist.

Bradford’s longtime social and intellectual interests will be present in the Pavilion, most notably in his concern for marginalized people, both their vulnerability and their resiliency, and the cyclical threat and hope of American unfulfilled social promise. Coming at a moment of terrible uncertainty, Tomorrow is Another Day is a narrative of ruin, violence, agency, and possibility, a story of ambition and belief in art’s capacity to engage us all in urgent and profound conversations, and even action.

Following its debut in Venice, Mark Bradford: Tomorrow Is Another Day will be on view at The Baltimore Museum of Art from September 2018 through January 2019.

¡Únete! Join Us! - Padiglione Spagna

Artist Jordi Colomer and curator Manuel Segade will represent Spain at the 57th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia. 

¡Únete! Join Us! ​invites visitors to become participants in an exploration of nomadism and collective agency. 

Transhumance, wanderings, journeyings, strayings, displacement: these themes are key to ¡Únete! Join Us!​, whose reference point is rooted in urban utopias that use movement as part of a radical rethinking of social imagination. Marking a return to his early sculptural and theatrical interest, Jordi Colomer’s exhibition at Pavilion of Spain is conceived as an installation of installations. 

Precarious sculptures and transitory architectures form a theatre within the pavilion, encompassing its audience as they walk through the space and turning them into actors, mobilising the space with their presence. The installations offer a path via several video narratives; a journey of occasions, unexpected encounters, playful improvisations and collective gestures that reveal how a community turns an urban landscape into a potential site for exchange, capable of affecting reality. 

“The city is something that needs to be moving,” notes curator Manuel Segade. “A contemporary urban landscape represents displacement and various themes involving movement – political, social and physical – while also moving between the public and the personal.” The fictional premise of the video pieces involves a group of people moving across different sites, exploring the semantics of displacement. 

An abandoned racetrack, an emergency trailer park, tourism-spoiled landscapes through the Mediterranean’s coastal areas and other spaces exclusively repurposed in detail to imitate pre-existing locations. These decidedly low-resource settings are a reflection on the uncertainty and ambivalence of a mobile, unstable, border-crossing citizenry. Suspended between a portable pavilion and a wanderer's wagon, a moveable contraption connects the spaces via an itinerary that conjures a Kafkaesque Babel where nomadic motion becomes linguistic commotion, a vernacular displacement inflecting and translating the activities of a de-territorialized community. Colomer’s community could be seen as a poetical occupation of a utopia under construction. Spain has always played a prominent role in the history of la Biennale di Venezia. Its pavilion in the Venice Giardini was designed in 1922 by Javier De Luque and renovated in 1952 by Joaquin Vaquero Palacios. 

Since 1950, the Ministry of Foreign Affairs and Cooperation has been directly responsible for coordinating the country’s exhibitions in the Spanish Pavilion, and, throughout this time, it has strived to promote Spain’s rich artistic heritage and talent. Acción Cultural Española (AC/E - Spain’s Public Agency for Cultural Action) has been involved in the support of contemporary creation at the Venice Biennale, both in the production of the Spanish Pavilion and in the international selection. 

Artists invited to exhibit and intervene at the Spanish Pavilion have included Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Susana Solano, Santiago Sierra, and most recently, Miquel Barceló, Dora García and Lara Almárcegui. 

Artist: ​Jordi Colomer Curator: Manuel Segade 

Commissioners: ​Ministry of Foreign Affairs and Cooperation of Spain Spanish Agency for International Development Cooperation (AECID) 

Supporter: ​Spain’s Public Agency for Cultural Action (AC/E) 

Exhibition​: 13 May to 26 November 2017 

Press conference ​Wednesday, 10 May 2017 at 12.15 pm 

Official opening​: Wednesday, 10 May 2017 at 1.30 pm 

Rita Kernn-Larsen da Peggy

Nella stagione della Biennale Arti Visive la Fondazione Peggy Guggenheim presenta un inedito approfondimento dedicato all’arte surrealista di Rita Kernn-Larsen, rinomata pittrice danese, a cui Peggy dedicò la prima personale nella sua galleria londinese Guggenheim Jeune nel 1938. Raccolta e mirata, si tratta della prima presentazione del lavoro della Kernn-Larsen al di fuori della Scandinavia dopo la mostra del ’38.

Si tratta di un inedito approfondimento dedicato all’arte surrealista di Rita Kernn-Larsen, rinomata pittrice danese. La mostra Rita Kernn-Larsen. Dipinti surrealisti, a cura di Gražina Subelytė, Curatorial Assistant della Collezione Guggenheim, è un’esposizione, intima e raccolta, che inaugura le due nuove sale espositive del museo, le “Project Rooms”: spazi destinati ad accogliere progetti espositivi raccolti e mirati, finalizzati ad approfondire il lavoro di un artista, o specifiche tematiche legate alla produzione artistica di un determinato interprete del XX secolo, legato alla collezione di Peggy.

Nel 1937 Rita Kernn-Larsen (Hillerød 1904 – Copenhagen 1998) incontra a Parigi Peggy Guggenheim e l'anno seguente viene invitata dalla stessa collezionista americana a esporre presso la propria galleria londinese Guggenheim Jeune, in una personale che segna l'inizio della carriera 'surrealista' di Peggy. Questa mostra alla Collezione Peggy Guggenheim riunisce una preziosa selezione di dipinti surrealisti di Rita Kernn-Larsen, pittrice tuttora poco nota al di fuori dell'ambiente danese. Si tratta della prima esposizione di rilievo dedicata alle opere del periodo surrealista della Kernn-Larsen mai organizzata dai tempi della mostra alla Guggenheim Jeune, oltre i confini scandinavi, e oltre metà delle opere esposte a Palazzo Venier dei Leoni sono apparse nella sua personale organizzata da Peggy nel 1938.

V-A-C Foundation apre a Venezia un nuovo spazio

Una nuova realtà apre a Venezia, grazie alla russa V-A-C Foundation, il Palazzo delle Zattere progettato dallo studio _apml 

La V-A-C Foundation è una fondazione russa voluta da Leonid Mikhelson e Teresa Iarocci Mavica per sostenere le nuove forme dell'arte contemporanea e ora a Venezia crea uno spazio permanente dopo alcune partecipazioni a sostegno di artisti internazionali. 

I primi di Maggio si inaugurerà una grande mostra dal titolo "Space Force Construction" con opere di Wolfgang Tillmans e David Goldblatt, Barbara Kruger, Abraham Cruzvillegas, Kirill Gluschenko, Mikhail Tolmachev e Christian Nyampeta.

“Rio Grande” video di Yuri Ancarani

Dopo Bruno Ceccobelli, Mimmo Rotella, Fabrizio Plessi, Gaetano Pesce, Luca Buvoli, Arcangelo, Irene Andessner, Fausto Gilberti, Botto&Bruno, Marco Tirelli, Pietro Ruffo, Omar Galliani, Qiu Zhijie, è il ravennate Yuri Ancarani l’artista scelto da Caffè Florian per l'edizione 2017 di Temporanea – Le Realtà Possibili del Caffè Florian.

In concomitanza con la Biennale Arte 2017, dall’11 maggio fino al 10 settembre, il regista presenterà la sua nuova video installazione site specific dal titolo “Rio Grande” nella storica Sala delle Stagioni del Caffè di Piazza San Marco.

Girato poche settimane fa al confine tra Texas e Messico, «Rio Grande rappresenta l'idea di un confine che a volte non c'è», tema di strettissima attualità.

Per Ancarani, nato nel 1972, è un ritorno a Venezia, dopo aver preso parte alla Biennale Arte 2013 di Massimiliano Gioni. I suoi lavori di video artista e film maker nascono da una continua commistione tra il cinema documentario e l'arte contemporanea e volgono lo sguardo verso una ricerca tesa a esplorare regioni poco visibili e percepite del quotidiano, in cui Ancarani si addentra in prima persona.

I lavori di Yuri Ancarani sono stati presentati in numerose mostre e musei nazionali e internazionali, tra cui: 16. Quadriennale d’Arte - Altri tempi, altri miti (Roma) (2016/17); 55. Esposizione d'Arte Internazionale, Il Palazzo Enciclopedico, La Biennale di Venezia (Venezia); Fondazione Sandretto, Re Rebaudengo (Torino); MAXXI, Museo Nazionale delle, Arti del XXI secolo (Roma); AMACI, Museo del Novecento (Milano); Hammer Museum (Los Angeles, California); R. Solomon Guggenheim Museum (New York, USA).

Ancarani ha inoltre ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui: Premio speciale della giuria CINÉ+ Cineasti del presente, 69° Locarno Film Festival (Locarno, Svizzera) (2016); Talent Prize 2012; due nomination per “Nonfiction feature filmaking”; Cinema Eye Honors, Museum of Moving Image (New York, USA); “Grand Prix in Lab Competition”, Clermont-Ferrand Film Festival (Clermont-Ferrand, Francia).

In posizione privilegiata sotto i portici delle Procuratie Nuove in Piazza San Marco a Venezia, il Caffè Florian fu aperto il 29 dicembre 1720 da Floriano Francesconi con il nome di “Alla Venezia Trionfante”, ma ben presto la clientela prese l’abitudine di chiamarlo “Florian”. Da allora il locale rappresenta un ritrovo per artisti, intellettuali, politici e personaggi illustri nonché punto di incontro di svariate realtà.

Nel 1893, all’interno della Sala del Senato del Florian, nacque l’idea, grazie a Riccardo Selvatico e ad altri intellettuali veneziani, di organizzare la Prima Esposizione della Città di Venezia, conosciuta poi internazionalmente come la Biennale. Temporanea è nata proprio per celebrare questo storico evento.

Recuperate due opere di Paolo Veronese

Fra i tantissimi eventi proposti nei giorni della Biennale fa piacere segnalare anche la bella iniziativa supportato da Bulgari e da Venetian Heritage nel recuperare due opere di Paolo Veronese presenti nella chiesa di San Pietro Martire a Murano.

L'11 Maggio sarà presentato il lavoro di recupere o le opere restaurata presso le Gallerie dell'Accademia di Venezia, seguirà poi un'altra presentazione il 24 Ottobre a New York presso la Frick Collection.  

CS

L’isola di Murano era conosciuta non solo per le famose fornaci che producevano vetri soffiati celebrati in tutta Europa, ma anche per la presenza di numerose chiese, ville, monasteri e giardini.

L’Ottocento fu un secolo nefasto soprattutto per l’isola di Murano, dove con l’applicazione dei decreti napoleonici e più tardi di quelli austriaci, furono demoliti numerosi istituti religiosi. I dipinti di Paolo Veronese si trovavano nell’ex chiesa di Santa Maria degli Angeli, edificio d’impronta rinascimentale ancora esistente, ma spogliato di ogni opera d’arte già dal 1806. Le tele furono trasferite nella vicina chiesa di San Pietro martire, dove sono attualmente collocate. Le fonti ci informano che si trovavano presso la cappella di San Gerolamo e furono eseguite nel 1566 da Paolo Veronese su commissione di Francesco degli Alberi.

I dipinti si presentano molto scuri e poco leggibili, probabilmente a causa dell’applicazione di vernici, poi ossidate nel tempo. Le ricche cornici seicentesche, scolpite e dorate, si trovano in pessimo stato di conservazione.

Il restauro, attualmente in corso, restituirà le celebri cromie veronesiane. L’intervento di restauro dei dipinti e delle cornici è stato sostenuto grazie al generoso contributo della maison Bulgari.

progetto 
restauro di due dipinti di Paolo Veronese e delle cornici barocche

luogo
chiesa di San Pietro martire, Murano, Venezia

direzione lavori
Soprintendenza belle arti e paesaggio di Venezia e laguna

ditte esecutrici
Claudia Vittori, Venezia;
Sansovino s.n.c. di Antonio Casellati
& Francesco Grimaldi, Venezia

donazione
Bulgari;
Venetian Heritage

inizio lavori
aprile 2016

fine lavori
lavori in corso

finanziamento 
62.500,00€

Pierre Huyghe all'Espace culturel Louis Vuitton

Quest'anno l’Espace culturel Louis Vuitton di Venezia ospiterà una selezione delle opere di Pierre Huyghe, parte della serie di eventi intitolata “Beyond the Walls”.

Le diverse azioni artistiche di Pierre Huyghe saranno proposte a Venezia e poi in altri spazi del noto marchio francese. La Fondation Louis Vuitton presenterà nei suoi spazi tre lavori provenienti dalla sua vasta collezione: A Journey That Wasn’t (2005), un video e le sculture creature (2005-2011) e Silence Score (1997). In mostra dal 10 maggio al 26 novembre 2017 presso l’Espace Louis Vuitton di Venezia.

Personale femminile

Con PERSONALE FEMMINILE “Mi interessava metter in rilievo l’approccio all’arte di tre giovani donne, con percorsi e sensibilità diverse, ma simili nella delicatezza, nella voglia di creare un proprio linguaggio e nel codice femminile di autoselezione e autocritica elevatissimo sul proprio lavoro. 

Questa loro severità e onestà intellettuale non solo le contraddistingue, ma genera opere di grande perfezione e interesse.” Spiega Ermanno Tedeschi curatore della rassegna nello spazio El Magazen dell’Arte in Dorsoduro a Venezia. Tre artiste Fancesca Duscià, Brigita Huemer Limentani e Barbara Nejrotti si alterneranno per presentare  le proprie opere in un contesto molto suggestivo.

La prima inaugurazione, sabato 29 aprile ore 18,30 vede protagonista Brigita Huemer Limentani, la cui personale  resterà aperta sino al 29 maggio.

Brigita Huemer Limentani

Personale di a cura di

Ermanno Tedeschi

Spazio El Magazen dell’arte

Dorsoduro 1375 – Venezia

dal 30 Aprile al 29 Maggio

Aperto dalle ore 11 alle 19

Khora Contemporary

This year’s Venice Biennale will mark the launch of Khora Contemporary, a Virtual Reality (VR) production company created specifically for artists. 

Major commissions by German artist, Christian Lemmerz, and from LA-based Paul McCarthy, will mark Khora Contemporary’s launch, part of this summer’s Faurschou Foundation presentation in Venice, during the 2017 Venice Biennale. Both artists can be seen to have pushed their ideas, and ultimately their practice, through their ground-breaking approach to the use of this fast-evolving medium. Christian Lemmerz’s La Apparizione, produced earlier this year, aims to disrupt stereotypes of religious imagery, engaging the viewer in a discomforting, close-up experience with a burning corpse of Jesus Christ, which ‘rains’ embers. Jesus and other religious personages have figured in the artist’s work before, and ‘Bodybuilder’ Jesus first appeared in Lemmerz’s oeuvre in 2013 in sculpture form. Here, he comes alive in death, his rippling muscles writhing in agony, dripping golden blood into the physical space of the viewer. 

The aim of this VR work is to enhance the relationship the viewer forms with the imagery; its beauty, excess, death and pain. Paul McCarthy’s work CSSC VR experiment "what is your name?” has been especially created for the show in Venice, and revisits characters previously present in the series ‘Coach Stage Stage Coach’, or ‘CSSC’ for short. McCarthy has often tested the emotional stamina of the public. This time experience transcends borders, through the interplay of the female characters Mary and Eve, the artwork interacts directly with the viewer’s personal space, left with no choice, but to take a protagonist position in the unfolding act. Khora Contemporary commission works directly from artists, connecting them to specialist developers at Khora VR in Denmark. 

The artworks are presented using the best VR technology to date, HTC VIVE, a fully immersive VR system allowing room-scale movement. Khora Contemporary aims to trigger a new wave of artistic practice, and experiential artworks, with the power to affect the senses and the subconscious. Virtual reality has made a successful entry onto the global market at an unusually fast pace, although access for artists to the most up to date technology and quality viewing options is still developing. Khora VR has joined forces with Faurschou Foundation to launch Khora Contemporary to enable artists to create new scenarios where the psychological and physical spheres overlap. 

www.khoracontemporary.com /info@khoracontemporary.com Instagram: @khoracontemporary Facebook: @khoracontemporary 

12 May - 27 August 2017 Faurschou Foundation, Fondazione Cini, Venice

VITEL TONNÉ - An Art Recipe Exhibition in Venice

ENG  / ITA

Vitel Tonné is a Piedmontese dish of cold, sliced veal covered with a creamy, mayonnaise-like sauce that has been flavored with tuna; it is also known as “the main course of an Italian meal or as an exceedingly elegant antipasto for an elaborate dinner", Marcella Hazan, the famous authority on Italian cuisine, states.

 Veal + tuna + mayonnaise, separately strong ingredients, with solid flavour, compose a great dish. According to canonical parameters on cooking, Vitel tonné should not exist, Fish + Meat = Forbidden! And if it did not, Italian cuisine would be sorely lacking.

But, there is always an exception, and it’s the peculiar nature that gives birth to a genius dish.

 This culinary introduction, might sound like an odd premise for an art show, but it is only too appropriate for the organic exhibition that THE POOL NYC is presenting for this 2017 Venice Biennale at Palazzo Cesari-Marchesi.

 We are proud to serve a selection of junk media and free range artists, very spicy and from various countries, all belonging to the same kitchen of ART.

 Art, as we see it, is the Grande Cucina with many chefs, all with their own unique sense of personality, humor, fantasy, intelligence, sensitivity.

 There is a common denominator that let arts stick together, even being from different centuries and origins, as it happens in magical recipes.

 THE POOL NYC is happy to marinate, in the rooms of an old Venetian Palace of the XVIII century, a wide selection of Modern and Contemporary artworks for a digestible show.
 Walking through the salons of the palazzo will entertain your eyes, will stimulate your spirit, and will nourish your cultural avidity. Every room is filled with a specific medium in order to satiate your need of ceramic, figurative painting, or photography without additives. Your artistic hunger will be satisfied by slicing every single work of art installed within the Palazzo.
 The Menu is rich of interesting dishes, made of contemporary dairy free ceramic, organic paintings of the XX and XXI Century served in an old building.

 This explosive dressing will regenerate your stomach. It will be a shake of artworks, to savor all together, or each separately. You can start with a vegan antipasto of photography and end with a glazed ceramic dessert.

 The main salon, garnished with stuccos, hosts a convivial long table, where the whole art family, will peacefully dine, exchanging opinions despite their different nature.
In Italy we experience the Cuisine not just as a survival or Epicurean moment, but as a situation where we get together. We don’t care about nationality, dairy products, color, vegetarianism, taste, Extra Virgin Olive Oil, size, veganism, age, medium, political views, feminism, spacialism, abstract art, pop-art, we can live together and devour it all.
This is a gluttonous experience, and we are pleased to share it with you.
 

ITA

Il Vitel Tonné è un piatto tipico piemontese realizzato con il girello di vitello e la salsa tonnata. Si può guarnire con capperi e limone.

 Vitello, tonno e maionese, ognuno con un sapore forte, danno vita a una ricetta favolosa.
Seguendo i canonici parametri della buona Cucina, il Vitel Tonné non dovrebbe esistere perché Carne+Pesce=Divieto Assoluto! Ma ecco l’eccezione che conferma la regola.

 Questa introduzione culinaria potrebbe apparire bizzarra per una mostra d’arte, ma è assolutamente adatta per la organic exhibition che THE POOL NYC presenta a Palazzo Cesari-Marchesi in occasione della 57esima edizione de La Biennale di Venezia.

 Acquolina in bocca per i più avidi collezionisti. Si tratta di una mostra ghiotta: vetri, ceramica, pittura, astratta e figurativa, video, installazioni, fotografia, disegni, acquerelli, diorami; una visione dell’arte come esperienza golosa, adatta a palati sopraffini.

 Siamo orgogliosi di servirvi una selezione di junk media e artisti liberi, assai speziati e di varia provenienza, tutti però appartenenti alla stessa Cucina dell’Arte.

 L’arte, per come la intendiamo, è la Grande Cucina con tanti cuochi, ognuno con la propria personalità, humor, fantasia, intelligenza e sensibilità.

Un comune denominatore fa sì che le arti, sebbene di secoli e luoghi diversi, ben convivano, proprio come nelle migliori ricette di cucina.

 Nelle stanze di un antico palazzo veneziano del XVIII secolo, THE POOL NYC è felice di marinare un’ampia selezione di lavori di Arte Moderna e Contemporanea per una mostra davvero sfiziosa.

Camminare all’interno dei saloni del palazzo attrarrà i vostri occhi, stimolerà lo spirito e nutrirà la vostra avidità culturale. Ogni stanza è farcita d’arte per saziare il vostro bisogno di installazioni multimediali, di pittura figurativa, o di diorami senza conservanti.

Questo menu esplosivo vi rigenererà. Potrete cominciare con un antipasto di fotografia e finire con una spuma di ceramica invetriata.

 La sala principale, guarnita con stucchi, ospita un banchetto dove l’intera famiglia dell’arte mangerà insieme, scambiando convivialmente opinioni.

In Italia siamo abituati a mangiare non tanto per sopravvivere o per il piacere del palato, ma soprattutto per stare insieme, come atto simposiaco. Non importa la nazionalità dei partecipanti, la loro età, il colore, l’appartenenza a una corrente artistica, che siano vegetariani, figurativi, o biodinamici; non discriminiamo nessuno per le visioni politiche o i media utilizzati; siamo aperti al Femminismo, allo Spazialismo, all’Astrattismo, alla Pop-Art; usiamo Olio Extra Vergine d’Oliva e acrilico; ci ritroviamo tutti insieme allegramente e divoriamo tutto quel che ci viene proposto.

Preparatevi a un’esperienza golosa, che noi siamo felici di condividere con voi.

 

Artists:                                
Ercole Barovier, Gina Beavers, Bertozzi & Casoni, Giacomo Cappellin, James Case-Leal, Eteri Chkadua, Marcel Dzama, Giorgio Ferro, Stefania Fersini, Piero Fogliati, Luigi Ghirri, Piero Gilardi, Giorgio Griffa, Riccardo Guarneri, Patrick Jacobs, Austin Lee, Sol LeWitt, Aldo Mondino, Niccolò Montesi, MVM, Luigi Ontani, Jonathan Rider, Andrea Salvatori, Antonio Scaccabarozzi, Carlo Scarpa, Peter Schuyff, Archimede Seguso, Bianca Sforni, Federico Solmi, Giuseppe Stampone, Fratelli Toso, Giulio Turcato, Ludwig Wilding.

Address:
Calle Rombiasio, Campo Santa Maria del Giglio, 30124 Venezia.

How to find us:
Once in Campo Santa Maria del Giglio, walk opposite to Canal Grande, pass the church of Santa Maria del Giglio on the left and Tessitura Bevilacqua on the right, following THE POOL NYC stickers.

Vaporetto stop:  S. Maria del Giglio (same stop of the Gritti Palace)

Water access: Rio de l’Alboro (aka Rio de le Ostreghe)

Dates: 9^th May-25^th June 2017

Hours of Operation: daily 11 am – 7 pm and by appointment
Vernissage and Opening Reception: 9^th May 2017 at 6 pm.

Vik Muniz alla Fondazione Cini

Il 21 aprile 2017 apre al pubblico Afterglow: Pictures of Ruins, il nuovo progetto ideato ad hoc per la Galleria di Palazzo Cini dall’artista Vik Muniz, ispiratosi ai capolavori della collezione Cini

Dal 21 aprile al 24 luglio la Galleria di Palazzo Cini a San Vio, inaugura la stagione espositiva 2017 con un omaggio alla contemporaneità: gli spazi al secondo piano accoglieranno la mostra del noto fotografo Vik Muniz Afterglow: Pictures of Ruins. Omaggio a Venezia, nato da un dialogo con il curatore Luca Massimo Barbero, Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini, l’esposizione include foto inedite ispirate ai grandi maestri della collezione Cini, come Francesco Guardi, Dosso Dossi e Canaletto, oltre a una speciale scultura in vetro. Grazie ad Assicurazioni Generali, main partner della Galleria fin dalla sua riapertura nel 2014 e da molti anni sostenitore istituzionale della Fondazione Cini, la stagione espositiva sarà aperta al pubblico fino al 15 novembre 2017.

Ispirandosi alla mostra “Capolavori ritrovati della collezione di Vittorio Cini” – ospitata nel 2016 al secondo piano del Palazzo -, al capriccio italiano e alla tradizione veneziana, l’artista contemporaneo Vik Muniz presenta nella mostra Afterglow: Pictures of Ruins lavori realizzati ex novo in una scala cromatica straordinariamente vivida, attingendo ai dipinti della collezione di Vittorio Cini e ponendosi così in un dialogo ideale con le opere esposte in Galleria.

La tradizione del capriccio architettonico, che unisce edifici reali e immaginari, rovine archeologiche e una varietà di altri elementi architettonici combinati in modo creativo e fantasioso, divenne un vero e proprio fenomeno nella pittura italiana del XVII e XVIII secolo che fu molto apprezzato, condiviso e stimato. Muniz rivisita questo tema in chiave contemporanea, simulando le pennellate di questi quadri con ritagli di dipinti riprodotti in volumi di storia dell’arte attentamente selezionati non solo per i loro valori cromatici ma anche per le immagini che contengono, che incollati insieme richiamano una superficie tattile, a impasto. Proseguendo la tradizione degli artisti del XVII e XVIII secolo, Muniz ricombina in modo creativo questi elementi ricostruendo nuove immagini che, attraverso un gioco di rimandi e citazioni, incuriosiscono lo spettatore.

In mostra sarà esposta anche una originale scultura in vetro, in omaggio alla città lagunare, che riproduce in grandi dimensioni un bicchiere della tradizione veneziana del Settecento. L’opera è stata realizzata a Murano da Berengo Studio 1989 ed è frutto di diverse tecniche di lavorazione del vetro; il colore prevalente è rosso rubino, ed è stata utilizzata anche la foglia d’oro.

La mostra Afterglow: Pictures of Ruins inaugura la stagione 2017 della Galleria di Palazzo Cini a San Vio, “luogo straordinario, nascosto in evidenza” – come ama definirlo il direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte Luca Massimo Barbero. Riaperto nel 2014 e situato tra le Gallerie dell'Accademia, la Collezione Peggy Guggenheim e Punta della Dogana, conserva capolavori di Giotto, Guariento, Botticelli, Filippo Lippi, Piero di Cosimo e Dosso Dossi. Contestualmente alla riapertura al pubblico del Palazzo, avvenuta nel 2014, l’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Cini ha avviato una nuova e importante ciclo di studio delle opere conservate, sfociato nella pubblicazione del catalogo La Galleria di Palazzo Cini, che sarà ufficialmente presentato il prossimo 29 maggio.

Vik Muniz Vik Muniz è nato a San Paolo, Brasile, nel 1961 e attualmente vive tra New York City e Rio de Janeiro. Ha tenuto esposizioni presso istituzioni estremamente prestigiose quali l’International Center of Photography di New York, il Museu de Arte Moderna di San Paolo, il Museu de Arte Moderna di Rio de Janeiro, il Whitney Museum of American Art di New York, la Fundació Joan Miró di Barcellona, la Menil Collection di Houston, il Museo d’Arte Contemporanea di Roma e l’Irish Museum of Contemporary Art di Dublino. Le sue opere sono anche esposte nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York, dell’Art Institute di Chicago, del Solomon R. Guggenheim Museum di New York, del the Metropolitan Museum of Art di New York, del Museu de Arte Moderna di San Paolo, del Museum of Contemporary Art di Tokyo, del Museum of Fine Arts di Boston, del Museum of Fine Arts di Houston, della Tate Gallery di Londra, del Victoria and Albert Museum di Londra, del Walker Art Center di Minneapolis e del Whitney Museum of American Art di New York. Nel 2001 Muniz ha rappresentato il Padiglione brasiliano alla quarantanovesima Biennale di Venezia. Vik Muniz è stato il protagonista di un documentario candidato all’Oscar dal titolo Waste Land (2010), che ricostruisce la cronistoria delle collaborazioni dell’artista con un gruppo di catadores (che sopravvivono raccogliendo e differenziando rifiuti) del quartiere Jardim Gramacho della città brasiliana di Duque de Caxias a nord di Rio de Janeiro, il sito di una delle più grandi discariche del mondo. Muniz lavorò tre anni con i catadores, utilizzando i rifiuti riciclabili da loro raccolti per creare dei ritratti monumentali di questi individui emarginati che ne rivelavano la dignità e disperazione, rifacendosi agli antichi capolavori dei Maestri. Muniz è stato inoltre nominato Ambasciatore di Buona volontà dell’UNESCO per il suo contributo a favore di istruzione e sviluppo sociale, in particolar modo per il suo lavoro con i catadores.

Alamak!

Alamak! on the occasion of the 57. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia "ISLANDS IN THE STREAM” Anon Pairot + Kawita Vatanajyankur + Guests 13 May - 24 September 10 am - 6 pm (closed on Mondays) Private Viewing & Cocktail Party Thursday 11 May 2017 3 pm - 5 pm Arsenale Docks, S. Pietro di Castello 40 (Canale di San Pietro) 30122 Venice 

Alamak! Project launches young Asian artists with multimedia exhibition “Islands in the Stream” for the opening of the 57th Art Biennale in Venice. 

Anon Pairot and Kawita Vatanajyankur are two young Asian/international artists who have, like others of their generation, decided to live on a "nomadic " base, working in different countries and matching their skills with different economical/social/cultural situations, globally. 

Their concentration on topics of representation/discussion of social, cultural, even scientific issues, makes them and their work a new point of reference for the art audience and general public. Their works shown at Alamak! Pavilion in Venice can be considered as "terraferma" - solid ground in the stream of liquid society, where people can stop, stand and understand their condition by looking at the meaning/significance of the world. Kawita Vatanajyankur investigates the condition and obligations of women in contemporary society, by videos with strong performances of female bodies engaged in difficult balancing acts. Anon Pairot looks deeper into the meaning of everyday objects, with the parody full size model Changrai Ferrari car, made out of rattan by skilled Thai craftsmen, or with the iconic rendering of rice sacks from his family memories. 

Other guest artists presented by Alamak! in this exhibition develop objects which merge sound, matter and irony in a constant dialogue between real and imaginary world. The magic city of Venice, where their works are shown at the Arsenale Docks, is in itself an Island in the stream which has resisted so much history and many natural offenses: a city which should be underwater if the whole world wouldn't take care of it, a city in the sea like a unique example of natural/artificial balance. In this respect the show is also homage to Venice and its Art Biennale as unique phenomena of enormous importance for the world’s global culture.

Curators The exhibition is curated by Yoichi Nakamuta, Japanese founder of alamak! Project and Stefano Casciani, Italian designer, writer, publisher.

alamak! The alamak! Project was established to give a platform to emerging creative talent in Asia and explore the work of Asian artists and designers as a driving force behind future art and design movements. Taking its name from the word alamak! – a common expression to exclaim surprise in daily conversation throughout South East Asia and Japan, the Project was created by Yoichi Nakamuta with the intention to provoke an appraisal of contemporary creativity in the region. The alamak!project aims to tour the World with a series of events and exhibitions to illustrate and give rise to these creative undercurrents driving art and design in Asia. 

We Are with Andrew Rogers

We Are, the newest sculptural work by Andrew Rogers, will be unveiled on Thursday, May 11th as a collateral exhibition to the 2017 edition of La Biennale di Venezia - 57th International Art Exhibition. Comprised of eight large bronze and stainless steel sculptures, this installation is a further iteration of Rogers’ series titled I Am. Presented in part by the Global Art Affairs Foundation; the work will be on view through November 26, 2017, at Palazzo Mora in Venice, Italy. Rogers’ practice explores human emotion through the light, organic forms that define his sculptural works, as well as the importance of the individual in affecting change. 

The artist sees the works in the series I Am and its derivative We Are as a metaphor for the dichotomy of human nature. The rough, undulating, organic outer surfaces that represent our physical selves are in direct contrast to the delicate, polished interiors reflecting the internal personal world of our thoughts. Belief in the individual as a catalyst for change informs Rogers’ ongoing practice: “We are all individuals possessing the sanctity of a singular life and the ability to express ourselves. At the same time we are part of the society within which we live,” Rogers says. “These figurative forms are to remind us that it is the individual that makes our world a place of justice and compassion.” Rogers work complements the ideas expressed by Christine Macel, 2017 Director of the Venice Biennale, in her curatorial statement, that, “In a world full of conflicts and jolts, in which humanism is being seriously jeopardized, art is the most precious part of the human being. It is the ideal place for reflection, individual expression, freedom, and fundamental questions…more than ever, the role, the voice and the responsibility of the artist are crucial in the framework of contemporary debates.” The work philosophically relates to Roger’s ongoing series of geoglyphs – large-scale land-art installations for which he is best known. To date the project – titled Rhythms of Life – encompasses 51 major stone sculptures across the world, which act together to create the largest contemporary land art project. Each individual geoglyph is an act of collaboration between Rogers and the local community in which it is situated – as they work together to find and create a symbol that is significant to each respective region and people – and yet as a group they form a set of drawings across the earth visible from space. 

Over the years this project has involved over 7,500 people in 16 countries across all seven continents and continues to grow. About the Artist Andrew Rogers is one of Australia’s most distinguished and internationally recognized contemporary artists. International exhibitions are frequent and his critically acclaimed sculptures are in numerous private and prominent public collections and around the world. Rogers has received many significant commissions, including several large-scale pieces and various forms of land art. Rogers’ work is exhibited widely internationally and is the subject of books and documentaries shown on Ovation in the United States, the Discovery channel in Europe and the ABC and National Geographic channels. 

The Rhythms of Life land art project is featured on the Google Cultural Institute’s Art Project website in a digital exhibition of ultra-high resolution images. About the Global Art Affairs Foundation The GAA Foundation is a Dutch non-profit organization that aims to heighten the awareness about the more philosophical themes in contemporary art, architecture and in culture in general. In particular, it promotes the theme: "Time – Space – Existence", making this subject matter more accessible to a wider international audience. In order to achieve this goal, it organizes exhibitions, symposia, publish extensively and create art projects. 

The GAA Foundation was established in 2002 in New York, USA and starting in 2009, the Foundation has been based in Leiden, the Netherlands with a branch in Venice, Italy. Since 2002 the GAA Foundation has organized 26 contemporary art exhibitions and 6 symposia in Japan, the United States of America and various European countries. In addition, it supports, encourages, and enables the creation of artworks and undertakes joint projects with a range of international artists. For more information please visit: www.andrewrogers.org

THE END OF UTOPIA con Jacob Hashimoto e Emil Lukas

LA MOSTRA

Due artisti americani conosciuti a livello internazionale sono stati invitati da Studio la Città a Palazzo Flangini per allestire una mostra site-specificdedicata al tema della fine dell'utopia.

Addentrandoci nell'era dell’Antropocene, il nostro tributo diventa sempre più evidente. Decenni di sfruttamento ambientale ci hanno lasciato pericolosamente in bilico su tutti i fronti: politico, sociale, economico, naturale, tecnologico e ecologico. Come molti osservatori dell'Antropocene hanno notato, l'umanità stessa è diventata sempre più carnefice piuttosto che vittima del caos planetario.

Il lavoro di Emil Lukas occupa il primo piano dello spazio. Lukas ha creato tre gruppi di opere, separati ma interconnessi: "Lens, Puddles, Threads" [Lenti, Pozzanghere e Fili]. Alla fine del salone, 650 tubi in alluminio, sono assemblati in una sorta di lente gigantesca. Attraverso i tubi saldati uno di fianco all'altro, la scultura concava è quasi iridescente, permette una visione che  si sposta a seconda dei movimenti dello spettatore. Dall'angolo destro, la lente focalizza e isola il visitatore, concentrando l'esperienza dell'opera su un'unica fondamentale prospettiva - la posizione dell'osservazione nel Panopticon.

Mentre "Lens" si rivolge alla seduzione data dall'osservazione, i lavori dalle serie "Puddles" sono un vasto microcosmo che unisce contemporaneamente una progressione impercettibile, quasi geologica del tempo.

Per molti versi, questi lavori sono classificati più come sculture che come dipinti, e si caratterizzano per superfici tirate in concavità a forma di imbuto, grazie ad una trama di fili. Lukas quindi permette alla pittura di raccogliersi in queste concavità formando così delle stratificazioni. Quando il colore asciuga, i pigmenti colano attraverso la tela, macchiando e rivelando la storia delle varie superfici stratificate. I "Threads Paintings" sono delicate sovrapposizioni di fili ancorati su un telaio di legno che incorniciano il retro irregolare di gesso bianco. Questi fili si incrociano uno con l'altro in modo sempre più fitto intorno al perimetro irregolare del telaio, lasciando il centro dell'opera relativamente vuoto.

L'effetto di questa densità disegnata, da una certa distanza, crea una potente illusione ottica di volume. Come il visitatore si avvicina al lavoro, l'intreccio di fili diventa apparente e si svela una delicata atmosfera che scorre su un paesaggio alieno.

THE END OF UTOPIA con Jacob Hashimoto e Emil Lukas

Palazzo Flangini - Cannaregio 252, Venezia

 Vip preview 9, 10, 11, 12 maggio ore 10.00 -18.00

Opening con aperitivo 12 maggio ore 18.00 – 21.00

Mostra 13 maggio – 30 luglio 2017, 11.00 -18.00 (chiuso il lunedì)

MARCO POLO - ON THE SILK ROAD by LILYA Pavlovic-Dear

Lilya is an internationally recognized artist who has worked on this theme since 1994. She has had solo shows on the theme of the Silk Road in Washington D.C., New York, Paris, Hamburg, Avignon and Xi’an. Her book Marco Polo on the Silk Road received the Grand Prix Botticelli from the Society of French Poets in 2008. She has had more than 60 solo shows and 200 group shows. Her art works are in numerous public and private collections.

She examines the past and connects it to the present globalization, as well as the process of multiple influences between east and west. The video is built as a collage of actual landscapes through which the Silk Road is passing and paintings and photographs and historical documents are overlapping those landscapes. The video is accompanied by music of various countries.

MARCO POLO - ON THE SILK ROAD       SULLA VIA DELLA SETA       在丝绸之路

 by  LILYA Pavlovic-Dear

 Monday, 8 May 2017  10 a.m. – 5:30 p.m. Prior to the Venice Bienniale 2017

The space of Life - Lo spazio della vita

 Rosalind Fox Solomon 'This Place' è la mostra che esplora la complessità di Israele e della Cisgiordania, come luogo e metafora, attraverso gli occhi di dodici fotografi di fama internazionale. Le loro opere molto personali si combinano per creare non una singola visione monolitica, ma piuttosto un ritratto vario e frammentato, animato dalle fratture e dalle contraddizioni di questo spazio importante e molto contestato”. 

Tra il 2009 e il 2012 dodici dei fotografi più acclamati al mondo : Frédéric Brenner, Wendy Ewald, Martin Kollar, Josef Koudelka, Jungjin Lee, Gilles Peress, Fazal Sheikh, Stephen Shore, Rosalind Fox Solomon, Thomas Struth, Jeff Wall, e Nick Waplington, hanno trascorso lunghi periodi in Israele e in Cisgiordania, liberi di avvicinarsi ai soggetti che hanno scelto.

Nei lavori è impossibile ignorare il conflitto israelo - palestinese che lascia il segno su molte delle immagini, spesso in modi che non sono immediatamente evidenti. 

Rosalind Fox Solomon è una dei dodici fotografi che ha partecipato al progetto ‘This Place’. Ecco la sua testimonianza nell’intervista con la curatrice della mostra This Place, Charlotte Cotton. 

CC: Si può dire che le fotografie trasmettono un percorso emozionale, piuttosto che una rappresentazione di Israele e la Cisgiordania? 

RFS: Il viaggio emotivo è parte della rappresentazione. Sono stata emotivamente colpita dai conflitti culturali e politici. Le mie foto non sono uscite dalla macchina fotografica; sono venute fuori dal mio intestino. Ogni giorno che ho trascorso lì, ero tesa ed emotivamente cablata. Sono cose che capitano; in Sud Africa ho avuto l'herpes zoster. Non si può vivere in quel tipo di ambiente senza essere colpiti da tensione e stress. Ho sentito il caos. Forse qualcosa di questo è trasmesso dalle mie immagini. 

CC: Pensa che le fotografie che sono state create sono una rappresentazione del suo percorso personale in Israele e in Cisgiordania? 

RFS: I miei conflitti personali e le risposte sono parte di tutto ciò che faccio come artista. La mia storia è un punto di riferimento quando cerco di comprendere i fattori che influenzano gli altri. In Israele e in Cisgiordania i fattori inclusi sono: posizione, razza e religione. Queste determinano dove la gente vive, come vengono trattati e le loro aspettative per il futuro. Con tutte le mie risorse ho cercato di entrare in contatto con la cultura che era intorno a me. Questa era una situazione particolarmente caricata. Spesso ho sentito questo nell'interazione tra me e le persone che ho fotografato. Attraverso i miei ritratti ho risposto su base individuale a persone che ho incontrato, cercando di raggiungere e comprendere le loro anime attraverso la mia. 

CC: In quali situazioni sono state fotografate le persone in Israele e Palestina? 

RFS: Ho fotografato una serie di persone che hanno radici in questo luogo, siano essi cristiani, ebrei o musulmani. Ho fotografato le coppie e le famiglie a casa - israeliani e palestinesi. Ho fotografato a Purim e la Pasqua. Ho fotografato pellegrini a Natale a Betlemme e la famiglia palestinese che mi ha ospitato. Ho fotografato pellegrini presso la Chiesa del Santo Sepolcro nella Città Vecchia di Gerusalemme; una processione della Domenica delle Palme presso il Monte degli Ulivi e una guida di Israele con i pellegrini ghanesi. Ho fotografato la celebrazione di alcuni membri di una comunità della Sierra Leone che è venuta in Israele più di venti anni fà, come lavoratori edili e ho fotografato eritrei senza documentii a sud di Tel Aviv. Ho fotografato soldati isreliani al Memorial Day sul Monte degli Ulivi. Ho fotografato al Jalameh Checkpoint dopo il tragico assassinio di Juliano Mer-Khamis, il direttore del Jenin Freedom Theatre a Jenin. Molte delle mie foto di successo riprendono le persone, che hanno partecipato ai rituali pubblici. 

Rosalind Fox Solomon è nata a Highland Park, Illinois nel 1930 e attualmente vive a New York City. Esamina le relazioni e la sopravvivenza attraverso ritratti e rituale. Il profondo legame tra la sua conoscenza con il rifiuto, la lotta e il dolore è evidente nel suo immaginario e nella poesia. Ha lavorato a lungo nel Sud degli Stati Uniti e di New York; Ancash, Perù e Calcutta, in India. Le fotografie di Rosalind Fox Solomon sono nelle collezioni di oltre 50 musei e il suo lavoro è stato esposto in quasi 30 mostre personali e 100 collettive. John Szarkowski ha scelto 50 delle sue immagini per la collezione permanente del MoMA, al seguito della sua mostra personle al MoMA, "Rosalind Solomon, Ritual". 

Lei è il destinatario di numerosi riconoscimenti, tra cui borse di studio del John Simon Guggenheim Foundation, la National Endowment for the Arts e la Società Americana di Studi indiani. Ikona Photo Gallery le ha dedicato due mostre nella sede di San Moisè nel 1980 e nel 1982. Nel 1989 era esposta nella mostra Fotografie di Ikona Gallery alla Fondazione Querini Stampalia. Venezia. 

International School of Photography Campo del Ghetto Nuovo, Cannaregio 2909, Venezia _ tel. 0415 2 8 9387 mail. ikonavenezia@ikonavenezia.com

titolo mostra THE SPACE OF LIFE_LO SPAZIO DELLA VITA 

fotografie di Rosalind Fox Solomon 

luogo IKONA VENEZIA, Campo del Ghetto Nuovo, Cannaregio 2909 Venezia 

durata dal 8 marzo al 28 maggio 2017 orario dalle ore 11.00 alle ore 19.00 - 

chiuso il sabato 

mostra a cura di Živa Kraus,